Gelsenkirchen, Musiktheater im Revier, Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny – Bertolt Brecht, Kurt Weill, IOCO Kritik, 02.02.2019

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Musiktheater im Revier Gelsenkirchen

Musiktheater im Revier Gelsenkirchen © MiR Musiktheater im Revier

Musiktheater im Revier Gelsenkirchen © MiR Musiktheater im Revier

Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny – Bertolt Brecht / Kurt Weill

Brechts Antkapitalismus im „Pott“ – Mit sarkastisch lokaler Prägung

von Viktor Jarosch

Wenn ein Kapitalismus-kritisches Werk wie Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny „im Pott, in Gelsenkirchen, geographisches Herz des von dramatischen industriellen Umbrüchen und sozialen Verwerfungen heimgesuchten Ruhrgebiets, aufgeführt wird, sind  lokale Bezüge unvermeidbar. Das Musiktheater im Revier, MiR präsentiert nun eine künstlerisch anspruchsvolle Mahagonny-Produktion, vom eigenen Ensemble mitreißend umgesetzt; mit schräg-komischem lokalem Sarkasmus versetzt, welcher die zynische Welt von Bertolt Brecht und Kurt Weill humorig ergänzt. Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny reiht sich so ein in eine starke Serie neuer, bewegender Produktionen des MiR.

Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny   –  Bertolt Brecht / Kurt Weill
youtube Video des Musiktheater im Revier
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Mahagonny, 1927 als Songspiel entstanden, wurde adaptiert und 1930 in Leipzig als „episches Theater“ uraufgeführt. Episches Theater, ein von Bertolt Brecht geprägter Begriff, kokettiert, spielt in seinem Bühnenwerken antikapitalistisch zynisch und bunt mit gesellschaftlichen Konflikten, Krieg, ökonomischen Schräglagen. Weills Kompositionen schaffen es auf geniale Weise Musik ohne Einbußen von Qualität zu vereinfachen; so changieren in Mahagonny beständig revuehafte Songs, Choräle, Jazz-Rhythmen und erzählende Elemente in deutscher und englischer Sprache. Klassisches Illusionstheater oder Einzelschicksalen waren nicht Brechts Motivation; er suchte den marxistischen Diskurs. Brechts „Antikapitalismus-Philippiken“ lösten in der Öffentlichkeit zwar Diskussionen aus, aber keine Revolutionen. Der Kapitalismus vereinnahmte Brecht, durch Akzeptanz und Popularität. Mahagonny im MiR lebt, atmet Brechts kontroverses episches Theater in modernem Gewand und bietet eine notwendige Alternative zum klassischem Theaterrepertoire.

Jan Peter, bisher als Filmemacher, nicht als Opernregisseur bekannt – bei Schalke 04 schuf er das Video-Design des Schalke-Oratoriums „Kennst du den Mythos? – bringt Mahagonny im MiR mit Ruhrgebiets-Kolorit auf die Bühne: Bergleute, Förderturm, Würstchen. Jan Peters Vita zeigt sich dazu in Videos, Projektionen und schwarzweißen historischen Kriegsfilme, welche mit dem Vorspiel die ganze Inszenierung durchziehen; das Geschehen auf der Bühne beständig mit hintergründiger Endzeitstimmung begleiten: So zeigen sich zum Vorspiel von Mahagonny, auf dem sich hebenden Bühnenvorhang, Filmszenen des 2. Weltkriegs, marschierende Soldaten, kämpfende Jagdflieger, hungernde KZ-Insassen; zum Ende  Atombomber, welche tödliche ihe Last abwerfen.

Musiktheater im Revier / Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny - hier : Witwe Begbick und Fatty © Karl + Monika Forster

Musiktheater im Revier / Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny – hier : Witwe Begbick und Fatty © Karl + Monika Forster

Im ersten Bild, einer halbdunklen, immer wieder von Scheinwerfern durchzogenen Bühne, erscheinen die flüchtenden, steckbrieflich gesuchten Witwe Begbick (Almuth Herbst), Fatty (von einer Frau besetzt: Petra Schmidt) und Dreieinigkeitsmoses (Urban Malmberg). Ihr Auto an einem Wüstenrand gestrandet und sie beschließen: „ Der Wagen ist kaputt. Ja, dann können wir nicht weiter. Gut, dann bleiben wir hier“. Witwe Begbick verkündet Wesen und Gesetze von Mahagonny :„Ihr bekommt leichter das Gold von Männern als von Flüssen! Darum laßt uns hier eine Stadt gründen. Und sie nennen Mahagonny, Das heißt: Netzestadt!  Und eine Woche ist hier: Sieben Tage ohne Arbeit“. Anna Maria Münzner kreiert dazu für das MiR auffällige Kostüme: Witwe Begbick mit Reitpeitsche, verwegenen roten Lockenzöpfen und prall rotem Western-Dress (Foto); Fatty, eine Frau mit weißem Zopf in coolem schwarzen Kleid; Dreieinigkeitsmoses, ein schwächlicher, kleiner Mann mit Augenbinde: mit unbegrenzten Glücksversprechen werden sie zu Göttern, Götzen ihrer neuen Gemeinde Mahagonny..

Bertolt Brecht Berlin © IOCO / Rainer Maass

Bertolt Brecht Berlin © IOCO / Rainer Maass

Sechs „sehr willige“ Mädchen sind die ersten weiblichen Ankömmlinge in Mahagonny, Jenny Hill (Anke Sieloff), noch brav in bürgerlich in blauem Kleid lyrisch schwermütig singend: „Oh show us the way to the next whisky-bar..“, und jenen populären Klassiker „Oh! Moon of Alabama We now must say good-bye, We ’ve lost our good old mamma, And must have whisky, Oh! you know why“. Während unter der sich leicht hebenden Bühne erste aber markante Ruhrgebiets-Bezüge sichtbar werden; das Volk ist Kumpel mit Grubenhelmen und Grubenlampen, singend: „Wir wohnen in den Städten. Unter ihnen sind Gossen, In ihnen ist nichts, Über ihnen ist Rauch. Wir sind noch drin, Wir haben nichts genossen, Wir vergehen rasch“. Während über ihnen, in Mahagonny, schon „Fahrscheine zum Glück“ verkauft werden.

Auch vier ehemalige Goldschürfer aus Alaska wollen nach Mahagonny, es müssen Gelsenkirchener Kohleschürfer sein, denn:   „Dort gibt es Fleischsalat!“: Paul Ackermann (Martin Homrich), Jakob Schmidt (Tobias Glagau), Sparbüchsenheinrich (Petro Ostapenko), Alaskawolfjo (Joachim Gabriel Maaß), Tobby Higggins (Jiyuan Qiu) treffen ein. Paul verliebt sich sogleich in Jenny, welche die Bedingungen ihrer Beziehung regelt. Der Aufstieg der Stadt Mahagonny hat begonnen.

Die Drehühne (Kathrin-Susann Brose) öffnet im nächsten Bild den Blick auf das nun in Mahagonny herrschende locker laszive Leben: Männer werden vor einer Kneipenfassade von Frauen verwöhnt; hinter durchsichtigen Vorhängen der Kneipenfenster räkeln sich Frauen sinnlich. Bis ein tödlicher Wirbelsturm (Projektion: „Pensacola ist zerstört“) angekündigt wird; den auf der Erde kauernden Menschen werden Bibeln und auch Gasmasken verteilt und Witwe Begbick ein neues Gesetz, totale Anarchie verkündet: „Du darfst alles!“, doch nur, wenn man Geld hat; begleitet von dem elegischen Song: „Denn wie man sich bettet, so liegt man, es deckt einen da keiner zu. Und wenn einer tritt dann bin ich es; und wird einer getreten, dann bist´s du“. Den Fall der Stadt Mahagonny läutet zum Ende des ersten Aktes ein Kumpel-Ruf ein: „Möchte noch jemand Würstchen?“

Musiktheater im Revier / Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny - hier : Jakob Schmidt frisst sich an Würstchen - welche vom Himmel regnen - zu Tode © Karl + Monika Forster

Musiktheater im Revier / Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny – hier : Jakob Schmidt frisst sich an Würstchen – welche vom Himmel regnen – zu Tode © Karl + Monika Forster

Die angepriesene totale Anarchie von Mahagonny prägt im MiR deftiger „Lokalkolorit“: wenn Jakob Schmidt sich an Würstchen zu Tode frisst; solche regnen in Massen vom Himmel; wenn Männer, von einem großer Poster „Ficken“ angelockt, hinter einem grünen Vorhang verschwinden und schwankend, schwächelnd, dümmlich grinsend hervorkommen; wenn Alaskawolfjo beim Preisboxen gegen Dreieinigkeitsmoses stirbt, mit einer Kreissäge zerlegt und in einem nahen flackernden Ofen verbrannt wird; wenn Paul Ackermann nach seiner Spendierfreudigkeit bei ein Trinkgelage seine Schulden nicht bezahlen kann und verhaftet wird: „Du darfst alles, aber musst immer Geld haben!“. Den Fall der Stadt Mahagonny vertiefen zynisch humorige Zerrbilder im 3. Akt.

Wenn Witwe Begbick, Fatty und Dreieinigkeitsmoses von der Spitze eines symbolisierten Kohle-Förderturmes, als Götter, Richter oder Henker handelnd, Urteile verkünden: Links und rechts des Turmes schweben angeklagte Delinquenten in „Fördersesseln“ auf und ab: Mörder Tobby Higgins wird, nachdem er die Richter bestochen hat, frei gesprochen; der wegen Mangel an Geld („was das grösste Verbrechen ist, das auf dem Erdenrund vorkommt“) angeklagte Paul wird zum Tode verurteilt, mit der Kreissäge getötet und nach einem okkulten Trauermarsch im Verbrennungsofen „entsorgt“. Mahagonny geht unter: Die demonstrierende Bevölkerung wird erschossen; Videos zeigen eine untergehende Welt mit Bombern die Atombomben abwerfen; derweil Witwe Begbick, Fatty und Dreieinigkeitsmoses unberührt weiter ziehen: „Let us go to Benares..!“

Musiktheater im Revier / Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny - hier : auf dem Förderturm: Witwe Begbick verkündet Paul Ackermann sein Urteil © Karl + Monika Forster

Musiktheater im Revier / Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny – hier : auf dem Förderturm: Witwe Begbick verkündet Paul Ackermann sein Urteil © Karl + Monika Forster

Neben der Video-gestützten Regie überzeugte die Premiere auch musikalisch: Thomas Rimes führte die Neue Philharmonie Westfalen, Ensemble und Chor auf der Bühne sicher durch die facettenreiche, filigrane Produktion. Im darstellerisch und stimmlich großartigen Ensemble gestalteten Almut Herbst als Witwe Begbick mit Petra Schmidt als Fatty und Urban Malmberg als Dreieinigkeitsmoses ein wunderbar zentrales wie dominantes gangsterkapitalistisches Dreigestirn. Anke Sieloff gab Jenny Hill mit zart lyrischer Stimme sanftes Charisma; auch die Goldschürfer, Petro Ostapenko als Sparbüchsenheinrich, Joachim Gabriel Maaß als Alaskawolfjo und Martin Homrich als Paul zeigten auf dem schmalen aber komplexen Grat Brechtscher Komik, stets zwischen Parodie, Slapstick und Zynismus wandelnd, mit großer Kunst.

Bertolt Brecht Werke wurden nur selten im MiR aufgeführt: Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny vor 35 Jahren. Das Publikum feierte Regie, Ensemble und Orchester der Inszenierung gleichermaßen begeistert, zeigte, dass Brecht / Weill im Spielplan vermisst wurde.

In der folgenden Premierenfeier diskutierten, genossen noch 500 Besucher im Foyer des Hauses über Stunden froh und lebhaft die gesehene MiR Produktion; untereinander, mit Ensemble, Chor, Statisten und Orchester das Gesehene, das Gespielte. Grubenlampen allerdings waren dort nicht zu sehen.

Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny im Musiktheater im Revier; die folgenden Vorstellungen 2.2.; 14.2.; 22.2.2019

—| IOCO Kritik Musiktheater im Revier |—

Düsseldorf, Arena, Großes Weihnachtssingen 2018 – Eine Nachlese, IOCO Aktuell, 28.12.2018

Januar 3, 2019 by  
Filed under Arena Düsseldorf, IOCO Aktuell, Konzert

Arena Düsseldorf / Das große Weihnachtssingen 2018 © D.LIVE / Anke Hesse

Arena Düsseldorf / Das große Weihnachtssingen 2018 © D.LIVE / Anke Hesse

Arena Düsseldorf

Das große Weihnachtssingen

Das große Weihnachtssingen  –  Eine Nachlese

40.000 Besucher kamen, um zu singen –  Doch Stars bestimmten den Abend

Von Viktor Jarosch

Das große Weihnachtssingen, die erste solche Veranstaltung in Düsseldorf, fand am 23.12.2014 statt: In der MERKUR SPIELE – ARENA, alles andere als weihnachtlich klingend. MERKUR SPIELE – ein Unternehmen, welches Glücksspiele in Casinos und online-Spiele vermittelt. 40.000 Menschen, darunter viele Kinder, waren – MERKUR SPIELE hin oder besser weg – zum weihnachtlichen singen in die Arena Düsseldorf gekommen. Hohe Maßstäbe zum Weihnachtssingen wurden zuvor in Schalke und Köln gesetzt: Weihnachtssingen versetzte die Menschen dort gemeinschaftlich in frohe Weihnachtstimmung, in emotionale Ergriffenheit.

Im Innern der überdachten und festlich beleuchteten Arena Düsseldorf war der halbdunkle Rasen von zahlreichen Riesenballons geschmückt, welche in stetig wechselnden Farben, begleitet von einer spannenden Lichtchoreographie von Beginn an optisch faszinierten.

Doch die wahren Akteure des Abends fungierten nicht auf den Rängen des Stadions sondern auf einer großen Bühne in der Rasenmitte: Coole Moderatoren, Stefan Kleinehr und Claudia Monreal, der englische Opernstar Paul Potts, Patrica Kelly, die Düsseldorfer Band Swinging Funfares, der NewLifeGospel Choir aus Düsseldorf, der Jazzchor der Universität Bonn; zudem brachte die Band BRINGS kölsche Akzente nach Düsseldorf. Die zum gemeinsamen Weihnachtssingen gekommenen 40.000 Besucher, so stellte sich bald heraus, sollten eher unterhalten werden. Nicht in singender Freude mitwirken. Zunächst läuteten Kirchenglocken, weihnachtlich. Dann klang ein „Gloria“ durch das Stadion; doch nicht weihnachtlich, sondern als Trompetensolo an den amerikanischen Filmklassiker Verdammt in alle Ewigkeit erinnernd.

Die folgenden 27 Lieder waren ebenso vielschichtig wie deren Interpreten auf der Bühne: Englische Klassiker wie Oh happy day, O come all ye faithful, Jingle bells, We wish you a Merry Christmas wechselten mit bekannten deutschen Liedern wie Lasst uns froh und munter sein, Alle Jahre wieder, leise rieselt der Schnee aber auch weniger bekannten Gesänge wie Es kommt ein Schiff, geladen bis an sein höchsten Bord, Ich weiß, et jet dir janit jot (Kölsch).

Arena Duesseldorf / Das große Weihnachtssingen 2018 © istock.com Choreograph

Arena Duesseldorf / Das große Weihnachtssingen 2018 © istock.com Choreograph

Von Beginn an lag Unsicherheit über den Besuchern: Trotz reichlich verteilter Lied-Programme wusste man nicht recht, wann welches Lied von wem gesungen werden sollte. Häufig misslang die technische Umsetzung; die Einbindung des Publikums durch eine große Leinwand über der Bühne wies erstaunlich amateurhafte  Mängel auf: Eingeblendete Texte kamen oft zu spät, oder zu früh, oder waren nicht lesbar, oder sollten vom Publikum nicht mitgesungen werden. Daneben waren Akteure auf der Bühne gelegentlich nur schlecht zu verstehen. Moderator Kleinehr sah seine primäre Funktion anscheinend darin, die illustren Gäste eingehend vorzustellen, nicht jedoch das Publikum mitzunehmen. Die populären Gäste waren nicht auf reflektierendes Weihnachtssingen eingestellt: Patricia Kelly inszenierte das so zart intime Es ist ein Ros entsprungen..  in fliegend weiten Gewändern als wenig besinnliche, pralle Las Vegas–Show; gelegentlich als hilfsweiser Showmaster mit wenig Resonanz die Besucher zum Mitsingen auffordernd. Klassik-Star Paul Potts dagegen, singt – allein White Christmas, um, zum Ende, mit lyrisch sicherem Timbre und der / seiner berühmten Turandot – Arie Nessun dorma wunderbare stimmliche aber nicht weihnachtlichen Akzente zu setzen.

Doch alle Mängel konnten der guten Stimmung der 40.000 jungen wie älteren, weihnachtlich gestimmten Besucher nichts anhaben. Ohne Moderator und Leinwand sangen zum Ende, auf dem verregneten Weg zur wohl organisierten Straßenbahn, hunderte  Junge wie Ältere gut gelaunt wie  inspiriert   deutsche Weihnachtslieder, so auch O du fröhliche….   Moderation, Bühne? Nicht nötig!

Das große Weihnachtssingen wird in Düsseldorf auch 2019 stattfinden: Am 15. Dezember 2019. So gaben die Veranstalter inzwischen bekannt. Vermutlich wieder in der MERKUR SPIELE– Arena..

Allem Anfang wohnt bekanntlich ein Zauber inne, der uns dies Mal hoffen läßt, daß in Dezember 2019 in Düsseldorf tatsächlich ein Großes Weihnachtssingen  stattfindet, in welchem 40.000 kleine wie große Besucher und nicht Show-Stars die Haupt-Akteure sein werden.

—| IOCO Aktuell Arena Düsseldorf |—

Hagen, Theater Hagen, Pariser Leben – Jacques Offenbach, IOCO Kritik, 01.11.2018

November 2, 2018 by  
Filed under Hervorheben, Kritiken, Oper, Operette, Theater Hagen

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Theater Hagen

Theater Hagen bei Nacht © Stefan Kuehle

Theater Hagen bei Nacht © Stefan Kuehle

PARISER LEBEN –  Jacques Offenbach

 Karl Lagerfeld:
„Man muss nicht in Paris geboren sein, um eine echte Pariserin zu sein.“

Von Viktor Jarosch

Jacques Offenbach © IOCO

Jacques Offenbach © IOCO

Jacques Offenbach (1819 – 1880) ging früh, 1833, nach Paris um Musik zu studieren. 1855, als Offenbach anlässlich der ersten Pariser Weltausstellung 1855 sein eigenes kleines Theater, Theatre des Bouffes-Parisiennes, eröffnete, war er in Paris bereits ein Star; als Pianist und Komponist. Der Erfolg seiner Werke, so 1858 Orpheus in der Unterwelt, machten Offenbach in ganz Europa so populär, dass er 1865 den Auftrag erhielt, ein passendes Werk für die zweite Pariser Weltausstellung 1867 zu komponieren. Gemeinsam mit den Librettisten Henri Meilhac und Ludevic Halévy schuf er La vie Parisienne, Pariser Leben, eine frivole Komödie, dessen Uraufführung trotz zahlloser „schlüpfriger Unter-töne“ keinen Skandal auslöste sondern ein weiterer grandioser Erfolg für Jacques Offenbach wurde und bis heute blieb.

Pariser Leben in Hagen, einer Großstadt mit 175.000 Einwohnern; vieldeutig als „Tor zum Sauerland“ tituliert. Dies kann zur Steilvorlage für zugereiste Humoristen und Satiriker werden. Erst recht, wenn zuvor in einer lokalen Anzeige zu lesen war, dass Regisseur Holger Potocki für seine Inszenierung von Pariser Leben „einen ausgeprägt muskulösen Statisten (Typ Bodybuilder) zwischen 18 und 50 Jahren“ suchte.

Theater Hagen / Pariser Leben - hier : vor der Silhouette des Louvre © Klaus Lefebvre

Theater Hagen / Pariser Leben – hier : vor der Silhouette des Louvre © Klaus Lefebvre

Doch Potocki möchte in seiner Inszenierung von Pariser Leben im Theater Hagen eben nicht mit exquisitem Flair der Champs-Élysées oder des Boulevard Haussmann konkurrieren. Die Drehbühne (Bühne Lena Brexendorff) zeigt in vielen humorigen Bildern Menschliches, Lebensalltag. Leben wie Lebensfreude pulsiert – so Potocki – überall; in Berlin wie Hagen; in Zentren wie Vorstädten; auch in den so schlecht beleumundeten Banlieues von Paris. Holger Potockis Pariser Leben spielt im Heute, lebensfroh wie mitreißend im Halbdunkel einer rauen, verlorenen Vorstadt, einem Banlieue von Paris (Choreographie Andrea Danae Kingston). Dorthin verirren sich zufällig zu Beginn die schwedischen Touristen, Baron und Baronin von Gondremarck. Sie steigen eine Station zu früh aus dem Zug; treffen auf dem düsteren, nebelverhangenen Bahnhofsvorplatz auf die Pariser  Halbwelt; werden um Geld und Handy beraubt und von herbei kommenden Polizisten belehrt: „Außer Mord ist hier alles Bagatelle!“. Raoul de Gardefeu, von eigenen Träumen getrieben, verwickelt Baron und Baronin von Gondremarck und andere in eine schräge Verwechslunskomödie.

Theater Hagen / Pariser Leben - hier: Maria Klier, Kenneth Mattice, Anja Frank-Engelhaupt © Klaus Lefebvre

Theater Hagen / Pariser Leben – hier: Maria Klier, Kenneth Mattice, Anja Frank-Engelhaupt © Klaus Lefebvre

Holger Potocki ergänzt die Komposition Jacques Offenbachs; bildet von Beginn an mit auffälliger Choreographie und skurrilen wie schrägen Dialogen („die schwedische Botschaft, nicht die schwäbische Botschaft“, „Ihr Name klingt wie Nougat Creme! – Nutella? – Nein, Metella!“), Klamauk und Bühnenbild die verschrobene Pariser Halbwelt modern lebendig ab. Asterix fehlt  ebenso wenig wie der in engem Anzug beständig Fächer wedelnde, die Kleidung der Anderen „richtende“ Modedesigner Karl Lagerfeld, oder der Glöckner von Notre Dame, welchen Gonzo mit Buckel und Kopfbinde abbildet:Er jobbt in Notre Dame; er ist taub!“. Ein gigantisches Croissant, welches mit Zigarette in der Hand immer wieder die Bühne durchquert und um Feuer bittet; man fragt auf der Bühne „Wer ist das?“ – Die Antwort: „Ein Croissant!“. Potockis Produktion wird so zu einer modernen wie schrill-schrägen Halbwelt-Kontrast-Show zu klassischen Pariser Leben Inszenierungen wird.

Wieviel Paris steckt in Ihnen?  Wenn Sie „Pigalle“ hören, denken Sie an…Moulin Rouge, Nachtleben, Vergnügungen ohne Ende   oder an … die Metrolinien 2 und 12?

Die Feier des 2. Bildes, in heutiger Sprache eine Fake-Party, in der Bobinet mit vermeintlichen Gästen den Baron von Gondremarck bespasst, ist mit zahllosen kuriosen Facetten versetzt ein Höhepunkt der Produktion; wenn Champagner aus einem Eimer serviert wird, eine Transvestiten-Band mit Mikro in knappen braunen Corsagen sanft „Midnight in Paris“ singt, wenn auf einem Trimm-Fahrrad eine E-gitarre gespielt wird…..

Faszinierend, wie prall, froh und sicher bringt das riesige Ensemble des Theater Hagen so ein überquellendes Füllhorn von Stimmung, Stimmen, Gags und Choreographie auf die Bühne. Richard van Gemert, als Raoul de Gardefeu, von Metella fortwährend als „Du Lurch“ betitelt, beeindruckt meist in Schirmmütze, zur Super-Party in grünem  Pluderkleid, oder „zufälligerweise habe ich Sekt kalt gestellt“ – zum Chanson  „Je t´aime“ – wenn er auch die Baronin mit unbeholfenen Powacklern gewinnen möchte. Kenneth Mattice ist jener von sicherem Bariton und schlüpfrigen Abwegen inspirierte Baron von Gondremarck; Veronika Haller ist Gattin Baronin Christine mit wohl timbriertem Sopran. Kristina Larissa Funkhauser als „Männer inspirierendeMetalla fasziniert ebenso mit kräftigem Mezzo und Sticheleien, zum schwedischen Baron von Gondremarck:Hier ticken die Uhen anders als in Bullerbü“, während Marilyn Bennett als ältliche Mme. Quimper-Karadec stimmlich wie durch erotische Bondage Corsage, „Crime-Scene“,  für Aufregung im männlichen Publikum sorgte. Boris Leisenheimer  reißt als philosophierender Clochard ebenso mit wie als reicher Brasilianer. Stephen Boving die komplexe Partie des Bobinet mit sicherer Präsenz und wohl timbrierter Stimme.

Theater Hagen / Pariser Leben - hier : man macht ein Selfie © Klaus Lefebvre

Theater Hagen / Pariser Leben – hier : man macht ein Selfie © Klaus Lefebvre

Die Hagener Philharmoniker unter Rodrigo Tomillo musste man lieben: Nicht nur beherrschten sie Offenbachs aus Märschen, Cancan und Walzern bestehende  Komposition mit lebendigem wie filigranem Schwung. Auch das choreographisch reiche aber höchst diffizile neue Ornament zu Offenbachs Komposition aus neuen Dialogen, E-Gitarre und Chansons integrierten die Hagener Philharmoniker und Tomillo  reizvoll und schmissig.

Das begeisterte Publikum mitsamt Oberbürgermeister Erik O. Schulz dankte einhellig Holger Potocki zu seiner modern vielschichtigen Produktion von Pariser Leben und dem großen Ensemble und Chören des Theater Hagen wie den Hagener Philharmonikern zur gelungenen Umsetzung auf die Bühne und im Orchestergraben.

Pariser Leben am Theater Hagen; die weiteren Vorstellungen 2.11.; 7.11.; 16.11.; 24.11.; 5.12.; 27.12.; 31.12.2018

—| IOCO Kritik Theater Hagen |—

Wien, Burgtheater, Glaube Liebe Hoffnung – Ödön von Horváth, IOCO Kritik, 12.10.2018

Oktober 13, 2018 by  
Filed under Burgtheater Wien, Kritiken, Schauspiel

Burgtheater Wien © Georg Soulek / Burgtheater

Burgtheater Wien © Georg Soulek / Burgtheater

Burgtheater Wien

Glaube Liebe Hoffnung – Ödön von Horváth

–  Fiktion oder Wirklichkeit: Alles nur im Auge des Betrachters ? –

Von Viktor Jarosch

Ödon von Horváth Grabstätte in Wien © IOCO

Ödon von Horváth Grabstätte in Wien © IOCO

Ödön (Edmund – ung.) von Horváth (1901 – 1938) entstammt einer österreichich-ungarischen Diplomatenfamilie und lebte nach dem Zusammenbruch der k.u.k. Doppelmonarchie zumeist in Wien und Murnau. Glaube Liebe Hoffnung war sein neuntes Drama, welches er gemeinsam mit dem Gerichtsreporter Lukas Kristl 1932 schrieb. Kristl beklagte sich seinerzeit bei  Horvath, daß Dramatiker immer nur über große Kapitalverbrechen schreiben, niemals über  kleine Verbrechen, denen man landauf-landab begegnet, oft  durch  Unwissenheit ausgelöst, doch mit  dramatischen Folgen für das Leben vieler Menschen. Die Protagonisten in Glaube Liebe Hoffnung, Elisabeth, den Schupo, Frau Amtsgerichtsrat, den Oberinspektor: ihre Schicksale sind real, hat Kristl persönlich erlebt. Mit Ödön von Horváth schuf Kristl das Drama Glaube Liebe Hoffnung.

Horváth sucht in seinen sozialpolitischen Werken die „Demaskierung des Bewusstseins“: der von Totalitarismus und Kriegen zerrissenen menschlichen Einzelschicksale;  von verarmten Kleinbürgern, Frauen in patriarchalischer Unterdrückung und einer sozial entmündigten  Gesellschaft.  Aggressive, gefühlskalte  aber reale Minderwertigkeitsgefühle von Mittel- und Unterschicht, in engstem Miteinander gelebte Gefühlskälte wird mit eigener Sprache, „Ur-Wienerisch“, konterkariert er: Gewohnte, gelegentlich artifizielle Umgangssprache von Mittel- und Unterschicht paart Horváth mit eigener, leerer Dialogsprache und schafft grausam schräg wie abstrus wirkende Synthesen. In Horváths  Welt, in einer gedanken- wie rücksichtslosen Gesellschaft überleben Banditen, Scharlatane und  Adabeis  gut; Schwache dagegen werden zerrieben.

Ödön von Horvath, von den Nationalsozialisten verfolgt,  von einem fallenden Ast 1938 in Paris erschlagen, zeigt in Glaube  Liebe Hoffnung, dass Tiefgründiges, Lächerliches wie Brutales oft nur einen kleinen Spalt breit getrennt leben: höchst aktuell in unserer heutigen, von wie vielen Gesellschaftsschichten über  iPad, Facebook, Twitter und Co. so intensiv wie rücksichtslos getriebenen Kommunikationswelle. Der Untertitel des Stückes  „Ein Totentanz in fünf Bilder“ konterkariert erste, im Titel Glaube Liebe Hoffnung aufkeimende  Lebensfreude.

Glaube Liebe Hoffnung – Ödön von Horváth
Youtube Trailer  des Burgtheater Wien
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Die Handlung: Glaube Liebe Hoffnung zeichnet das Schicksal der jungen, hoffnungsfrohen Elisabeth, welche unbedingt für ihr Dasein arbeiten möchte; in ihrem gelernten Gewerbe Mieder, Hüftgürtel. Doch sie benötigt dafür einen kostenpflichtigen Wandergewerbeschein;  das für den Kauf erforderliche Geld versucht sie, durch den Verkauf ihres Leichnams schon zu Lebzeiten beim Anatomischen Institut zu erlangen; dies misslingt, doch der  Präparator des Instituts verliebt sich, leiht Elisabeth das notwendige Geld. Als er erfährt, dass Elisabeth „sein“ Geld nicht zur Bezahlung des Wandergewerbescheines verwendete sondern zur Bezahlung einer Vorstrafe, um dann der Wandergewerbeschein zu kaufen verlässt er Elisabeth ..

Regisseur Michael Thalheimer, am Berliner Ensemble derzeit beruflich zu Hause, inszeniert Glaube Liebe Hoffnung am Burgtheater. Mit zahlreichen, erfolgreichen  Inszenierungen, ua.  Elektra, Die Perser, ist Thalheimer in Wien wie am Burgtheater bestens etabliert.  Die Bühne im Burgtheater prägt ein breiter, riesiger Trichter (Bühne Olaf Altmann), der über der  leeren, fahl beleuchteten  Bühnenmitte endet: ein greller, schmaler Lichtstrahl aus dem Trichter-Ende leuchtet grell auf die unter ihm agierende „Menschheit“, auf  ausgespuckte Unterschichten.  Elisabeth (Andrea Wenzl) erscheint  dort in gleissendem Lichtkegel in hellem Sommerkleid; sie ist menschliche Lichtgestalt.

Burgtheater Wien / Glaube Liebe Hoffnung - hier : Merlin Sandmeyer als Schupo, Andrea Wenzl (Elisabeth) © Reinhard Werner / Burgtheater

Burgtheater Wien / Glaube Liebe Hoffnung – hier : Merlin Sandmeyer als Schupo, Andrea Wenzl (Elisabeth) © Reinhard Werner / Burgtheater

Elisabeth zieht im Lichtkegel langsam ihre Lippen nach und erklärt der   unsichtbaren Umwelt wie dem Publikum  jung, naiv in Horvartschen Metaphern ihr Verhalten: „Im Oktober werden es acht Monate, dass ich abgebaut worden bin … Die letzte Brosche ist versetzt… Aber ich habe den Kopf nicht hängen lassen.“ Elisabeth bleibt stets lebensbejahendes Wesen; die raue herzlose Gleichgültigkeit ihrer Umgebung nimmt sie nicht wahr. Ein Schupo (Merlin Sandmeyer), erster Vertreter der unsozialen Wirklichkeit,  erscheint hinter ihr in verdrehter Motorik,  riecht an ihren Körper als wäre sie ein fremdes Wesen: Verdrehtes, Unsoziales ist die Realität des Schupos. Elisabeth in ihrer Menschlichkeit wird in der Realität des Schupo zum „Unmensch“, zum Außenseiter.

Der expressionistische Regieansatz Michael Thalheimers macht Ödön von Horváths Postulat, „möglichst rücksichtslos gegen Dummheit und Lüge zu sein“, mit der ersten Szene sichtbar: Elisabeth, von Andrea Wenzl  mit filigraner Dominanz vorgetragen, bleibt immer starke Frau, stets menschlich: „es kann doch auch weniger ungerecht zugehen“.. Bis zu ihrem Tod ist sie stets Mensch, der „den Kopf nicht hängen läßt“ und ist damit doch allzeit Außenseiter. Denn die Gesellschaft, in ihren banalen, rohen Verformungen, ist die herrschende Realität, welche Elisabeth letztlich tötet. Ödön von Horváth, ist bei aller Schrägheit der Sprache in seinen Werken immer kritisch; nichts hält er von “Juxspiegelbilder, parodiert nicht“.

Die reale Gesellschaft, die Umwelt von Elisabeth, jede Person wird  im Burgtheater in plakativer oft surrealer Optik überzeichnet: zunächst im Anatomischen Institut, wo Oberpräparator (Branko Samarovski), Präparator (Falk Rockstroh) und Vizepräparator (Marcus Kiepe) in blutverschmierten Fleischerschürzen grölend lachen, Tauben füttern oder sich in tiefstem Wienerisch anbrüllen: „Drinnen liegen die Finger und die Gurgeln nur so herum, daß es eine wahre Freud ist! Tuns die beiden Herzen und die halberte Milz gefälligst in die Schublad! Kreuzkruzifix, ist das aber eine Schlamperei!“. So plakatieren auch alle anderen Figuren ihre Gesellschaft, die Realität, das vermeintlich „Normale“: In detailreicher Optik und Sprache sind sie fühlbare Gegenspieler von Elisabeth: Irene Prantl (Christiane von Poelnitz), die bizarre Wäscheverkäuferin; der in Selbstmitleid vergehende Amtsgerichtsrat (Peter Mantic); Der Baron mit dem Trauerflor (Robert Reinagl); Eltz (Daniel Jesch), welcher Elisabeth eher nebenbei vergewaltigt.

Burgtheater Wien / Glaube Liebe Hoffnung - hier : Falk Rockstroh (Präparator), Branko Samarovski (Oberpräparator), Andrea Wenzl (Elisabeth) © Reinhard Werner / Burgtheater

Burgtheater Wien / Glaube Liebe Hoffnung – hier : Falk Rockstroh (Präparator), Branko Samarovski (Oberpräparator), Andrea Wenzl (Elisabeth) © Reinhard Werner / Burgtheater

Elisabeth stirbt, verhungert, von Menschen umgeben, inmitten der Gesellschaft; ihre letzten Worte: „aber ich lasse den Kopf nicht hängen“. Der Schupo wühlt eine Blume aus der Hosentasche und wirft sie beiläufig auf die Tote. Gefühlsloses, hohles Verhalten hatte sich zum letzten Mal gezeigt.

Die fünf Bilder des „Totentanzes“ werden ebenso plakativ wie Spannung aufbauend getrennt: in düsterer Beleuchtung marschiert in großer Zahl uniformiert und gleichförmig die Weltgemeinschaft über die Bühne, alles niederreißend, was sich in den Weg stellt; begleitet von der stampfenden Rockmusik Led Zeppelins, Deep Purple, Janis Joplins.

Das ergreifende Geschehen auf der Bühne weicht zum Ende großem Zuspruch: Regisseur Michael Thalheimer, Bühne Olaf Altmann, Kostüme Katrin Lea Tag wie die die Darsteller auf der Bühne werden gefeiert: Andrea Wenzl polarisierte, gestaltete Menschlichkeit in filigraner Feinheit, während Schupo, Präparator, Prantl und das Ensemble in schwarzer Parodie in brillanter Personenführung Ecken und Kanten der realen wie tumben Gesellschaft spiegeln.

Das Burgtheater besitzt mit dieser Inszenierung von Glaube Liebe Hoffnung eine zeitgemäße wie anspruchsvolle Produktion. 1.340 Besucher im ausverkauften Burgtheater zollten ausdauernd großen Beifall, der bei Andrea Wenzl als Elisabeth in Jubel überging.

Burgtheater Wien / Zum Premierenbeifall das Ensemble von Glaube Liebe Hoffnung © IOCO

Burgtheater Wien / Zum Premierenbeifall das Ensemble von Glaube Liebe Hoffnung © IOCO

Glaube Liebe Hoffnung von Ödön von Horváth am Burgtheater Wien; weitere Vorstellungen am 14.10.; 27.10.; 11.11.; 15.11. 25.11.; 30.11.2018; weitere Termine folgen

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