Colmar, Église Saint Matthieu, FESTIVAL INTERNATIONAL DE COLMAR 2026, IOCO
Colmar, Église Saint Matthieu, 13.07.2026
Ein kinematografisches Duo
CROSSOVER - BRÜCKEN-ÜBERQUERENDE MUSIKALISCHE LEIDENSCHAFTEN …
SMILE
Smile, though your heart is aching
Smile, even though it’s breaking
When there are clouds in the sky
you’ll get by
If you smile through your fear and sorrow
Smile and maybe tomorrow
You’ll see the sun come shining through
For you
Light up your face with gladness
Hide every trace of sadness
Although a tear may be ever so near
That’s the time you must keep on trying
Smile what’s the use of crying
You’ll find that life is still worthwhile
If you’ll just
Smile
(Musik von Chaplin, Text
von Turner and Parsons)
Einen glanzvoller Abschluss des Festivals…
Renaud Capuçon, der wohl der berühmteste französische Geiger unserer Zeit ist , spielt zusammen mit seinem bevorzugten Partner, dem jungen französischen Pianisten Guillaume Bellom, sind zu Gast und präsentieren ein Programm, das drei Jahrhunderte Musik in den Mittelpunkt stellt. Von der 3. Sonate für Violine und Klavier in E-Dur, BWV 1016 (1717/1723) von Johann Sebastian Bach (1685-1750) über die berühmte 5. Sonate in F-Dur, Frühlingsonate, Op. 24 (1801) von Ludwig van Beethoven (1770-1827), über Claire de Lune, L 45 / 32 (1882) aus der Suite bergamasque, FL 82 (1905) von Claude Debussy (1862-1918) und natürlich auch Liebesgruß, Op. 12 (1888) von Edward Elgar (1857-1934) oder die Romanze in A-Dur, Op. 94,N°2 (1849) von Robert Schumann (1810-1856). Auch mit Liebesleid (1921) von Fritz Kreisler (1875-1962), entführt dieses Konzert das Publikum in die schönsten Seiten der Kammermusik.
Anschließend führt diese virtuose Reise zu den Breitwand-Klängen von Ennio Morricone (1928-2020) für den Film Nuova Cinema Paradiso (1988) von Giuseppe Tornatore (*1956), und dann zu einer sehr sentimentalen und sehnsuchtsvollen Melodie Smile aus dem berühmten Film Modern Time (1936) von Charlie Chaplin (1889-1977), jetzt aber tauchen wir in die Tiefen von jazzigen und aufbrausenden Tönen mit der Musik von Stéphane Grappelli (1908-1997) aus dem Film Les Valseuses (1974) von Bertrand Blier (1939-2025) ein. Der Abschluss ist dem weltberühmten John Williams (*1932) gewidmet mit seiner großartigen Musik für den Film Schindler‘s List (1993) von Steven Spielberg (*1946).
Das Duo wird die ganze Tiefe, den Fluss und die Poesie dieser zeitlosen Meisterwerke zur Geltung bringen. Auf keinen Fall verpassen!
„Musik bringt die Seele in Einklang mit allem, was existiert…“ (Oscar Wilde / 1854-1900)
„Ich habe Bachs: Sonaten und Partiten regelmäßig und über einen sehr langen Zeitraum gespielt, und es stimmt, dass man, sobald man einen gewissen Punkt in seiner Karriere erreicht hat, seine Vision in einer Aufnahme festhalten möchte. Im Grunde genommen hatte ich keine große Angst davor: Ich glaubte nicht, dass es die endgültige Version sein würde, denn es wird immer jemanden geben, der etwas anderes anbietet“. So erklärt Leila Schayegh (*1975) ihren Ansatz, eine weitere Version der kompletten Sonaten und Partiten für Solo- oder mit Klavier aus Bachs: Libro Primo (1720) auf Barockinstrumenten zu präsentieren. Welch ein langer Weg ist vergangen seit der allerersten Gesamteinspielung der Sonaten und Partiten durch Yehudi Menuhin (1916-1999) Mitte der 1930er-Jahre und der ersten Barockfassung Anfang der 1980er-Jahre durch Sigiswald Kuijken (*1944), die einen Wendepunkt in der Geschichte der Barockmusik-Renaissance markierte. Es gibt viele vollständige Fassungen dieser Sonaten und Partiten auf Instrumenten, die auf moderne Stimmung eingestellt sind, und zugegebenermaßen etwas weniger auf Barock-Instrumente und in Stimmungen, die nach den damaligen Vorgaben aufgeführt werden.
Ein Werk aus der Köthener Zeit…
Die Sonaten und Partiten – im Originalmanuskript „Partia“, die deutsche Bezeichnung für Partita – für Violine solo, katalogisiert als BWV 1001 bis BWV 1006, bilden einen Zyklus von sechs Werken, die Bach 1720 während seiner Zeit als Kapellmeister und Kammermusikdirektor für Fürst Leopold von Anhalt-Köthen (1694-1728) komponierte: Drei Sonaten und drei Partiten, die den Konventionen der Zeit entsprechen, sind in diesem Opus vereint, dessen Originaltitel im Manuskript Sei Solo à Violino senza Basso accompagnato – Libro Primo da Joh. Seb. Bach lautet. Jede Sonate besteht aus vier Sätzen mit abwechselnd langsamen und schnellen Tempi, wobei der zweite Satz eine Fuge ist. Dies entspricht der von Arcangelo Corelli (1653-1713) begründeten klassischen Form der Sonata da chiesa. Jede Partita ist gemäß der französischen Barock-Tradition in vier oder sechs Tanzsätze gegliedert. Dazu gehören Allemanden oder Präludien, Couranten, Sarabanden, Menuette, Gigues, Siciliennes und Bourrées – Tempo di Borea in der ersten Partita, Loure in der dritten, ein französischer Tanz, der der Auvergne-Bourrée ähnelt und nach einem normannischen Dudelsack benannt ist. In der Partita N°. 1, die aus vier Sätzen besteht, folgt auf jeden Tanz sein Double, eine verminderte Version des Originals – gewissermaßen eine Variation. Zur Erinnerung: Eine Diminution ist im Wesentlichen eine Wiederholung des vorhergehenden Stücks; sie bezeichnet eine Verzierungstechnik, bei der die Noten der Originalmelodie verkürzt werden, um Verzierungen einzufügen und so ein Tempowechsel zu erzeugen. Die Verwendung von Doubles war im 17. Jahrhundert weit verbreitet, doch paradoxerweise setzte Bach sie nur selten ein.
Den Abschluss der 2. Partita bildet schließlich das absolute Meisterwerk der Musikgeschichte, die berühmte Chaconne. Interessanterweise deutet die Kombination dieser beiden typischen Formen, Sonate und Partita, in ein und demselben Werk – die eine evoziert italienische, die andere französische Musik – darauf hin, dass Bach sich in die Tradition dieser beiden musikalischen Strömungen einreihen wollte, die die gesamte europäische Musik jener Zeit maßgeblich prägten. Nicht zuletzt sei daran erinnert, dass die Violine – neben der Bratsche – eine von Bachs profunden Kenntnis des Instruments. Eine Tatsache, die sein Sohn Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788) in einer seiner Schriften bestätigt.
Gleich zu Beginn gibt das Adagio der 1. Sonate den Ton an. Zunächst einmal besticht der Klang durch seine erstaunliche Reinheit, was nicht zuletzt daran liegt, dass Schayegh eine außergewöhnliche Guarnerius -Violine aus dem Jahr 1675 spielt – von Andrea Guarneri (1726-1698), einem Schüler von Niccolò Amati (1596-1684), dessen Violinen als ebenbürtig mit denen von Antonio Stradivari (1644-1737) oder Amati gelten. Ihr bemerkenswerte flüssiges Spiel verleiht diesem Adagio, in dem die Atemzüge bewundernswert wiedergegeben werden, eine besondere Tiefe. Die unmittelbar darauf folgende Fuge ist schillernd! Doppel-, Dreifach- und Vierfachgriffe folgen in perfektem Tempo aufeinander. Die Verzierungen sind makellos, ebenso die Staccati und die Intonation – sie erreichen ihren Höhepunkt. Das abschließende Presto ist ein wahres Feuerwerk, ein Moment der Virtuosität, das die Musik Bachs auf ein neues Niveau hebt. Die Allemande aus der 1. Partita, von Zartheit durchdrungen, ist besonders gelungen und zeugt von einer zurückhaltenden, aber dennoch hochwirksamen Virtuosität. Es ist schwierig, jedes einzelne Stück zu erwähnen; jedes stellt einen kleinen Schatz an Raffinesse und Eleganz dar, durch den Schayegh die Musik des Kantors übertrifft.
Ein Denkmal in der Geschichte der Musik…
Am Ende der 2.Partita folgt das mit Spannung erwartete Stück: Die berühmte Chaconne. Sie ist das längste Werk dieses Opus. In d-Moll gesetzt, entwickelt sie einen besonders kunstvollen Kontrapunkt, in dem mehrere verschiedene Melodien übereinandergelegt und beinahe endlos gekonnt variiert werden. Die Geschichte dieser Chaconne ist eine Geschichte von Trauer und Schmerz: Nach seiner Rückkehr von einer Reise nach Karlovy Vary, wo er den Fürst Leopold zum Baden begleitet hatte; erfuhr Bach, dass seine Frau Maria Barbara Bach (1684-1720) in seiner Abwesenheit gestorben und zehn Tage zuvor beerdigt worden war. Er blieb mit vier kleinen Kindern im Alter von 5 bis 11 Jahren zurück. In seiner Trauer überarbeitete er die Chaconne und fügte zwei Choralmelodien in die Bass- und Mittelstimme ein Dein Will gescheh, Herr Gott aus der Johannes-Passion, BWV 245 (1724) und zugleich auch den Choral Christ lag in Todesbanden (1725) von Martin Luther (1483-1546). Diese fesselnde Chaconne, kraftvoll in ihrer dramatischen und spirituellen Dimension, lädt zum Nachdenken ein. Die beschwörende Klage eines zutiefst verletzten Bach wird auf wunderschöne und leidenschaftliche Weise durch die Musik vermittelt. Wir werden von etwas Erhabenen berührt!
Beim Hören werden wir auch das Adagio der 3. Sonate bemerken, das dieselbe emotionale Kraft wie die darauf folgende Chaconne besitz, sowie die Fuge derselben Sonate, die introspektiver als die vorhergehende ist, aber – falls überhaupt nötig – daran erinnert, dass Bach diese Kunst meisterhaft beherrschte; der Aufbau seiner Fugen gilt bis heute als Vorbild klassischer Kompositionskunst. Das fulminante Allegro Assai, das diese 3. Sonate beschließt, ist ein Beweis reiner Virtuosität. Aus der 3. Partita sind das berühmte Präludium von seltener Vollkommenheit und die abschließende Gigue voller Schwung und Lebendigkeit besonders einprägsam.
Salut d’Amour…
Elgar und seine zukünftige Frau Caroline Alice Roberts (1848-1920) gaben sich nicht mit bloßen Ringen zur Erinnerung an ihre Verlobung im Jahr 1888 zufrieden, sondern tauschten auch künstlerische Geschenke aus.
Sie hatte ihm ein Gedicht geschenkt, das sie einige Jahre zuvor geschrieben hatte und das den Titel The Wind at Dawn (1888) trug, das sie jedoch für diesen Anlass in The Grace of Love umbenannte. Elgar vertonte es sofort und gewann damit beachtliche 5 Pfund, als er es bei einem Kompositionswettbewerb einreichte. Umgerechnet auf heutige Verhältnisse wären das etwa 2600 Pfund – kein schlechter Verdienst für einen angehenden Komponisten und seine Verlobte. Zum Dank schenkte Elgar seiner Alice ein musikalisches Liebesgeschenk mit dem Titel With Love, das er in Settle in Yorkshire komponierte.
Da Elgar Geschenke nie ablehnte, schickte er einige Fassungen an Schott‘s Publisher, die ihm dafür lediglich zwei Guineen zahlten und das Werk umgebend mit dem Titel Salut d’Amour veröffentlichten. Dabei nannten sie ihn geheimnisvoll „Ed, Elgar“ – in der Hoffnung, dass sich das Werk besser verkaufen würde, wenn es weniger englisch Klang. Und so war es auch! Traurigerweise erhielt Elgar nur seine zwei Guineen!
Eine Romanze für Clara…
Clara Wieck-Schumann (1819-1896), die gegen den Willen ihres Vaters einen Tag vor ihrem 21. Geburtstag heiratete, war Konzertpianistin, Komponistin, Herausgeberin, Unterstützerin von Johannes Brahms (1833-1897), Förderin der Musik ihres Ehemannes Schumann – und außerdem Mutter von acht Kindern, von denen eines im Säuglingsalter starb.
Zur Vorstellung der Familie Schumann folgt hier Schumanns: Schlummerlied, komponiert am Weihnachtstag 1841, Schumanns Tochter Marie Schumann (1841-1929) war in jenem Jahr geboren. Zwei Jahre zuvor, 1839, erhielt Clara von ihrem Verlobten die Drei Romanzen, Op. 28 zu Weihnachten. Robert hielt sie nicht für „gut oder würdig genug“, um sie ihr zu widmen. Protestierend schrieb Clara ihm am 1. Januar 1840: „…als deine Braut musst du mir in der Tat etwas anderes widmen, und ich kenne nichts Zärtlicheres als diese drei Romanzen, insbesondere die mittlere, die ein wunderschönes Liebesduett ist“. Trotz ihrer Begeisterung für die Romanzen schlug Clara ihm vor, sie zu überarbeiten, und so wurden vor der Veröffentlichung im Oktober 1840 einige Änderungen vorgenommen. Das Paar hatte im Vormonat geheiratet. Robert zählte die Romanzen später zu seinen erfolgreichsten Werken, insbesondere die mittlere – dennoch widmete er sie einer anderen Frau.
Gekennzeichnet mit Einfach – schlichtweg – obwohl im Autograph das Wort andantino verwendet wird -, ist diese heitere 2. Romanze auf drei Notenzeilen geschrieben, wobei die Daumen ein inneres Duett spielen, das von der sanft wellenförmigen Begleitung in der strahlenden Tonart F-Dur umgeben ist.
In der dreiteiligen Form wirkt der Mittelteil unruhiger; die Melodie, nun in einer ernsten Moll-Tonart, wandert zu den äußeren Fingern der rechten Hand, während die linke Hand besorgte Oktaven im Dialog mit der rechten spielt. Ein synkopierter Rhythmus erzeugt einen Hemiola-Effekt, während die Musik sich den dunklen Regionen von c-Moll nähert und die linke Hand im tiefsten Register des Klaviers verweilt. Eine ängstliche, aufsteigende Sequenz und ein unruhiger Rhythmus tragen zur Spannung bei, die sich schließlich elegant auflöst, indem die linke Hand ein tiefes Cis als Dominante der Grundtonart erreicht und die Musik so wieder in die tonale Sicherheit zurückführt.
Es folgt ein weiterer Höhepunkt und eine Pause; ein reich verzierter Kontrapunkt webt einen strahlenden Klangteppich von großer Schönheit, der mit der tröstlichen Wiederkehr der Tonika seinen Abschluss findet. Das Nachspiel wiederholt leise den punktierten Rhythmus der Hauptmelodie immer wieder, während die Musik ausklingt, schwebend, in der Luft verweilend.
Der Inbegriff von sentimentalen Herzschmerzen…
Kreisler, geboren 1875, zählt zu den größten Geigern des 20. Jahrhunderts. Als sehr beliebter Arrangeur und Komponist mit außergewöhnlichem Klang war er einer der ersten, der für die Victor-Firma aufnahm und zählte somit mit dem Tenor Enrico Caruso (1873-1921), der Sopranistin Nellie Melba (1861-1931) und dem Pianisten und Kompositeur Ignacy Jan Paderewski (1860-1941) zu den Victor Immortals.
Kreislers: Liebesleid besticht durch ein warmes Vibrato und eine edle Qualität, die der Sentimentalität Würde verleiht. Man hört auch den geschmeidigen Schwung des typisch Wiener Walzers mit seinem ungleichmäßigen Dreiertakt. Kreisler nutzt alle Feinheiten seiner rechten und linken Hand, indem er Fingersätze und Glissandi einsetzt, um die Musik förmlich sprechen oder artikulieren zu lassen.
Dieses Werk, das sein Freund Sergueï Rachmaninow (1871-1943) aufführen wird, vermittelt uns eine Wiener Nostalgie, ein idealisiertes Wien aus der Ferne, ein Wien der Dämmerung, in dem die Menschen weiterhin in die Oper gehen, Operetten genießen und Walzer tanzen, egal was passiert… Nach dem Ersten Weltkrieg schrieb Kreisler weiterhin Zugaben für seine Liederabende, komponierte Pastiches, Imitationen barocker Werke, ohne deren Urheberschaft öffentlich anzuerkennen.
Die Geschichte von Smile...
Die Geschichte des Liedes Smile ist außerhalb von Musik-Kreisen kaum bekannt! Es wurde ursprünglich von keinem Geringeren als Chaplin komponiert und orchestriert. Das Lied entstand als Instrumenten-Stück für den Soundtrack seines Films Modern Time und erschien 1936 und war anders als übliche Stummfilme: Er erhielt einen Ton! Es war das erste Mal, dass Chaplins Stimme in einem Film zu hören war.
Chaplin schrieb das Drehbuch, führte Regie, produzierte den Film und spielte die Hauptrolle. Er komponierte und arrangierte auch die gesamte Musik mit der Hilfe von Alfred Newman (1900-1970). - A. Newman ist der Onkel von Randy Newman (*1943) – ja, genau der R. Newman. Chaplin komponierte oft die Musik für all seine Spielfilme!
Die Idee zum Film entstand während der Weltwirtschaftskrise (1929/1939). Diese weltweite Krise begann mit dem Börsencrash im Oktober 1929. Der daraus resultierende Kursverfall führte zu schweren wirtschaftlichen Zeiten für die Menschen in den Vereinigten Staaten und darüber hinaus. Sie suchten nach Gründen, weiterzumachen! Botschaften der Hoffnung waren unerlässlich, um den Optimismus trotz ihrer schwierigen Lage aufrechtzuerhalten.
Wie das Lied zu seinem Namen kam…
Il Jahr 1954 fügten John Turner (1929-2020) und Geoffrey Penwill Parsons (1929-1995) dem Lied einen Text hinzu, der auf Zeilen und Themen aus Chaplins Stummfilm basierte. Mit anderen Worten: Sie gaben ihm den Titel, den er bis heute trägt – Smile.
Geschichte des „Lächelns“ im Film Modern Time…
Der Film erschien 1936, mitten in der Krise. Wie bereits erwähnt, war diese Zeit von einem wirtschaftlichen Abschwung geprägt. Dieser Abschwung führte zu höheren Preisen für Konsumgüter. Viele Menschen konnten sich keine Lebensmittel leisten und mussten in Suppenküchen anstehen. Der kleine Tramp kämpft in der neuen, modernisierten Industriewelt. Zuerst begegnet er einer Reihe von Menschen, die auf seinem Weg Not und finanzielle Probleme erleben. Später findet der Tramp Inspiration und gibt sie im Verlauf der Geschichte weiter. Der Kontext des Films sowie die Szene mit dem Instrumentalstück selbst sind von gewaltiger Bedeutung.
Hier fanden Turner und Parsons die Inspiration für den Text und den Songtitel. Zusammenfassend lässt sich sagen, dass die Geschichte des Liedes Smile die eines Landstreichers ist, der versucht, das Gamin zum Lächeln zu bringen. Eine detaillierte Erklärung, wie diese Schlussfolgerung zustande kommt, finden wir weiter unten. An dieser Stelle im Film erklingt die Instrumental-Version von Smile. Vor allem aus dem Thema und den Zwischen-Titeln geht klar hervor, dass der kleine Tramp, der von Paulette Goddard (1910-1990) gespielten Figur der Ellen Peterson, dem Gamin versichert, dass alles gut wird. Keine der Zwischentitel erwähnt ein Lächeln, doch Goddards Figur ist in bester Laune. Die Vorstellung häuslichen Glücks und Lachen zu sein! So deutet der Tramp beispielsweise auf das Haus, in dem er und das Gamin in einer Traumsequenz gemeinsam essen.
All dies geschieht trotz ihrer schwierigen Lage; schließlich ist sie doch obdachlos. Chaplins Rolle des Tramps versucht, sie zur Geduld zu ermahnen! Bald werden bessere Tage kommen – die Kernaussage des Liedes Smile. Die Botschaft des Tramps ist, selbst in Zeiten der Weltwirtschaftskrise Hoffnung zu finden.
Popularität erklärt…
Möglicherweise ist dieses Lied deshalb so zeitlos und beliebt, weil es direkt Hoffnung vermittelt. Es ermutigt uns, unsere Trauer zu überwinden, denn morgen können bessere Zeiten kommen. Anders gesagt: Selbst wenn wir uns mitten in einer Depression oder den Prüfungen des Lebens befinden, sollen wir lächeln. Wir sollen weiterkämpfen, auf bessere Tage hoffen, und wie es im Lied heißt: „Du wirst feststellen, dass das Leben trotzdem da ist“. Die Botschaft der Hoffnung scheint Anklang zu finden, denn das Lied Smile wird bis heute von vielen Künstlern gesungen. Es findet sich immer wieder in Filmen und Serien in irgendeiner Form wieder. Manche Versionen werden begleitet, andere a capella vorgetragen. Doch unabhängig von der Begleitung bleibt das Lied weiterhin beliebt.
Entstehung eines beliebten Standards…
„Lächle, auch wenn dein Herz schmerzt, lächle, auch wenn es schmerzt…“. Es ist ein geliebter Klassiker „Lächle“. Die meisten kennen das Lied, und viele kennen es als „das Lied, das Chaplin geschrieben hat“. Hat Chaplin es wirklich geschrieben? War er überhaupt ein Songwriter? Tatsächlich hat Chaplin das Lied indirekt mitgeschrieben. Und nein, er war kein Songwriter! In seinen Memories (1990) erzählt der Komponist David Raksin (1912-2004), die vollständige Entstehungsgeschichte, und ergänzt durch ein Interview, wie er mit Chaplin zusammenarbeitete. Es ist heute eines der berühmtesten Lieder Amerikas und wurde ursprünglich von Nat King Cole (1919-1965) aufgenommen, der damit 1955 den ersten Hit landete. Judy Garlands (1922-1969) ergreifende Darbietungen 1963 in der The Ed Sullivan ( 1901-1974) Show (1948/1971) und anderswo hallten durch die Dunkelheit jenes Jahres darüber hinaus. Michael Jackson (1958-2009) sagte oft, es sei sein Lieblingslied, und nahm es selbst in einer wunderschönen, andächtigen Orchesterversion auf. Seine Brüder spielten es zu seinen Ehren bei seiner Beerdigung.
Zuletzt gab es eine Version aus dem Jahr 1959 vom legendären Komiker Jimmy Durante (1893-1980), der eher für seine markante Nase für seine Musik bekannt ist. Diese Version wurde im Film Joker 2019) von Todd Phillips (*1970) mit Joaquin Pjoenix (*1974) in der Hauptrolle verwendet. Hier ist die wahre Geschichte hinter Smile. Chaplin schrieb, inszenierte und spielte nicht nur die Hauptrolle in seinen eigenen Filmen, sondern komponierte auch die Filmmusik. Und für die Stummfilme, die ohne Dialoge auskamen, waren dies umfangreiche Kompositionen. Das Lied Smile basiert auf dem ergreifenden Thema aus Chaplins Musik aus seinem Film Modern Time. Obwohl Chaplin die alleinige Anerkennung für die Filmmusik erhielt, beauftragte er einen „musikalischen Sekretär“, seine Ideen in eine Orchesterpartitur umzusetzen Der Komponist Raksin, der später selbst Hunderte von Filmmusiken und berühmte Lieder wie z. B. Laura (1944) aus dem gleichnamigen Film von Otto Preminger (1905-1986) schrieb, übernahm diese Aufgabe bei Modern Time. Wie er im folgenden Bericht erklärt, war er „Mitautor dieser Partitur“. Weder Chaplin noch Raksin hatten jemals beabsichtigt, dass die Musik als Lied verwendet werden sollte. Dies geschah erst 1954, rund achtzehn Jahre nach der Veröffentlichung von Modern Time, Chaplins letzten Stummfilm.
Als Symbol der Hoffnung…
Am 21. März 1994, vor 28 Jahren, triumphierte der Film Schindlers List bei den 66. Academy Awards und erhielt zahlreiche Auszeichnungen, darunter den Preis für die beste Filmmusik. Die Musik wurde von Williams komponiert und von Perlman und dem Boston Symphony Orchestra eingespielt.
„Jedes Mal, wenn ich spiele, egal auf welchem Kontinent, ist es dasselbe! Ich werde ausnahmslos gebeten, die Musik aus Schindler’s List zu spielen“. Diese Worte von Perlman zeugen von der immensen Popularität und der besonderen Aura, die Williams‘ musikalisches Thema umgibt. Doch man sollte nicht glauben, dass dieser Erfolg den israelischen Geiger stört. Im Gegenteil, in jedem Interview betont er dasselbe. Er ist stolz darauf, dass Williams an die Violine dachte und ihn bat, diese Musik aufzuführen, die als Symbol der Hoffnung und Hommage an die jüdische Musik-Traditon konzipiert wurde.
Perlman hat dieses musikalische Thema schon immer bewundert. In einem Interview mit der Los Angeles Times im Jahr 2018 brachte der Geiger seinen Respekt vor Williams zum Ausdruck. Als der Komponist Perlman ausdrücklich bat, seine Partitur zu spielen, fragte er: „John, wie hast du das geschafft? Du bist ja nicht jüdisch, wie konntest du dieses Thema so perfekt umsetzen?“
Die Schönheit dieser Melodie zeugt von der tiefen Rührung, die Williams ergriff, als er zum ersten Mal Ausschnitte aus Schindler’s List sah. Er erinnert sich, dass er zunächst schwieg und dann, nachdem er ein paar Schritte im Zimmer gegangen war, zu Spielberg sagte: „Ich glaube wirklich, Sie brauchen einen besseren Komponisten als mich für diesen Film“. Worauf Spielberg angeblich schelmisch antwortete: „Ich weiß… aber die sind doch alle tot!“
Was Perman und das Boston Symphony Orchestra betrifft, so sahen sie Spielbergs Film zum ersten Mal kurz vor den Aufnahmen zu Williams‘ Filmmusik. Ähnlich wie Sergei Prokofjew (1891-1953) Sergei Eisensteins (1898-1948) berühmten Film Alexander Newski (1938) oder Miles Davis (1926-1991) den Film Ascenseur pour l‘echafaud (1957) von Louis Malle (1932-1995) sahen, muss man sich vorstellen, wie Perlman und das Orchester diese Musik live aufführten und ihr Spiel, ihre Noten und ihre Emotionen mit den Filmsequenzen synchronisierten.
Vielleicht liegt darin die enorme Kraft dieser Musik: Die von Spielbergs Film hervorgerufenen Emotionen wurden von den Musikern live interpretiert! Diese Musik ist Ausdruck ihrer Gefühle, ihrer Empfindungen; der dieses Meisterwerk von Spielberg entdeckt.
Siehe auch IOCO-Kritik:
Festival International de Colmar 2026: Bamberger Symphoniker, Brahms, 12. 07.2026
Junge Talente: Elias David Moncado und Mirabelle Kajenjeri,
13.07.2026.
Das Konzert in der Église Saint Matthieu im Rahmen des Festival International de Colmar am 13. Juli 2026:
Strenge und Poesie…
Am Abend des 13. Juli 2026 präsentierten Capuçon und Bellom ein Konzert, das mit einer erhaben interpretierten 3. Sonate von Bach begann, gefolgt von Beethovens berühmter Frühlings-Sonate. Auch hier zeigte sich die vollkommene Harmonie zwischen Capuçons zartem Violinspiel und Belloms feinsinnigem Klavierspiel. Der Rest des Konzerts bestand aus kürzeren Stücken, die zumeist der Welt des Films entstammen. Wollte man das Wesen dieses Duos Capuçon-Bellom beschreiben, so ließe sich sagen, dass es von einer sehr subtilen Klangfarbe geprägt ist: Capuçons Spiel ist oft ätherisch und streng, doch sein perfekter Ton wird von Sinnlichkeit, einer warmen Präsenz, Großzügigkeit und einer direkten, frei von Narzissmus, Ansprache an den Zuhörer begleitet. All dies spiegelt sich in Belloms vielleicht introspektiveren Spiel wider, einer Mischung aus zurückhaltender Emotionalität, Strenge und Poesie – sein Bach ist wahrhaftig großartig! -, einer Eleganz, die aus einem großen intelligenten Klangverständnis entspringt: Wie lässt sich die volle kompositorische Dichte von Werken Bachs oder Beethovens mit Einfachheit vermitteln? Dieses Geheimnis erlebte das Publikum, zu Recht begeistert, bevor es sich an einer Reihe zumeist bekannter Filmmelodien und einer großzügigen Zugabenfolge erfreute.
Auskunft und Karten: www.festival-colmar.com Tel.: +33 (0)3 89 20 68 97
