Wiesbaden, Rheingau Musik Festival, Kurhaus Wiesbaden, Konzert am 31. Juli, IOCO

Ein Abend, an dem man das Atmen vergisst.

 Es gibt Musik, die unterhält. Es gibt Musik, die begeistert. Und es gibt Musik, nach der man minutenlang kein Wort sagen kann.

 Genau so war der Abend im Kurhaus Wiesbaden, an dem Johannes Brahms’ Erstes Klavierkonzert d-Moll op. 15 mit Daniil Trifonov, dem Mahler Chamber Orchestra und Daniel Harding erklang.

 Ein Konzert, das einst abgelehnt wurde

 Heute gilt Brahms’ Erstes Klavierkonzert als eines der bedeutendsten Werke der Klavierliteratur. Sein Weg zur Anerkennung war jedoch alles andere als leicht.

 Nach dem Tod Robert Schumanns durchlebte der junge Brahms eine tiefe persönliche Krise. In dieser Zeit entstand eine Komposition, die zunächst als Sinfonie gedacht war, später zur Sonate für zwei Klaviere wurde und schließlich ihre endgültige Gestalt als Klavierkonzert fand.

 Die Uraufführung in Hannover im Jahr 1859 wurde kühl aufgenommen, die Aufführung wenige Wochen später in Leipzig entwickelte sich beinahe zu einem Fiasko. Nach dem letzten Akkord gab es nur vereinzelten Applaus, dafür waren Pfiffe und Buhrufe deutlich zu hören. Kritiker bezeichneten das Werk als schwerfällig, überladen und ohne den virtuosen Glanz, den man von einem romantischen Klavierkonzert erwartete.

 Das Publikum hatte ein brillantes Schaustück erwartet – stattdessen begegnete ihm eine musikalische Tragödie von symphonischer Größe, in der das Klavier nicht gegen das Orchester kämpft, sondern mit ihm eine untrennbare Einheit bildet.

 Erstaunlich ist, wie aktuell diese Diskussion bis heute geblieben ist. Auch heute finden sich in Fachforen Stimmen, denen das Werk zu düster, zu lang oder zu anspruchsvoll erscheint. Gerade diese Komplexität aber macht seine Größe aus.

 Musik, die keine Distanz zulässt

 Brahms erzählt hier keine Geschichte.

 Er zwingt den Zuhörer, einen inneren Weg mitzugehen.

 In dieser Musik begegnen sich Symbolismus und Fatalismus auf faszinierende Weise. Hoffnung und Verzweiflung, innere Kämpfe und stille Versöhnung stehen nebeneinander, ohne jemals einfache Antworten zu geben.

 Das Werk ist vielschichtig und voller Bedeutungen. Mit jedem Hören eröffnen sich neue Ebenen, neue Zusammenhänge, neue Fragen.

 Während des Konzerts gab es zahlreiche Momente, in denen ich buchstäblich das Atmen vergaß.

 Nicht, weil etwas spektakulär gewesen wäre.

 Sondern weil die Musik jede Wahrnehmung von Zeit aufhob.

 Daniil Trifonov – jenseits des Vorstellbaren

 Über Daniil Trifonovs Technik zu sprechen, erscheint fast sinnlos. Sie steht längst außer jeder Diskussion.

 Viel bemerkenswerter ist etwas anderes.

 Auf der Bühne scheint er in einer anderen Dimension zu existieren.

 Seine Berührung der Tastatur entzieht sich jeder Beschreibung. Er erzeugt keinen Klang – er lässt ihn entstehen. Immer wieder hatte man den Eindruck, dass der Flügel seine Mechanik verliert und zu einer außerirdischen Stimme wird.

 Es gibt Pianisten, die durch Virtuosität beeindrucken.

 Es gibt Künstler, die durch ihren Intellekt faszinieren.

 Trifonov vereint beides mit einer Selbstverständlichkeit, die beinahe überirdisch wirkt. Seine Klanggestaltung bewegt sich an der Grenze des Vorstellbaren. Dabei entsteht eine Ausdruckskraft, die weit über technische Perfektion hinausgeht.

Er erschafft ein eigenes musikalisches Universum.

Ein Orchester, das nicht begleitet

 Das Mahler Chamber Orchestra war an diesem Abend kein Begleiter, sondern ein gleichberechtigter Erzähler.

 Beeindruckend war die unglaubliche Vielfalt der Klangfarben.

 Jede Instrumentengruppe besaß ihre eigene Stimme und ihren eigenen Charakter. Die Streicher konnten schwebend leicht klingen, die Holzbläser von berührender Intimität sein, die Blechbläser majestätisch – niemals laut um der Lautstärke willen.

 Klavier und Orchester waren natürliche Fortsetzungen voneinander. Es war unmöglich zu sagen, wo eine musikalische Idee endete und die andere begann. Alles wirkte wie ein einziger lebender Organismus.

 Darin zeigte sich auch die große Kunst Daniel Hardings.

 Er dirigierte nicht den Solisten – er schuf einen musikalischen Raum, in dem Orchester und Klavier gemeinsam atmen konnten.

 Ein solches gegenseitiges Verständnis erlebt man nur selten. Es entsteht nur dort, wo alle Beteiligten Musik auf höchstem Niveau nicht nur spielen, sondern zutiefst verstehen.

Nach dem letzten Akkord

 Wenn Brahms’ Erstes Klavierkonzert endet, möchte man viel nachdenken. Die Musik wirkt nach, lange nachdem der letzte Ton verklungen ist.

 Vielleicht unterscheidet genau das große Kunst von außergewöhnlicher Kunst.

 Im Kurhaus Wiesbaden war an diesem Abend weit mehr zu erleben als ein Konzert.

Es war eine Begegnung mit einem Werk, das vor fast 170 Jahren auf Unverständnis stieß und heute zu den größten Schöpfungen der Musikgeschichte zählt.

 Und wenn mich jemand fragen würde, wie dieser Abend gewesen ist, würde ich wohl nur einen Satz sagen:

Es war einer jener seltenen Abende, an denen Musik vergessen lässt, dass Zeit existiert – und dass man zwischendurch auch atmen muss.