Linz, Landestheater Linz, Premiere LA CLEMENZA DI TITO, 02.11.2018

Oktober 31, 2018 by  
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Landestheater Linz

Landestheater Linz / Neues Musiktheater Volksgarten © Sigrid Rauchdobler

Landestheater Linz / Neues Musiktheater Volksgarten © Sigrid Rauchdobler

LA CLEMENZA DI TITO
(DIE GNADE DES TITUS)

DRAMMA SERIO PER MUSICA IN ZWEI AKTEN VON WOLFGANG AMADÉ MOZART UND MANFRED TROJAHN

Text von Caterino Mazzolà nach Pietro Metastasios gleichnamigem Libretto
Neu komponierte Rezitativtexte von Manfred Trojahn
In italienischer Sprache mit Übertiteln
Koproduktion mit dem Saarländischen Staatstheater Saarbrücken

Premiere Freitag, 2. November 2018, 19.30 Uhr
Großer Saal Musiktheater

Die nächsten Vorstellungstermine: 7., 9., 17., 23. November; 1., 15., 17. Dezember 2018

Musikalische Leitung Martin Braun
Inszenierung François De Carpentries
Bühne und Kostüme Karine Van Hercke
Video Aurélie Remy
Chorleitung Elena Pierini
Dramaturgie Christoph Blitt

Tito Vespasiano, Kaiser von Rom Hans Schöpflin
Vitellia, Tochter des Kaisers Vitellio Brigitte Geller
Servilia, Sestos Schwester und Annios Geliebte   Theresa Grabner
Sesto, Titos Freund, Vitellias Geliebter     Jessica Eccleston
Annio, Sestos Freund, Servilias Geliebter   Florence Losseau
Publio, Präfekt der Prätorianer Dominik Nekel
Chor des Landestheaters Linz
Statisterie des Landestheaters Linz
Bruckner Orchester Linz


ZUM STÜCK


Vitellia – die Tochter des ermordeten Kaisers Vitellio – will in Rom an die Macht. Da sich der regierende Kaiser Tito jedoch eine andere Braut ausgesucht hat, stachelt Vitellia ihren Liebhaber Sesto zum Mord an dem Kaiser an. Doch in dem Moment, in dem der mit Tito befreundete Sesto sich dazu durchgerungen hat, den Anschlag zu vollziehen, erfährt Vitellia, dass Tito sie doch ehelichen möchte. Kann sie das Mordkomplott im letzten Augenblick noch aufhalten?

Wolfgang Amadé Mozart nahm sich in seinem letzten Lebensjahr die­ser Parabel über Macht, Freundschaft, Liebe und über den Mut zur Gnade an. Allerdings überließ er bei dieser Auftragskomposition anläss­lich der Krönung von Kaiser Leopold II. zum König von Böhmen aus Zeitgründen die Vertonung der Rezitative einem Schüler. Dies inspirierte den renommierten zeitgenössischen Komponisten Manfred Trojahn dazu, die Rezitative neu zu vertonen. In dieser Fassung weitet sich Mozarts Oper La clemenza di Tito zu einem spannenden Dialog der Klassik mit der Moderne.

Es verwundert nicht, dass ein wacher Betrachter seiner Zeit und ein ebenso aufgeklärter wie aufmüpfiger Geist vom Schlage Mozarts 1791 jenes Relikt des Absolutismus in Gestalt von Pietro Metastasios aus dem Jahre 1734 stammende La clemenza di Tito-Libretto nur in bearbeiteter Form komponierte. Durch die Textredaktion, die der Wiener Hofpoet Carterino Mazzolà im Verein mit Mozart vorgenommen hatte, wurde das Bild des Herrschers jetzt in ein eher bürgerliches Licht gerückt. Bei Metastasio war die Clemenza des Tito vornehmlich von der Staatsklugheit vorgegeben. Bei Mazzolà und Mozart ist sie im Charakter des Menschen Tito angelegt. Dieser schert sich nun nicht mehr darum, dass sich mit Sesto ein Mitglied des Adels gegen ihn erhoben hat, sondern er ist deshalb zutiefst enttäuscht, weil ihn sein bester Freund verraten hat. Und eben diese Humanisierung des Herrschers ganz im Sinne des Geistes der Aufklärung und der Empfindsamkeit, musste somit dem Habsburger Hof bei der Uraufführung von Mozarts La clemenza di Tito 1791 im Prager Gräflich Nostitzschen Nationaltheater sauer aufstoßen.

Das Spannende an der Mozart-Trojahn-Fassung ist, dass durch Trojahns heutige Musiksprache das komplexe Zeitenspektrum dieses Werkes an zusätzlicher Tiefenschärfe gewinnt. Denn so wie Pietro Metastasio 1734 Motive der altrömischen Geschichte, die in Frankreich bereits seine Dichterkollegen Jean Racine und Pierre Corneille in ihren Tragödien über Titus und seine Favoritin Berenike thematisiert haben, aufgegriffen hat, so passten Mozart und Mazzolà Metastasios Libretto ihren Vorstellungen und dem Geist ihrer aufgeklärten Epoche an. Und Trojahn fügt diesen Zeitschichten der Antike, des Barocks und der Klassik noch die Ästhetik des 21. Jahrhunderts hinzu. Somit erzählt dieses Werk eine aktuelle Parabel über das Verhältnis von Macht und individuellem Glücksstreben. Und gerade Mozart und Trojahn zeigen dabei am Beispiel der Figur des Tito, dass der Versuch, beides in Einklang zu bringen, ein Ding der Unmöglichkeit scheint. So zeugen vor allem die Recitativi accompagnati bei Mozarts und Trojahns hoch emotionale Ausdrucksskala von der Zerrissenheit des Titelhelden, der am Ende erkennen muss, dass er mit seinem Projekt, die Menschlichkeit mit der Macht zu vereinen, gescheitert ist. So bleibt ihm am Ende nur der Rückzug in die Politik und der selbst gewählte Verzicht auf ein wie auch immer geartetes privates Glück.


BIOGRAFIEN


MANFRED TROJAHN NEUKOMPOSITION REZITATIVTEXTE

Manfred Trojahn wurde 1949 in Cremligen bei Braunschweig geboren. Er studierte Orchestermusik in seiner Heimatstadt, später bei Karlheinz und Gertrud Zöller in Hamburg, wo er auch in der Kompositionsklasse von Diether de la Motte arbeitete. Seine Arbeiten wurden mit zahlreichen Preisen und Stipendien ausgezeichnet, darunter die Studienstiftung des Deutschen Volkes (1971) der Stuttgarter Förderpreis (1972), der 1. Preis im International Rostrum of Composers, Paris (1978), die Academia Tedesca Villa Massimo in Rom 1979/80, der Sprengel–Preis für Musik 1980 und der Deutschen Musikautorenpreis (2008).

Trojahn war bis 2017 Professor für Komposition an der Robert Schumann Hochschule, Düsseldorf und ist Mitglied der Kunstakademien in Düsseldorf, Hamburg, Berlin und München. Er lebt in Düsseldorf und Paris.

Manfred Trojahns Werkverzeichnis umfasst nahezu alle Gattungen. Seine Arbeiten werden von bedeutenden Solisten, Orchestern und Dirigenten international zu Aufführung gebracht. Seit der Aufführung der Oper Enrico in Schwetzingen und München 1991 nimmt das Musiktheater eine vorrangige Stellung in Trojahns Schaffen ein. Seine Opern Was ihr wollt (München 1998), La Grande Magia (Dresden 2008) und Orest (Amsterdam 2011) wurden an zahlreichen internationalen Bühnen produziert. Auch seine Fassung von Mozarts Oper La clemenza di Tito, deren Rezitativtexte er neu komponierte, erlebte Produktionen an zahlreichen Theatern. In den letzten Jahren beschäftigte Trojahn zunehmend der Umgang mit dem Ensemble, so entsteht seit 2012 der Zyklus Quitter auf Texte von René Char. 2013 schrieb Trojahn Le Ceneri di Gramsci auf einen Text von Pier Paolo Pasolini für die MusikFabrik und 2015/16 den ersten Teil von Nocturne – Minotauromachie für das Ensemble Intercontemporain. Weiterhin entstand im Jahr 2017 in das Melodram Verpasste Gelegenheiten für das Klavier Festival Ruhr und der Liedzyklus Die Sonne sinkt auf Texte von Friedrich Nietzsche für die Liederwerkstatt im Kissinger Sommer. Projekte in der Saison 2917/18 umfassen unter anderem eine Neuinszenierung von Enrico an der Oper Frankfurt und die Wiederaufnahme der Balletproduktion une campagne noire de soleil von Reinhild Hoffmann an der Folkwang Hochschule Essen.

Manfred Trojahn ist derzeit als Fowler Hamilton Research Fellow am Christ-Church- College in Oxford tätig.


MARTIN BRAUN MUSIKALISCHE LEITUNG

Martin Braun studierte in seiner Heimatstadt Berlin Violine, anschließend in Wien Dirigieren. Beide Studien schloss er mit Auszeichnung ab.

Von 1991 bis 1998 war Martin Braun Chefdirigent des Akademischen Symphonieorchesters Wien. Im Jahr 1997 begann er seine Laufbahn als Kapellmeister am Mährischen Theater Olmütz. Von 2001 bis 2004 setzte er sie als erster Kapellmeister der Wuppertaler Bühnen fort. Weitere Festengagements führten ihn außerdem nach Heidelberg und Würzburg.

Von 2008-2013 war er ständiger Gastdirigent des Berliner Sinfonie Orchesters.

Seit dem Jahr 2013 ist er künstlerischer Leiter des Jugendsinfonieorchesters Niederösterreich.

In der kommenden Spielzeit (2017/2018) wird er am Landestheater Linz mit Verdis Rigoletto, Berlioz’ La damnation de Faust und einem Ballettabend mit der Musik von Zemlinskys Seejungfrau zu erleben sein.

Gastdirigate führten ihn u. a. an die Komische Oper Berlin, die Volksoper Wien, die Oper Frankfurt, das Nationaltheater Mannheim sowie die Landestheater von Linz und Innsbruck, zum China National Symphony Orchestra, zu den Bremer Philharmonikern, den Bochumer Symphonikern, dem Tonkünstler-Orchester Niederösterreich, dem Sinfonieorchester St. Gallen, der Oviedo Filarmonia, der Magdeburger, Norddeutschen und der Baden-Badener Philharmonie.

Ein Schwerpunkt seiner Tätigkeit ist die historisch informierte Erarbeitung barocken und (früh) klassischen Repertoires mit modernen Instrumenten. In diesem Zusammenhang sind seine großen Erfolge mit Aufführungen von Rameaus Platée 2010 sowie Händels Il trionfo del tempo e del disinganno 2015 und Haydns Il mondo della luna 2017 am Landestheater Linz besonders hervorzuheben.

Neben seiner dirigentischen Tätigkeit ist Braun überzeugter Pädagoge: Eine langjährige Lehrtätigkeit an mehreren Musikhochschulen zeugt von seinem Engagement auf diesem Gebiet. So leitete er von 1997 bis 2001 eine Ensembleleitungsklasse am Konservatorium der Stadt Wien und von 2004 bis 2008 eine Hauptfachklasse „Orchesterdirigieren“ an der Hochschule für Musik und Theater „Felix Mendelssohn Bartholdy“ Leipzig. Von 2010 bis 2013 gab er zudem regelmäßig Orchesterworkshops am Orchesterzentrum in Dortmund. Seit 2016 obliegt ihm die Leitung der Dirigentenklasse an der Bruckneruniversität in Linz.


FRANÇOIS DE CARPENTRIES INSZENIERUNG

Der französische Regisseur François De Carpentries eignete sich sein Wissen zu Musik und Theater anhand der Mitarbeit an theatralischen Experimenten an. Als Autor arbeitete er mehrere Jahre mit belgischen Theatergruppen zusammen, bevor er – zuerst als Techniker, dann Inspizient, bald als Oberspielleiter (1990) – ans Théâtre Royal de la Monnaie in Brüssel kam.

Er arbeitete u. a. mit Patrice Chéreau, Willy Decker, Luc Bondy, Robert Wilson, Peter Sellars und Stein Winge zusammen und leitete zahlreiche Produktionen in Covent Garden London,  im NNTT Tokyo, im Teatro Real Madrid, im Liceu Barcelona, im Teatro Regio Torino und in der BAM New York.

1994 inszenierte er die Welturaufführung der Oper To Be Sung von Pascal Dusapin für das Théâtre des Amandiers in Paris, den Marstall in München, das Hebbel-Theater in Berlin, das Theater am Turm in Frankfurt und die Wiener Festwochen.

Es folgten zahlreiche Musiktheaterinszenierungen: Don Pasquale, Così fan tutte, La Cenerentola für La Monnaie und die Opéra de Lyon, Idomeneo für die Opéra du Rhin in Strassburg und die Canadian Opera Company in Toronto, Il Barbiere di Siviglia für die Opern in Oslo und Nancy, Madama Butterfly, Die Zauberflöte, Carmen, Aida, Romeo und Julia für die belgischen Festspiele Opéra en Plein Air, Orphée aux enfers in Paris, Rouen und Limoges, Rigoletto in Tours, Reims und Limoges, La Grande Duchesse de Gérolstein in Straßburg und Montpellier, La Pietra del Paragone in Fribourg und Besançon, Lakmé und Lucia di Lammermoor in Metz, u.v.m.

In Deutschland arbeitete er für das Theater Koblenz (Die Fledermaus, Die Prinzessin auf der Erbse, La Bohème), das Staatstheater Nürnberg (Il Barbiere di Siviglia), das Landestheater Coburg (Eine Nacht in Venedig, Madame Pompadour, Die lustige Witwe, Lakmé), das Mainfranken Theater Würzburg (Don Giovanni, Alessandro Nell’Indie), die Wuppertaler Oper (Carmen), das Theater Krefeld und Mönchengladbach (Don Pasquale, La Bohème, Lucia di Lammermoor, Die verkaufte Braut, Pique Dame, Don Carlo, Manon und Cavalleria Rusticana / Gianni Schicchi), das Theater Hof (Le Nozze di Figaro, Das Land des Lächelns), das Theater Görlitz (Manon Lescaut); in Österreich für die Innsbrucker Festwochen der Alten Musik (La Stellidaura vendicante und bald Die Römische Unruhe oder die edelmütige Octavia). Bis heute: 56 originale Inszenierungen und 40 Wiederaufführungen.

François De Carpentries schrieb und inszenierte in Belgien auch Multimediatheaterstücke: La Boîte de Jazz, 298 Vorstellungen, La Boîte à Images, 145 Vorstellungen und die einzige Oper zu dem weltberühmten Comic Tim und Struppi: Die Juwelen der Diva. Er arbeitet aktuell an einem Libretto basierend auf Boris Vians Les Bâtisseurs d’Empire und an einem Musiktheaterstück inspiriert vom Leben der Olympe de Gouges, der ersten französischen Frauenrechtlerin in der Zeit der Revolution.


KARINE VAN HERCKE AUSSTATTUNG

Die belgische Künstlerin Karine Van Hercke studierte Physik, Chemie, Kunstgeschichte und Archäologie an der Universität Brüssel; sie spezialisierte sich auf Musikwissenschaften, Szenisches Spiel und Sprachwissenschaft. Außerdem studierte sie Tanz, Klavier, Harmonielehre und Malerei. Zudem leitete sie an der Universität eine Forschungsgruppe zum 18. Jahrhundert.

Karine Van Hercke ist Preisträgerin der Königlichen Akademie Belgiens für ihre Studie über den Orpheus-Mythos und hat an der Enzyklopädie MGG mitgearbeitet. 1992 gründete sie die theaterpädagogische Abteilung des Théâtre Royal de la Monnaie (Opéra National in Brüssel), von 1995 bis 2003 leitete sie das Opernstudio am La Monnaie. Danach war sie zwei Jahre Musikdramaturgin an der Opéra de Lyon; als Dramaturgin arbeitete sie zudem für den Regisseur Stein Winge.

Gemeinsam mit François de Carpentries entwickelte sie die Konzeptionen bzw. entwarf die Kostüme für: Die Herzogin von Gerolstein an der Rheinoper Straßburg, der Oper in Nizza und den Festspielen Montpellier, Il Barbiere di Siviglia an den Opern von Oslo und Nancy, Idomeneo an der Rheinoper Straßburg und der Canadian Opera Company in Toronto, Madama Butterfly, Die Zauberflöte und Aida beim belgischen Festival Opéra en Plein Air, Orphée aux enfers an der Cité de la Musique Paris, Madame Pompadour, Die Lustige Witwe und Lakmé am Landestheater Coburg sowie Die Fledermaus und La Bohème am Theater Koblenz. Am Theater Krefeld-Mönchengladbach war sie an zahlreichen Produktionen als Kostümbildnerin und im Rahmen einer Regie-Mitarbeit engagiert: u. a. La Bohème, Die verkaufte Braut, Pique Dame, Lucia di Lammermoor, Don Carlo, Manon, Cavalleria Rusticana und Gianni Schicchi. Sie entwarf die Ausstattung für Don Giovanni und Alessandro Nell’Indie am Mainfranken Theater Würzburg, für La Stellidaura vendicante bei den Festwochen der Alten Musik in Innsbruck, für Carmen, Il Barbiere di Siviglia, Romeo und Julia, Die Juwelen der Diva für die Festspiele Opéra en Plein Air, Il Barbiere di Siviglia für die Oper in Oslo, Le Nozze di Figaro und Das Land des Lächelns am Theater Hof, und für verschiedene Multimedia-Shows in Belgien: Hairspray, La Boîte de Jazz und La Boîte à Images. Zu ihren nächsten Projekten zählen: Manon Lescaut am Theater Görlitz, Die römische Unruhe oder die edelmütige Octavia für die Innsbrucker Festwochen der Alten Musik sowie Les Paladins in Oldenburg.


ELENA PIERINI CHORLEITUNG

Die Italienerin Elena Pierini erwarb ihre Diplome in Klavier und Schlagzeug am Conservatorio Luigi Cherubini in Florenz und am Conservatorio di Perugia. 2002 schloss sie das Master-Studium in Dirigieren an der Florida International University in Miami (USA) ab.

In Italien arbeitete sie unter anderem am Maggio Musicale Fiorentino, beim Spoleto Festival und an der Scuola di Musica di Fiesole mit Dirigenten wie Zubin Mehta, Seji Osawa, Eliau Hinbal und G. Sinopoli zusammen.

In den USA war sie an der Sarasota Opera (Florida) Korrepetitorin und Assistentin des Dirigenten sowie Dirigentin der Sarasota Youth Opera, deren Aufführung von Brittens The Little Sweep sie dirigierte.

An der Florida International University leitete sie den Frauenchor und dirigierte Opern wie Il Matrimonio Segreto, Gypsy, Agrippina und Monkey See, Monkey Do. Frau Pierini arbeitete als Korrepetitorin an der Florida Grand Opera und der Kent State University (Ohio) und als Chorleiterin mit dem Harlem Boys Choir (New York), dem Park Slope Singers und der Longboat Island Chapel.

2006 und 2007 dirigierte sie Opernaufführungen wie La Boheme, Aida, Le nozze di Figaro und Un ballo in maschera an der Staatlichen Oper Burgas (Bulgarien).

In Deutschland arbeitete sie seit 2008 als Repetitorin an den Städtischen Bühnen Münster, dem Theater Dortmund und an den Wuppertaler Bühnen.

Für die Spielzeit 2009/2010 war Frau Pierini als Assistentin des Chordirektors am Aalto Theater Essen

engagiert. Hier leitete sie auch den Aalto Kinderchor, mit dem sie unter anderem bei der Eröffnungsveranstaltung von „Essen Kulturhauptstadt Europas 2010“ auftrat und die Hymne Komm zur Ruhr mit Herbert Grönemeyer aufnahm.

Für die Spielzeiten 2010/2011 bis 2014 war sie die Chordirektorin und Kapellmeisterin am Theater Nordhausen. Hier hatte Frau Pierini die Möglichkeit Produktionen wie Peter Grimes, Eugene Onegin, Traviata, Rigoletto, Tiefland, Pagliacci, Der fliegende Holländer, Die verkaufte Braut, Manon und Andrea Chenier einzustudieren und Produktionen wie Crazy for You, Gräfin Mariza, Entführung aus dem Serail, Der Vogelhändler, Singin’ in the rain und Aida (Elton John) auch zu dirigieren. Unter ihre Leitung hat der Nordhausen Opernchor 2012 den Theaterpreis bekommen.

Im April und August 2013 war sie als Gastkorrepetitorin (Soli und Chor) für die Einstudierung von Verdi’s Aida am Peking Conservatory of Music, China, engagiert.

Im Oktober 2014 war Frau Pierini als Dirigentin für die Kinderoper Brundibar (Hans Krasa) an der Opera di Firenze engagiert.

Ab Jänner 2015 war sie die Chordirektorin und Kapellmeisterin am Theater Aachen, wo sie u. a. auch den Sinfonischen Chor Aachen und die Kinder- und Extrachöre des Theaters leitete. Zu den größten Produktionen hier gehören Tannhäuser, Luisa Miller, Norma, Macbeth, La forza del Destino, Jenufa, Il Trittico, Orphée et Euridice, zusammen mit anspruchsvollen Konzerten wie Verdis Requiem, Ein Deutsches Requiem (Brahms), Mendelssohns Elias, Die Schöpfung (Haydn), die Neunte Sinfonie von Beethoven, die Zweite Sinfonie Mahlers und Schönbergs Friede auf Erde. Auf dem Podium hatte sie die Möglichkeit, Tosca und Macbeth zu dirigieren sowie mehrere Chorkonzerte. Ihre Chöre sangen 2016 ein Weihnachtskonzert im Konzertgebouw in Amsterdam.

In November 2017 hat sie am Teatro del Giglio in Lucca den Chor des Puccini Festival für La Fanciulla del West einstudiert und im Jänner 2018 La Wally (Catalani).

Seit der Spielzeit 2018/2019 ist Elena Pierini Chordirektorin am Landestheater Linz.

 

—| Pressemeldung Landestheater Linz |—

Salzburg, Stiftung Mozarteum, Verschollener Brief von Wolfgang Amadé Mozart, Juni 2018

Juni 13, 2018 by  
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Mozarteum / Armin Brinzing, Leiter der Bibliotheca Mozartiana; Johannes Honsig-Erlenburg, Präsident der Stiftung Mozarteum; Ulrich Leisinger, Wissenschaftlicher Leiter der Stiftung Mozarteum; Rolando Villazón, Mozart-Botschafter der Stiftung Mozarteum und Intendant der Mozartwoche © ISM/Martin Hörmandinger

Mozarteum / v. li. Armin Brinzing, Leiter der Bibliotheca Mozartiana; Johannes Honsig-Erlenburg, Präsident der Stiftung Mozarteum; Ulrich Leisinger, Wissenschaftlicher Leiter der Stiftung Mozarteum; Rolando Villazón, Mozart-Botschafter der Stiftung Mozarteum und Intendant der Mozartwoche © ISM/Martin Hörmandinger

Stiftung Mozarteum

Verschollener Brief von Wolfgang Amadé Mozart

Die Stiftung Mozarteum Salzburg freut sich über eine der wertvollsten Neuerwerbungen der letzten zehn Jahre: Ein Brief aus der Feder von Wolfgang Amadé Mozart an seinen Freund Anton Stoll aus dem Jahr 1791 gelangte kürzlich – dank der Unterstützung von Maria-Elisabeth Schaeffler-Thumann – in die Sammlung von Original-Autographen der Stiftung Mozarteum, der „Bibliotheca Mozartiana“. Zuletzt konnte 2001 ein Originalbrief Mozarts erworben werden.

„Was für ein besonderer Moment und was für ein Glück, dass sich die Eigentümerfamilie dieses besonderen Mozartbriefes direkt an die Stiftung Mozarteum gewandt hat. Danke, dass sie uns vor dem „Auktionsmatch“, bei dem eine gemeinnützige Institution wie die Stiftung Mozarteum schon lange nicht mehr mithalten kann, bewahrt hat. Und was für ein Geschenk, das uns Maria-Elisabeth Schaeffler-Thumann mit der Ankaufsfinanzierung gemacht hat. So können wir Mozarts frivolen Spaß weltweit einer breiten Öffentlichkeit zugänglich machen“, erläutert Stiftungs-Präsident Johannes Honsig-Erlenburg.

Mozarteum / Mozartbrief Vorderseite © ISM/Martin Hörmandinger

Mozarteum / Mozartbrief Vorderseite © ISM/Martin Hörmandinger

Rolando Villazón, Mozartwoche-Intendant und offizieller Mozart-Botschafter der Stiftung Mozarteum, sagt zur Bedeutung dieser kostbaren Neuerwerbung: „Jeder Brief Mozarts öffnet uns eine neue Tür in die Seele des größten musikalischen Genies aller Zeiten. Einen neuen Brief Mozarts zu entdecken ist, wie eine neue Blume in einem wunderschönen Garten zu finden.“

Mozarts Briefe faszinieren Musikliebhaber ebenso wie Musiker und Wissenschaftler. Sie vermitteln eine Fülle an Informationen über sein Leben, sein Schaffen und sein Denken. In ihnen zeigt sich der Komponist als sehr genau planender und gestaltender Künstler ebenso wie als unglaublich geistreicher und humorvoller, mitunter auch derb scherzender Mensch.

All dies steckt auch in einem auf den ersten Blick unscheinbaren Brief, den der Komponist am 12. Juli 1791, kein halbes Jahr vor seinem Tod, an seinen Kollegen und guten Freund Anton Stoll (1747–1805) in Baden bei Wien schrieb. Mehrere Male hatte Mozart seine Frau Constanze zur Kur nach Baden geschickt, wobei Stoll bei der Suche nach einem passenden Quartier behilflich war. Auch im Juni und Juli 1791 besuchte Constanze das „Antonienbad“, das besonders kostspielig war und daher „nur von Kranken höhern Standes besucht“ wurde, wie es in einer zeitgenössischen Beschreibung heißt.

Mozarteum / Mozartbrief Rückseite © ISM/Martin Hörmandinger

Mozarteum / Mozartbrief Rückseite © ISM/Martin Hörmandinger

Mozart besuchte seine Frau während dieser Zeit mehrere Male und führte bei dieser Gelegenheit in der Badener Pfarrkirche mehrere Werke gemeinsam mit Stoll auf, der dort als Chorregent für die Kirchenmusik verantwortlich war. Eigens für Stoll komponierte Mozart am 17./18. Juni 1791 in Baden eines seiner bekanntesten geistlichen Werke, das Ave verum KV 618, das am Fronleichnamstag des gleichen Jahres (am 23. Juni) in der Badener Pfarrkirche seine Uraufführung erlebte.
Der Inhalt von Mozarts Brief lässt sich sehr knapp und einfach zusammenfassen: Der Komponist bittet den befreundeten Chorregenten Anton Stoll, ihm die Noten zu zwei Werken zu schicken, die man zuvor gemeinsam in Baden in der Kirche aufgeführt hatte. Doch Mozart machte sich große Mühe, diese simple Bitte in ein typisch Mozart’sches Geflecht von Scherzen einzubetten.

Mozart hatte gemeinsam mit Stoll am 10. Juli 1791 in Baden eine seiner Messen aufgeführt (vermutlich die Messe KV 275). Seine Originalpartitur überließ Mozart dem Freund, bat ihn mit diesem Brief jedoch um die Zusendung der eigens angefertigten Stimmen, damit er das Werk auch in Wien aufführen konnte. Dass
Mozart außerdem in seinem letzten Lebensjahr auch noch ein Werk Michael Haydns (1737–1806) aufführte, belegt dessen anhaltende Wertschätzung für seinen ehemaligen Salzburger Kollegen.

Mozart leitet seinen Brief mit einem kurzen „Gedicht“ ein und nennt seinen Freund: „liebster Stoll! / bester knoll! / grösster Schroll!“. Auf den ersten Blick scheinen das nur beliebige Reimwörter zu sein, doch tatsächlich verwendet Mozart seinerzeit geläufige Begriffe, die einen dicken und äußerst groben Menschen bezeichnen. Natürlich war dies nicht ernst gemeint, und als Freund Mozarts musste man in der Lage sein, mit solchen Scherzen umzugehen.

Wolfgang Amadeus Mozart Denkmal in Wien © IOCO

Wolfgang Amadeus Mozart Denkmal in Wien © IOCO

Auf der zweiten Seite befindet sich ein Schreiben von Mozarts Schüler und Assistenten Franz Xaver Süßmayr (1766–1803), in dem es ebenfalls um die Rücksendung der genannten Noten geht. Doch es handelt sich hier um eine „Fälschung“ – tatsächlich ist auch dieser Text von Mozart geschrieben, der dabei versuchte, Süßmayrs Schrift nachzuahmen. „Süßmayr“ wiederholt Mozarts Bitte und droht unter anderem damit, Stoll werde nichts mehr von der „Opera“ erfahren, an der Mozart gerade arbeite. Gemeint ist damit die Zauberflöte, die zweieinhalb Monate später, am 30. September 1791, in Wien ihre Uraufführung erlebte. Dass Stoll alles zu Mozarts Zufriedenheit erledigte, lässt sich wohl an der Tatsache ablesen, dass der Komponist seinen Freund einige Zeit später zu einer Aufführung der Zauberflöte nach Wien einlud. Die Krönung des kleinen Mozart‘schen Sprachkunstwerks ist schließlich die Datierung im „Scheishäusel den 12. Juli“.

Von Mozart sind nur zwei Briefe an Stoll erhalten geblieben, die auf ein sehr vertrautes, freundschaftliches Verhältnis schließen lassen. Beide befanden sich bisher bei Privatbesitzern; dieser zweite Brief konnte nun dank einer großzügigen Spende von Maria-Elisabeth Schaeffler-Thumann von der Stiftung Mozarteum für die „Bibliotheca Mozartiana“ erworben werden. Die Bibliothek der Stiftung verwahrt den größten Teil der Korrespondenz der Familie Mozart, darunter allein fast 200 Originalbriefe Wolfgang Amadé Mozarts. Die Sammlung, zu der auch zahlreiche Musikautographen Mozarts gehören, geht in ihrem Kern auf Geschenke und Vermächtnisse von Mozarts Witwe Constanze sowie seiner beiden Söhne Carl Thomas und vor allem Franz Xaver Wolfgang Mozart zurück.

Originalhandschriften Mozarts und seiner Familie sind im Autographentresor der Stiftung Mozarteum im Mozart-Wohnhaus ausgestellt, der im Rahmen von Spezialführungen – beispielsweise während der jährlichen Mozartwoche – zugänglich ist.

Schon seit mehreren Jahren macht die Stiftung Mozarteum ihre wertvollen historischen Bestände sukzessive online frei zugänglich. So sind alle Briefe Mozarts aus der Sammlung bereits online verfügbar, auch der neu erworbene Brief Mozarts an Stoll wird am 12. Juni über die Website „Bibliotheca Mozartiana digital“ online verfügbar sein (http://digibib.mozarteum.at).

—| Pressemeldung Mozarteum Salzburg |—

Oldenburg, Oldenburgisches Staatstheater, Siroe von Adolph Hasse, IOCO Kritik, 12.01.2017

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Oldenburgisches Staatstheater

Staatstheater Oldenburg © Andreas J. Etter

Staatstheater Oldenburg © Andreas J. Etter

Siroe von Johann Adolph Hasse

 Barockoper verzaubert in märchenhaft-exotischer Inszenierung

Von Guido Müller

Johann Adolph Hasses Opera seria in drei Akten Siroe, Re di Persia, in der Dresdner Fassung von 1763 ist eine spätere Überarbeitung eines eigenen Werks dieses in Italien zu Ruhm  gekommenen Hamburg-Bergedorfer Komponisten von 1733. Es wurde in Bologna auf ein Libretto des berühmtesten Operndichters des 18. Jahrhunderts Pietro Metastasio uraufgeführt, den noch Mozart für seine Opern nutzte. Das Libretto von Siroe war dabei ein besonderer Renner im 18. Jahrhundert, den u.a. nach dem ersten Komponisten Leonardo Vinci (1726) auch Georg Friedrich Händel und Antonio Vivaldi vertonten.

Der seit mehr als drei Jahrzehnten in kursächsischen Diensten stehende Hofkapellmeister Hasse wollte mit 66 Jahren die Komposition noch einmal ganz überarbeiten. Doch ein schwerer  Gichtanfall und vor allem  das Ende des Siebenjährigen Krieges mit Preußen wie der überstürzte Umzug des Kurfürsten Friedrich August II. aus dem polnischen Exil in Warschau nach Dresden zwangen Hasse dazu, die Arbeit unter Zeitdruck anlässlich des Namenstages  des Kurfürsten für das kriegszerstörte und von den Preußen zuvor als Munitionslager genutzte Opernhaus  in der sächsischen Metropole zu beenden.

So revidierte Hasse nur 14 von 21 Nummern von 1733, darunter alle für Siroe, den in Bologna der berühmte Kastrat Farinelli gesungen hatte, der nun nicht mehr zur Verfügung stand. Der Kurfürst starb aber schon bald darauf im Oktober 1763 während einer Vorstellung von Siroe  unerwartet am Schlaganfall. Das bedeutete auch für das durch den Krieg mit Preußen finanziell ausgeblutete Sachsen das Ende einer glänzenden musikalischen Ära, in der auch ein Johann Sebastian Bach gerne ein Hofamt in Dresden bekleidet hätte.

Hasse verließ mit seiner Frau, der berühmtesten Sängerin des 18. Jahrhunderts Faustina Bordoni aus Venedig, wo das Paar eine Zweitwohnung hatte, Sachsen Richtung Wien an den Hof der Kaiserin  Maria Theresia. Dort kreuzte Hasse die Wege von Joseph Haydn, den er unterrichtete, und Wolfgang Amadé Mozart, der sich als Heranwachsender wünschte, einmal ein so  berühmter und bewunderter Komponist wie Händel oder Hasse zu werden.

Oldenburgisches Staatstheater / Siroe von Johann Adolph Hasse - hier Hagar Sharvit als Emira und Nicholas Tamagna als Siroe © Stephan Walzl

Oldenburgisches Staatstheater / Siroe von Johann Adolph Hasse – hier Hagar Sharvit als Emira und Nicholas Tamagna als Siroe © Stephan Walzl

Bekanntlich sollte Mozart sowohl Hasse wie Haydn als Opernkomponist so in den Schatten  stellen, dass beide zunächst nur mit ihren kirchlichen Kompositionen und Oratorien bis wiet    ins 20. Jahrhundert bekannt blieben. Hasse wird auch heute noch regelmäßig mit seinen Kompositionen für die Dresdner Hofkirche dort aufgeführt. Seine bedeutenden Opern, die im 18. Jahrhundert sehr viel mehr Beachtung fanden in ganz Europa als die Werke Händels oder gar Vivaldis gerieten  in Vergessenheit und galten als unaufführbar. Das ändert sich zum Glück gerade – nicht zuletzt durch Maßstäbe setzende CD-Aufnahmen z.B. auch des Siroe durch die durch Europa tourende Parnassus Produktion  mit namhaften Sängern oder von  Artaserse (DVD und CD aus Italien mit Franco Fagioli), Didone abandonata unter Michael Hofstätter und der letzten Oper Hasses, Ruggiero aus Mailand, die Mozart auswendig  beherrschte.

Oldenburgisches Staatstheater / Siroe von Johann Adolph Hasse - hier Nicholas Tamagna als Siroe © Stephan Walzl

Oldenburgisches Staatstheater / Siroe von Johann Adolph Hasse – hier Nicholas Tamagna als Siroe © Stephan Walzl

Seit einigen Jahren findet nun endlich nach Georg Friedrich Händel und Antonio Vivaldi langsam mit Unterstützung der beiden Hasse-Gesellschaften in Hamburg-Bergedorf und München auch eine Hasse-Renaissance statt, nach zögerlichen Versuchen u.a. der Dirigenten Frieder  Bernius in Dresden, René Jacobs in Innsbruck und Berlin und anderer auch mit den großen opernmässigen Oratorien in den 1990iger Jahren.

Mit den CD-Aufnahmen der Mezzosopranistin Vivica Genaux und des Countertenors Valer  Barna-Sabadus im letzten Jahrfünft, beides große unermüdliche Botschafter der Musik Hasses, fing es vor wenigen Jahren an, bis nun auch die berühmten Countertenöre Max Emanuel  Cencic und Franco Fagioli ganze Opern einspielten, darunter als Parnassus Produktion den Siroe. Mittlerweile gibt es sogar auch in den sozialen Medien auf Facebook eine Gruppe der Johann Adolph Hasse Friends und Spezialisten aus der ganzen Welt.

Auf die ältere Siroe-Produktion von Parnassus von 2014 mit Max Emanuel Cencic, die u.a.  bereits in Wiesbaden zu den Maifestspielen gezeigt wurde und 2018 in Bayreuth im neu eröffneten Markgräflichen Opernhaus zu sehen sein werden wird, und die hier besprochene Siroe-Produktion in Oldenburg 2017/18, die erweitert auch 2018 durch die Niederlande tourt, folgt im April 2018 die Neu-Eröffnung des Markgräflichen Opernhauses in Bayreuth mit der dort bereits zur Eröffnung im 18. Jahrhundert uraufgeführten Hasse-Oper Artaserse. Im Sommer 2018 führt das barocke Ekhof Theater im Schloßbezirk von Gotha Johann Adolph Hasses neapolitanische Serenade Marc Antonio e Cleopatra auf.

Die Besetzung der Sänger der ersten Aufführung in Dresden 1763 ist uns erfreulicherweise bekannt und verdient Beachtung. Die Titelpartie Siroe sang der Kastrat Pasquale Bruscolini, genannt Pasqualino, (1718-1782), der seit 1753 in Dresden tätig war. Emira wurde von der Sopranistin Caterina Pilaja verkörpert.

Oldenburgisches Staatstheater / Siroe von Johann Adolph Hasse - hier Hagar Sharvit als Emira © Stephan Walzl

Oldenburgisches Staatstheater / Siroe von Johann Adolph Hasse – hier Hagar Sharvit als Emira © Stephan Walzl

Cosroe wurde von dem berühmten Tenor Angelo Amorevoli (1716 -1798) gesungen, der bereits seit 1744  bis dann bis 1764 in Dresden verpflichtet war, und Medarse von dem Kastraten Giuseppe Gallieni. Dem Komponisten und Barockopernspezialisten Dragan Karolic  aus Berlin danke ich ebenso für Hinweise auf die Besetzung wie der sehr informativen französisch-englischen Internetseite „Quell’Usignolo“.

Die erst 18jährige anspruchsvolle und später in Wien berühmte Elisabeth Teyber (1745-1816) sang 1763 Dresden die äußerst anspruchsvolle Koloratursopranpartie der Laodice, die in der CD-Einspielung bei Decca 2014 mit höchster Virtuosität von Julia Lezhneva gesungen wird. 1765 sollte die Teyber in Wien in Glucks Festoper Telemaco die Circe zur Hochzeit des späteren Kaisers Joseph II. mit Maria-Josepha von Bayern verkörpern.

Am Oldenburgischen Staatstheater gestaltet Sooyeon Lee die Laodice mit einer solchen enormen Hingabe und mit solcher technischen Perfektion, dass sie mit dieser eindrucksvollen  Leistung nicht hinter der berühmten Kollegin der Decca-Einspielung verstecken muss. Ihre große Arie Se il caro figlio im dritten Akt wird zu einem Kabinettstück gesanglicher Perfektion und Ausdruckskunst. Besonders der Tenor Amorevoli fand 1763 in Dresden höchste Anerkennung für seine extreme Kehlkopfbeweglichkeit, seine herausragende Koloraturfähigkeit, seinen Stimmumfang von d bis zum hohen h“ und seinen sehr natürlich und tonschön klingenden Stimmklang – vor allem im Bereich zwischen c‘ und b‘.

All dies trifft auch auf den österreichischen jungen Tenor Philipp Kapeller zu. Dieser Ausnahmetenor mit einer wunderschönen sicheren Höhe, einschmeichelnden Mittelage und in  die tiefe Lage bruchlos geführten Stimme war für mich die größte Entdeckung des Abends. Ein Ereignis der Extraklasse dem österreichischen Tenor Philipp Kapeller zuzuhören und im sehr lebendigen Spiel zusehen zu dürfen. Nicht nur in seinen mit Koloraturen und mit stimmlichen Finessen gespickten großen Bravourarien wie „Tu di pieta mi spogli“ mit virtuoser Naturhörnerbegleitung (Joaquim Palet  und Hubertus Grünewald) im zweiten Akt berührt Philipp Kappeler ganz besonders in den mit  größtem Stilgefühl vorgetragenen, besonders kantablen Arien wie „Gelido in ogni vena“ des  dritten Aktes, als Cosroe den Geist des vermeintlich auf seine Veranlassung getöteten Sohnes beklagt.

Oldenburgisches Staatstheater / Siroe von Johann Adolph Hasse - hier Yulia Sokolik als Medarse © Stephan Walzl

Oldenburgisches Staatstheater / Siroe von Johann Adolph Hasse – hier Yulia Sokolik als Medarse © Stephan Walzl

Ihm stand die Mezzosopranistin Yulia Sokolik in der Hosenrolle als Cosroes hinterhältiger und intriganter, nach der Herrschschaft strebender Sohn Medarse in nichts nach. Ihre stimmliche Perfektion und innige Beseelung der Figur lässt wahrlich staunen. Ihre große Arie „Torrente cresciuto“ im dritten Akt über den anschwellenden Strom hat mich mit den emotional und psychologisch begründeten enormen Sprüngen und endlosen, immer im Dienste des Ausdrucks stehenden Koloraturkaskaden besonders stark bewegt. Diese stimmlich prächtigen und schillernden Kaskaden erinnern an die prächtigen Springbrunnen der sächsischen königlichen Parks von Pillnitz oder Warschau.

Martyna Cymermann gestaltet den Arasse mit größter emotionaler und stimmtechnischer Perfektion, die staunen macht. Hagar Sharvit als Emira bezaubert nicht nur mit ihrem Spiel,  sondern beeindruckt mit enormer gesanglicher Finesse wie in ihrer empfindsamen Schäferinnen-Arie „Non vi piacque“ zum Abschluss des zweiten Aktes, die Mozarts spätere  Arien etwa in Don Giovanni vorwegnimmt. Ihre große anklagende und an ähnliche Arien  Mozarts in Idomeneo oder La Clemenza di Tito gemahnende Furien-Bravourarie Che furia, che monstro im dritten Akt lässt das Blut gefrieren.

Nicholas Tamagna als Cosroes zunächst mißachteter und dann siegreicher Königssohn Siroe   zieht nicht nur alle Register seiner überaus großartigen Countertenorstimme sondern berührt mit einer äußerst glaubwürdigen Darstellung. Tamagnas große Arie „Se l’amor tuo mi rendi“ im dritten Akt mit ihren rhythmisch vertrackten, atemberaubenden Sprüngen und Koloraturen ließ mich den Atem anhalten. Diese Arie der tief empfundenen Bruderliebe, die zu den schönsten des späten Rokoko zählt, erinnert an springende Lämmer in einem Gemälde von François Boucher.

Ebenso wie Philipp Kappeler und Yulia Sokolik mit dem übrigen Ensemble macht Nicholas Tamagna besonders nachdrücklich deutlich, wie heutzutage fast mühelos wirkend eine neue  Sängergeneration diese Partien der ganz besonders von der menschlichen Stimme lebenden Hasse-Opern bravourös und zur Begeisterung des Publikums meistert. Die stimmtechnisch höchsten Anforderungen dieser Arien gehören zum schwierigsten und anspruchsvollsten, was das Jahrhundert des von der neapolitanischen Schule ausgehenden wahren Belcanto und der größten Stimmartistik zu bieten hatte.

So wie der zeitgenössische Musikkritiker Charles Burney über Johann Adolph Hasse schrieb: „Er betrachtet beständig die Stimme als den Hauptgegenstand der Aufmerksamkeit auf der    Bühne, und unterdrückt sie niemals durch ein gelehrtes Geschwätz mannigfaltiger Instrumente,  oder arbeitender Begleitsätze; vielmehr ist er immer darauf bedacht, ihre Wichtigkeit zu erhalten,  gleich einem Mahler, welcher der Hauptfigur in seinem Gemälde  das stärkste Licht gibt.“ (Programmheft, Oldenburgisches Staatstheater, S. 13).

Johann Adolph Hasses späte Oper Siroe im Übergang vom Barock zur Klassik, oder von Händel zu Mozart, fand am Oldenburgischen Staatstheater eine besonders feinsinnige, stilbewußte, humorvolle, psychologisch genaue und bildmächtige Inszenierung von Jakob Peters-Messer mit den schönen Bühnenbildern und prächtigen Kostümen von Markus Meyer.

Sehr geschmackvoll und handwerklich gekonnt kontrastiert Jakob Peters-Messer auf drei Ebenen historische Kontexte der Handlung im märchenhaft-exotischen antiken Persien, das  im 18. Jahrhundert gerne als sittlicher Spiegel der höfischen europäischen Gesellschaft diente, und die prächtige Rokoko Entstehungszeit aus der Epoche der Herrschaft des Sohnes August des Starken mit heutigen Kriegserfahrungen und Bildern des Vorderen und Mittleren Orients.

Besonders gelingt Jakob Peters-Messer die psychologische Vertiefung und Verdichtung auch in den Kontrasten rokokohafter Leichtigkeit und aktueller Kriegsbilder, die bereits in der  empfindsamen Musik Hasses angelegt ist.

Oldenburgisches Staatstheater / Siroe von Johann Adolph Hasse - hier Oldenburgisches Staatsoprchester unter Wolfgang Katschner © Stephan Walzl

Oldenburgisches Staatstheater / Siroe von Johann Adolph Hasse – hier Oldenburgisches Staatsoprchester unter Wolfgang Katschner © Stephan Walzl

Hasses Komposition weist oft verblüffend auf die Wiener Klassik und Mozart voraus, der bekanntlich von Hasse so stark beeindruckt war, dass er zur Verärgerung des Vaters, der  sicherlich einen zu starken Einfluss Hasses befürchtete, die Hasse-Opern auswendig wieder geben konnte. Musikalisch von Wolfgang Katschner mit einem Alte Musik Spezialensemble   aus Mitgliedern des Staatsorchesters und Gästen erarbeitet, bleibt dessen Handschrift deutlich spürbar auch unter der vorzüglichen und präzisen musikalischen Leitung von Thomas Bönisch an diesem Abend.

Wenn auch die bereits von Jean Jacques Rousseau als bestes Orchester Europas gelobte Dresdner Hofkapelle 1763 in Siroe z.B. mit zwei Cembali noch stärker besetzt war als in dieser Oldenburger Aufführung, so füllt das mit je vier Violinen (Konzertmeisterin Birgit Rabbels), drei Violen, zwei Violoncelli, einem Kontrabass, einer Theorbe und einem Cembalo wie je zwei Holzflöten, zwei Oboen, einem Fagott und zwei Naturhörnen besetzte Spezialensemble voll den Raum des nicht so sehr großen Staatstheaters. Die Opernhäuser in Neapel, Venedig und Dresden zur Zeit von Hasse waren deutlich größer als das Opernhaus in Oldenburg.

Besondere Erwähnung unter den Musikern in Oldenburg verdient das Bassuo continuo Ensemble mit den Gästen Gerd Amelung am Cembalo, Fabian Boreck am Cello und Andreas Nachtsheim an der Theorbe. Oldenburg bietet ein Sängerensemble mit ausnahmslos  hervorragenden Solisten wie Philipp Kapeller, Nicholas Tamagna, Yulia Sokolik, Hagar Sharvit, Sooyeon Lee und Martyna Cymerman.

Was die Staatsopern von Hasses Geburtstadt Hamburg und Hasses jahrzehntelanger Uraufführungsstätte Dresden, aber auch große Häuser in München, Wien oder Berlin nicht schaffen oder sich nicht trauen, das gelingt Oldenburg auf das Überzeugendste. Damit straft diese Maßstäbe setzende Produktion des Oldenburgischen Staatstheaters auch das  Verdikt René Jacobs vor zwanzig Jahren Lügen, die Opern Hasses seien nicht mehr aufführbar. Jacobs sah damals keine Sänger ausser Vivica Genaux, die nicht nur in der Lage seien, die halsbrecherischen technischen Schwierigkeiten mit größter Lust an vokaler Selbstinszenierung zu beherrschen sondern ebenso die für Hasse charakteristischen großen melodisch-empfindsamen kantablen Bögen auch über die bereits sich auflösende traditionelle Form der Dacapo-Arie hinweg zu beseelen, psychologisch zu vertiefen und stilvoll zu gestalten.

Und zu Recht empfing das der Vorstellung begeistert und aufmerksam folgende Publikum  einer Repertoirevorstellung mit Jubel und zahlreichen Bravorufen alle Künstler am Ende, nachdem es bereits mut Applaus für die einzelnen Arien nicht gegeizt hatte. Nach der Pause  war keine Abwanderung zu bemerken. Glückwunsch daher dem Staatstheater Oldenburg für ein solches aufmerksames, neugieriges und konzentriertes Publikum.

Unbedingter Vorstellungsbesuch dieser Rarität einer herausragenden Oper zwischen Händel  und Mozart empfohlen – entweder noch in Oldenburg ab März 2018 wieder oder der leicht  durch den Regisseur vor allem mit Tänzen erweiterten Version ab Januar unter der musikalischen Leitung von George Petrou mit teilweise Übereinstimmung der Sänger auf  einer Tournee in den Niederlanden: 26.1.2018 Enschede, 29.1.2018 Amsterdam und mehr….siehe auf   www.reisopera.nl

Siroe von Johann Adolph Hasse am Oldenburgischen Staatstheater; weitere Vorstellungen 25.3.; 27.3.; 31.3.; 5.4.2018

—| IOCO Kritik Oldenburgisches Staatstheater |–

Bonn, Theater Bonn, Premiere DON GIOVANNI von W.A. Mozart, 11.12.2016

November 8, 2016 by  
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Theater Bonn

Theater Bonn © Thilo Beu

Theater Bonn © Thilo Beu

 DON GIOVANNI  von Wolfgang Amadé Mozart

Premiere  11. Dezember 2016  18.00 Uhr

Premiere von DON GIOVANNI von Wolfgang Amadé Mozart am 11. Dezember 2016, um 18 Uhr ins Opernhaus einladen. E.T.A. Hofmann erklärte DON GIOVANNI zur „Oper aller Opern“. Ihre Titelfigur ist das Urbild eines Verführers.  Angeblich kriegte er sie alle –  46 in Italien, 230 in Deutschland, 100 in Frankreich, 91 in der Türkei und in Spanien sind es sogar 1003 Frauen. Er liebt sie alle: Quer durch die Gesellschaftsschichten, ungeachtet dessen, ob sie einem anderen angehören oder frei sind. Er verlässt sie alle: Für Don Giovanni bleibt alles nur ein Spiel, dessen Regeln er allein bestimmt.

Theater Bonn / Giorgos Kanaris als DON GIOVANNI © Thilo Beu

Theater Bonn / Giorgos Kanaris als DON GIOVANNI © Thilo Beu

Im Stück aber: Zuerst schreit Anna um Hilfe, als Giovanni sie nachts maskiert in ihrem Zimmer überrascht. Und nicht nur das: Giovanni tötet auf der Flucht auch noch Annas Vater. Als nächstes taucht Ex-Frau Elvira plötzlich auf und verhindert, dass die Braut Zerlina auf Anhieb Giovannis Verführungskünsten erliegt. Beim zweiten Versuch schreit Zerlina im letzten Moment um Hilfe und zuguterletzt verhindert Zerlinas Bräutigam Masetto auch noch ein Treffen des Verführers mit Elviras Zofe. Und doch bildet Giovanni das Zentrum der Oper, alle anderen Personen kreisen nur um ihn, definieren sich nur über ihn. Wenn Giovanni am Ende dem eigentlichen Titel gemäß als DER BESTRAFTE WÜSTLING ohne das geringste Anzeichen von Reue zur Hölle fährt, ist die Welt um eine Energiequelle ärmer. In seiner zweiten Zusammenarbeit mit dem Librettisten Lorenzo da Ponte gelang Mozart ein musikalisches Meisterwerk, das sich zwischen der leichten, komischen Welt der Opera buffa und der düsteren Welt des Dämonischen bewegt.

Theater Bonn / DON GIOVANNI - Ensemble © Thilo Beu

Theater Bonn / DON GIOVANNI – Ensemble © Thilo Beu

Regie führt Jakob Peters-Messer, dessen Bonner FIDELIO-Inszenierung im Oktober beim größten internationalen Opernfestival Asiens, dem DAEGU INTERNATIONAL OPERA FESTIVAL, zu Gast war. Die musikalische Leitung liegt in den Händen des ersten Kapellmeisters Stephan Zilias.

 

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