Bremerhaven, Stadttheater Bremerhaven, DIE VERKAUFTE BRAUT - Bedrich Smetana, IOCO

Marie in Böhmen

Erlebnisbericht aus dem Stadttheater Bremerhaven anlässlich der Aufführung von Bedrich Smetanas „Die verkaufte Braut“

von Thomas Honickel

Vorstellung vom 1. November 2026

Fazit zu Beginn

Ein Opernnachmittag mit durchaus widersprüchlichen Erlebnissen. Ein grandioses Solistenquartett von den Sängerdarstellern Marie, Hans, Wenzel und Kezal, ein spielfreudiger und kraftvoll zupackender Opernchor, eine mindestens interessante und in sich schlüssige Regie und ein einnehmendes Bühnenbild sowie zum Regieansatz passende Kostüme.

Und dennoch blieb nach über drei Stunden (!) eine gewisse Lähmung und ein fader Beigeschmack, den man bei allem Engagement vor allem ursächlich dem wenig inspirierten Spiel aus dem Graben zuschreiben muss. Ein (seltenes) Mirakel!

Hintergrund

Bedrich Smetanas „Die Verkaufte Braut“ ist einer kulturpolitischen Trotzreaktion des böhmischen Meisters zuzuschreiben. Er selbst fand seine anschließend komponierten „ernsthaften“ Opern, immerhin sechs an der Zahl, durchaus höherstehend im kompositorischen Niveau. Und dennoch blieb er der Ein-Oper-Komponist, der immer wieder auf diese Buffo-Oper reduziert wurde. Schon zu Lebzeiten ärgerte ihn dieser Umstand, an dem sich leider bis heute kaum etwas geändert hat. Wer kennt schon „Dalibor“, „Libuse“, „Zwei Witwen“, „Der Kuss“, „Das Geheimnis“ oder sein letztes Opus im Genre des Musiktheaters „Die Teufelswand“? Immerhin ist wenigstens „Dalibor“ im tschechischen Sprachraum noch einigermaßen geläufig.

Vielleicht trifft Smetana aber in seiner „Verkauften Braut“ besonders deutlich den böhmischen Ton durch mannigfaltige Melodien im Volkston, durch packende Rhythmen, traditionelle Tänze (Polka, Furiant), plastische Harmoniefolgen und eben eine durchaus schlüssig musikalisch gearbeitete Partitur voller Ereignisse. Die zunächst als Nummernoper mit gesprochenen Texten aufgeführte Spieloper wurde wenige Jahre später durch von Smetana nachkomponierte Accompagnato-Rezitative ergänzt zu einer „durchkomponierten“ Oper. (So ähnlich erging es aus verkaufstechnischen Gründen auch Bizets „Carmen“ durch die Hand Ernest Guirauds.) Ob das hier wie dort zu einer Verbesserung führte, bleibt dahingestellt. Die Rezitativ-Fassung scheint sich heute jedenfalls durchgesetzt zu haben.

Das Gefälle von den Solo- und Ensemblestücken zu den nachkomponierten „Überleitungen“ indes ist enorm und kann, wie nun in Bremerhaven, ungewollte Längen durch deutlich geringere kompositorische Substanz zur Folge haben. Das gilt vor allem dann, wenn hier eher träge Tempi und ein gewisses Dauer-Mezzoforte gewählt werden. Smetana musste auch enorm viel Dialogtext in diese musikalischen „Scharniere“ packen, was diese Brücken teilweise zäh und langatmig wirken lässt. Und dem Duktus der deutschen Sprache passen sich diese Intermezzi auch bisweilen nur mühsam an. So hangelt man sich als Zuhörer von einer schönen Nummer zur Nächsten und wartet förmlich auf den Start in ein neues Ensemblestück.

Zur Storyline

Tatsächlich kann man die Geschichte der „Verkauften Braut“ recht zügig erzählen, da es kaum komplexe Irrungen, Wirrungen, wechselnde Spielszenen oder Veränderungen in den Befindlichkeiten der handelnden Personen gibt.

Marie, die Braut in spe, soll gegen ihren Willen, denn ihr Herz gehört ihrem Hans, an den reichen Wenzel verheiratet werden. Dass Hans und Wenzel (durch die merkantilen Interessen der beteiligten Eltern Konkurrenten) auch Halbbrüder sind, bleibt bis ins Finale der Oper für die Figuren auf der Bühne weitgehend unerzählt. Die überraschende Eröffnung dieses Umstands im Finale führt letztlich zum Happyend.

Dazwischen liegen allerhand geplante und zufällige Komplikationen, die allen beteiligten jungen Leuten viel Herzeleid bescheren. Marie weigert sich, Wenzel zu heiraten und vermittelt diesem, der sie bis dato noch nicht gesehen hatte, dass seine Zukünftige ein rechter Besen sei, und warnt ihn vor der Verbindung. Hans hat währenddessen beim Heiratsvermittler Kezal, dem Drahtzieher mancher Hochzeit, gegen klingende Münze seiner Ambitionen auf Marie zum Schein entsagt. Die entscheidende Klausel des Vertrages, dem dann 300 Gulden als Entschädigung folgen, ist die Forderung, dass nur ein Sohn des Micha (der er ja ist, wie sich am Ende klärt) Marie heiraten dürfe.

Die Zirkusepisode des Finalaktes dient der exotischen Verlockung durch die Tänzerin Esmeralda, die den stotternden Wenzel umgarnt, sodass auch er von Marie ablässt. Die Enttäuschung Maries über den „Verkauf der Braut“ durch Hans wendet sich, als Micha seinen verloren geglaubten Ältesten aus erster Ehe wiedersieht, erkennt und in die Arme schließt. Der Vertrag des so düpierten Kezal lässt sich also einlösen; das Liebespaar findet zusammen.

Bremerhaven

Inszenierung und Gewerke

200 Jahre Stadtgeschichte Bremerhaven dienen in dieser Aufführung immer wieder einmal durch nicht handlungsimmanente Szenen (Fischmarktszene) und Operaprojektionen (Elisabeth Pscheidl) als lokalpatriotische Anteile am Bühnenbild. Das schafft ein wenig anheimelnde Atmosphäre, ist aber kaum sinnstiftend für die Erzählung. Man nimmt es hin, weil eben Jubiläum ist.

Die verschiedenen Ebenen der Hebebühne des Hauses dienen zur Etablierung unterschiedlicher Räume. Geschickt und schnell agieren hier die Gewerke hinter der Bühne, um neue Räume her- und aufzustellen. Die Dekorationen und Elemente passen sich dabei überzeugend den szenischen Gegebenheiten an (Bühne & Kostüme: Anna Kreinecker). Die durchaus stimmig gewandeten Personen sind eher der Jetztzeit verwandt, das Interieur stammt gefühlt aus den Nachkriegsjahren. Ein optisches Highlight ist die Zirkusatmosphäre des 3. Aktes, die das etwas trist anmutende Einerlei der ersten beiden Akte deutlich aufbricht. Bunte Lichterketten und farbenfrohe Zirkuswelten in Kleidung und Accessoire schaffen eine ungewohnt neue Szenerie, die in die verstaubte Dorfwelt einbricht und vor allem dem gehandicapten Wenzel zu neuem Lebensmut mit seiner Esmeralda verhilft.

Die gesamte Geschichte wird in einer Art Rückblende erzählt, wenn das mittlerweile gealterte Rentnerpaar Marie und Hans in einer in die Jahre gekommenen Altbauwohnung ihren Lebensabend verbringt. Im Gelsenkirchener Barock mit braun-beigen Einheitsfarben kümmert sich Marie rührend um ihren offensichtlich pflegebedürftigen Mann Hans. Immer wieder schweifen ihre Gedanken ab und so entwickeln sich auf separat eingerichteten Bühnenzonen oder aber direkt in ihrem Wohnzimmer die Szenen der Oper. Couch, Bett, mobile Küche und vieles mehr werden umfunktioniert, um die Bühnensituationen der Oper herzustellen. Bisweilen sind die Alter Egos von Marie zeitgleich und dicht beieinander zu erleben. Das ist insgesamt schlüssig und auch hübsch anzusehen; für das Verständnis der Opernhandlung aber ebenso wenig zwingend wie die ständigen optischen Hinweise aufs Stadtjubiläum (war das vielleicht eine Auflage des Stadtrates/Kulturausschusses an die Bühnen?).

Die durchgängig munter erzählten Massenszenen, in denen der gerade mal 16köpfige Opernchor des Hauses szenisch und akustisch brilliert, sind zwingend eingerichtet und gut geführt. Auch die Begegnungen der verschiedenen Duette können überzeugen: Das Liebesbekenntnis von Marie und Hans, die beiden zentralen Komplott-Duette des 2. Aktes mit Marie als unerkannter Anwältin ihrer selbst mit dem stotternden Wenzel, das eigentliche Verkaufs“duell“ zwischen Hans und Kezal, wo dieser sich Geld, Braut und Status durch geschickte Vertragsführung sichert, und im Finalakt das erlösende, weil erklärende Duett des Liebespaares, wo eine Flut an verschiedensten Emotionen zu Tage tritt und ausgelebt wird.

Sebastian Kramer als Regisseur lässt seine Figuren ohne erhobenen Zeigefinger agieren. Seine Protagonisten sind echt und offenbar wirklichkeitsnah. Denn im Publikum philosophieren lautstark einige ältere Damen darüber, dass es auch bei ihnen auf dem Hof früher so zu ging, dass man die Tochter für entsprechende Mitgift an den Meistbietenden übergab. So lange ist die Zeit also noch nicht her, dass Frauen eben noch nicht selbstbestimmt über ihren Partner und ihr Leben entscheiden durften/konnten.

Das Herz der Inszenierung liegt in der Rolle der Marie und wie sie gleich doppelt und dreifach verkauft, verscherbelt wird: An Hans, an Wenzel, durch Kezal und letztlich auch durch die Eltern und Schwiegereltern. Alle wollen an ihr profitieren. Vielleicht ist der stotternde Wenzel in diesem Szenario die liebenswürdigste Figur, weil er ebenfalls von allen verlacht und mindestens bemitleidet wird und eigentlich auch einen Ausstieg aus dieser Gesellschaft, wo nur der Stärkste zählt, sucht (und findet). Dass Kezal sich für den Chef im Ring, den Stärksten und Gewitztesten hält, wird schon deutlich zu Beginn, wenn er als Leiter eines Fitness-Studios auftritt, der die Kundschaft wie Marionetten tanzen und schwitzen lässt und die Eltern von Marie bei einer Nackenmassage einwickelt wie einen Fisch in die neue Tageszeitung. Offensichtlich ist das Sportstudio nur die Fassade für ganz andere, undurchsichtige Geschäfte, an denen der smarte, aalglatte Typ mitverdient. Sein Dogma: Mit Geld regelt man alles!

Dennoch blendet dieser Angeber und Luftikus Kezal nicht wenige derer, die an Maries Hand interessiert sind. Dass das Liebespaar selbst (ohne Wissen des jeweils anderen) die Dinge in die Hand nimmt, weiß nur das Publikum. Marie macht Wenzel seine Künftige (also sich selbst) madig, Hans haut Kezal mit einem geschickten Schachzug übers Ohr. Ganz anders wäre der Plott verlaufen, hätten Marie und Hans zuvor miteinander gesprochen. Aber auch Hans ist gefangen in dem machohaften Gehabe seiner Zeit und seines Geschlechts: Er packt das alles alleine ohne Wissen seiner Geliebten an; mit den bekannten Folgen. Für das Leid seiner Braut in spe ist Hans ganz klar mitverantwortlich.

All diese Fallstricke und fehlgeleiteten Initiativen werden Stück für Stück erzählt und von den Sängerdarstellern so vermittelt, dass man mitfühlt, mitleidet, Anteil nimmt. Der Spannungsbogen wird von den Beteiligten über die Pause gehalten und im Finale stimmig aufgelöst. Der 3. Akt ist das szenische Highlight mit einem herrlichen Mix aus Turbulenz, Innigkeit, Tragik und Komik; wunderbar, wie aus der um 90 Grad verdrehten Einbauküche das gesamte Zirkuspersonal heraussteigt und die Bühne bevölkert. Anrührend das Duett von Marie und Hans, in dem die gesamte Gefühlspallette zwischen beiden greifbar wird. Herrlich die Düpierung des Kezal im Plenum am Ende, wenn sich doch alles zum Besten wendet. Und endlich schließen sich mit dem Schlussakkord auch die beiden Senioren als Alter Egos des Liebespaares in die Arme. Diese Ehe hat gehalten, was man sich davon einst versprach!

Und dennoch bleibt ein kritischer Gedanke: Was ist wahre Liebe? Wie beweist sie sich in krisenhaften Zeiten? Wie sieht Selbstbestimmung aus?

Interpreten und Ensembles

Eine „Verkaufte Braut“ lebt zwingend von der Protagonistin der Marie. Und erneut ist es Victoria Kunze, die den Abend auf Staatstheaterhöhe hebt. Ihr makelloser Gesang, ihre frappierende Bühnenpräsenz und ihre Spielleidenschaft, die schier endlos zu sein scheint, machen die Qualität dieser Künstlerin aus. Sie benötigt kaum Blicke ordnender Art in den Graben, sie kann sich in allen Lagen mit ihrer schlackenlosen Stimme mühelos gegen alle Partner behaupten. In ihrem szenischen Tun stehen der Kunze alle Register zu Gebote: Von Verschlagenheit („Ich weiß euch einen lieben Schatz“), Verliebtheit („Gerne ja will ich dir vertrau´n“) über Obacht („Was geht mich an ein fremder Mann?“) und Entschlossenheit („Nur ich bin nicht dabei!“) bis zu Trauer und höchster seelischer Not („Wie fremd und tot ist alles umher!“). Ihre Stimme glänzt in der Höhe, rumort in der Tiefe, soubrettiert in der Mittellage; ein Kaleidoskop an Farben, die sich dem Bühnengeschehen anpassen, wo immer es vonnöten ist. Aber Smetanas „Braut“ ist auch eine Ensembleoper. Victoria Kunze spielt mit den wechselnden Dialogpartnern und weiß sie um alle möglichen Finger zu wickeln. Bravi!

Der Hans von Alexander Geller ist von dramatischer Durchschlagskraft, ohne indes zu häufig metallisch zu klingen. Er könnte auch einen Max oder Lohengrin singen. Zumal er im Duett mit Kezal ohnedies fast eine „Gralserzählung“ berichtet: „Weit von hier komm ich her…“. Mühelos setzt er sich auch in kräftigeren Passagen gegen das Orchester durch, sodass man ihn fast auffordern würde, auch mal ein Mezzavoce einzublenden. Die Zwischentöne in dieser Rolle böten es an. Szenisch steigert Geller sich vor allem in den beiden Schlussakten: Im doppelt gerissenen Duett mit Kezal und vor allem im finalen Duett mit Marie, wo er den Plot mit leicht sarkastischem Grinsen bewusst lange herauszögert.

Der Gegenpart in dem Kampf um Marie ist der junge, einnehmend singende und vor allem szenisch auftrumpfende Tenor von Kellan Dunlap. Ihm gelingt der Spagat, die tragikomische Figur des Wenzel anzusiedeln zwischen einem durch das (einkomponierte) Stottern gehandikapten Nerd („Teurer Sohn, sprach Mütterlein“) und einem Menschen, der auf der sehnsuchtsvollen Suche nach Geborgenheit ist („Oh, was ich mich betrübe“). Das gelingt ihm unmittelbar und nachdrücklich. Man lacht weniger als man leidet, wenn er seine Noten mit naturgemäß zahlreichen Silbenwiederholungen absondert; man triumphiert eher als dass man sich amüsiert über das neu gewonnene Selbstbewusstsein Wenzels in der Zirkuswelt. Dort darf er eintauchen, ist ein Sonderling unter vielen, und darf sich gar Hoffnung machen auf die höchst attraktive Esmeralda; Bärenkostüm hin oder her. Stimmlich ist vor allem seine Arie zum Beginn des 3. Aktes anrührend von sängerischer Noblesse. Er wäre gewiss ein herrlicher Tamino, Don Ottavio, Nemorino oder Rodolfo mit seinem warmen Organ, das bruchlos alle Register samtweich bindet.

Der zynisch-berechnende Kezal liegt bei Timothy Edlin in den allerbesten Händen, oder besser in seiner rabenschwarzen Bassstimme. Die zwei Oktaven umfassende Partie weiß er vornehmlich in der Tiefe mit diabolischer Farbe zu durchsetzen. Aber auch seine Höhe ist makellos und durchsetzungsstark („Weiß ich doch eine, die hat Dukaten!“). Edlin kann die humoristisch-angeberischen Anteile der Rolle ebenso glaubhaft verkörpern wie die berechnend-fordernden Momente gerade im 2. Akt; eine Mischung aus Leporello und Mephisto. Beim dämonisch-konspirativen Treiben des „Dorf-Paten“, der diesen mafiösen Heiratsmarkt unterhält, fragt man sich immer wieder, wie so eine Kultur der Frauenvermittlung einst überhaupt möglich war. Gewiss auch und wesentlich durch solche Akteure wie Kezal, wenn er so bestimmend und bestimmt gespielt wird wie von Timothy Edlin.

Eine kurze aber sehr einnehmende Rolle ist in der Zirkusszene der Tänzerin Esmeralda (Heesu Kang) anvertraut. Mit im Wortsinn glänzender Artistenrobe und makellosem Sopran empfiehlt sie sich für größere Aufgaben. Sie kann, da ihr der Zirkusbär abhandengekommen ist, Wenzel als fahrenden Gesellen anwerben, verspricht ihm gar Liebe oder wenigstens Zuneigung. Dem um die Show hadernden Zirkusdirektor (eitel und selbstbewusst gespielt von Mackenzie Gallinger) kann´s nur recht sein.

In weiteren Rollen erleben wir als Eltern und Schwiegereltern Boshana Milkov, Kai Preußker, Yvonne Blunk und Maurice Giancarlo Avitabile. Hoch in der Luft schwebt die Luftartistin Mareike Koch im Zirkusring einer imaginären Manege.

Die (stumme) Rolle der gealterten Marie von Daniela Hüchting verdient für ihr einfühlsames Spiel am Rand der Szenen ein besonderes Lob. Ein mal wissendes, mal erinnerndes, mal bestürztes Lächeln umspielt ihren Mund; wohl weiß sie aber, wie alles ausgehen wird.

Der sehr klein besetzte Opernchor des Bremerhavener Theaters (Einstudierung: Kristina Pernat Scancar) schlägt sich in allen Belangen bestens. Beim Männerchor mit Kezal „Wie schäumst du in den Gläsern, edler Gerstensaft!“ staunt man über das Volumen, die Sauberkeit in der Intonation und das freie Spiel. Auch im Verbund mit den weiblichen Kollegen vermag das Chorensemble zu bestechen. Frappierend und ins Mark trifft am Ende des 2. Aktes ihr Verdikt, das der Oper den Titel verlieh: „Er verkauft die Braut! Schande!“

Orchester und Dirigent

Der Abend und die Produktion werden geleitet vom 1. Kapellmeister Davide Perniceni, der das Philharmonische Orchester Bremerhaven durch diese „Verkaufte Braut“ führt.

Man entscheidet sich in Bremerhaven für die später von Smetana erstellte Rezitativfassung (s.o.). Ob das ein Gewinn ist, wagt man am Ende (nach über drei Stunden) zu bezweifeln. Gewiss: Die Dialogfassung ist nur unwesentlich kürzer, aber eben vielleicht deutlich stringenter und leichter fasslich. Darüber hinaus sind nicht wenige der langatmigen, instrumental unterbrochenen, - und häufig im dynamisch Diffusen verbleibenden Accompagnati-, nicht auf dem gleichen kompositorischen Niveau wie weite Teile der Nummern aus diesem Werk. Fast hat man den Eindruck, Smetana wolle die Zeit zwischen den Ensemblenummern mühsam überbrücken. Da fehlen oft zündende Impulse oder am Text orientierte Vertonungen.

Die Längen ziehen sich aber auch deshalb und mit zunehmendem Verlauf der Oper immer spürbarer, weil der Dirigent Perniceni durchweg getragene, meist lähmend langsame Tempi wählt, die dann überdies in der Folge auch immer noch weiter an Tempo verlieren. Eine agogische und dynamische Frischzellenkur würde dieser „Braut“ sicherlich zupasskommen.

Die enorm heikle und gefürchtete Ouverture (mit Vorspielstellen für viele Orchesterinstrumente) dirigiert er auf rhythmische Sicherheit bedacht, in den Passagen des 2. Themas lässt er die Zügel so locker, dass die Tempoverluste in der Reprise kaum aufzufangen sind. In der Folge fließt der breite Strom der Musik häufig breiig verschleppt und wenig klar strukturiert durch die Gegend. Akzente bleiben blass, die Dynamik reduziert man auf ein mäßiges Mezzoforte. Folglich klappert es vor allem im 3. Akt mehr als deutlich und mehr als man erdulden möchte im Graben selbst aber auch zwischen Bühne und Graben. Allerdings ist hier, wo nun die zentralen musikalischen Motive der Ouverture in den Satz der Szene eindringen, erstmal geschwinderes, stringenteres Musizieren zu vernehmen.

Ein wenig mehr Mut zu größerer Differenzierung und vielleicht auch mal etwas Risiko bei zügigen Tempi auch der ersten Akte und sicherlich beim etwas forscheren Durchstreifen der Rezitative wären hier unbedingt anzuraten. So bleibt das Gehörte aus dem Graben viel zu matt für eine so schmissig-facettenreiche Partitur.

(In der Fläche einzuhörende Gesamtaufnahme von den 50er Jahren bis heute benötigen im Schnitt 2:20 Stunden. Man könnte also trotz Pause eine deutlich straffere Darstellung erreichen mit etwas mehr Verve oder dem einen oder anderen Strich in der Partitur).

Epilog

Die beschriebenen Längen, die wir Teilen der längeren szenischen Intermezzi (Rahmenepisoden, Fischmarktszene etc.), vor allem aber den verschleppten musikalischen Prozessen aus dem Graben zuschreiben, werden in dieser „Verkauften Braut“ durchaus kompensiert durch ein Füllhorn an bestens disponierten Stimmen, durch einen spielfreudig und kraftvoll agierenden Opernchor und durch munteres, beseeltes Spiel aller Beteiligten. Wenn man zu etwas flüssigerem Spiel der Partitur käme, ließe sich schon allerhand gewinnen.

Apropos

Mahnende Worte gilt es indes (leider zum durchaus wiederholten Male in Bremerhaven) dem Publikum zuzuschreiben. Die enormen Lautstärken schon vor dem Beginn der Vorstellung verhießen nichts Gutes. Annähernd zehn Reisebusse mit Publikum der wohl eher kleinstädtisch-ländlichen Bevölkerung hatten den Sonntagnachmittag im Bremerhavener Stadttheater gekapert. Viele von ihnen schienen mit dem Genre, den Gepflogenheiten und einem gewissen Grundrespekt, was Wertschätzung der Interpreten und Etikette im Haus betrifft, wenig vertraut und ausgestattet zu sein. Die Begrüßungsansprache über die Hausanlage ging im lautstarken Gemurmel völlig unter.

Noch während der ersten Takte der Ouvertüre und den folgenden einleitenden Intermezzi wurde eifrig getuschelt oder wurden gar lautstark Nachrichten ausgetauscht. Nur mühsam konnte sich zu allen drei Aktbeginnen eine konzentrierte und für das Bühnengeschehen mit seinen Protagonisten adäquate aufmerksame Stille einstellen. Den Höhepunkt erreichte die den 3. Akt eröffnende, vergleichsweise ruhige Arie des Wenzel, die aufgrund des auskomponierten Stotterns mit Pausen zwangsläufig ausgestattet war. Diese Pausen füllte ein Handyklingeln auf dynamischer Augenhöhe derart anhaltend, dass man fast meinen konnte, es sei von Smetana einkomponiert.

Dafür war dann der Schlussapplaus äußerst übersichtlich und der finale Aufbruch nach Opernende während (!) der Applausvorhänge fast gehetzt; man musste ja zügig an die Garderobe und in den Reisebus zurück!

Es ist den Sängerdarstellern und dem Orchester gegenüber mehr als respektlos, die Würde dieses Kulturraums, an dem Hunderte von Theatermitgliedern monatelang vor, neben und hinter der Bühne gearbeitet haben und der Abend für Abend wieder unter höchsten stimmlichen, instrumentalen und logistischen Einsätzen hergestellt wird, derart zu ignorieren, zu desavouieren und so wenig wertzuschätzen. Verwechseln da nicht wenige im Auditorium den heimischen Fernseher oder die Kinoleinwand mit einer Bühnenszene? Einer Live-Situation, in der Menschen aus Fleisch und Blut mit Herzblut und maximalem Einsatz agieren!

In diesem Zusammenhang fragt man sich, ob man nicht überall beizeiten einen Opern-Knigge den Theatertickets und dem Programmheft beifügen sollte. Hier aus dem reichen Fundus an Ratgebern ein paar Vorschläge aus dem Netz, zu denen sich auch professionelle Häuser noch dazugesellen, die auf ihren Seiten entsprechende Hinweise freundlich aber bestimmt ausweisen:

Verhaltens-Knigge in der Oper – 7 Tipps für jedermann

Der grosse Opern-Knigge

Theater-Knigge: Stilvolles Verhalten vor der Bühne | Gentleman-Blog