Duisburg, Deutsche Oper am Rhein, Götterdämmerung – Ring des Nibelungen, 17.11.2019

November 11, 2019 by  
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Deutsche Oper am Rhein

Theater Duisburg © IOCO

Theater Duisburg © IOCO

Götterdämmerung –  Szenische Premiere in Duisburg

 Premiere 17. November 2019

Innerhalb von sechs Tagen den ganzen Ring erleben: Am Dienstag, 12. November 2019, beginnt mit Das Rheingold die erste zyklische Aufführung von Richard Wagners  Ring des Nibelungen im Theater Duisburg.

Endlich ist es soweit: Vom 12. bis 17. November 2019 ist der gesamte Ring des Nibelungen von Richard Wagner  erstmals szenisch im Theater Duisburg zu erleben. Er schließt am Sonntag, 17. November 2019, mit der szenischen Premiere der Götterdämmerung, dem letzten Teil des vierteiligen Zyklus. In opulenten Bildern entfalten Regisseur Dietrich W. Hilsdorf und sein Team den Nieder­gang einer göttlichen Herrscherdynastie vor dem Hintergrund der politischen, industriellen und sozia­len Entwick­lungen des 19. Jahrhunderts.


Götterdämmerung – Hilsdorf – Inszenierung – hier in Düsseldorf
Youtube Trailer der Deutschen Oper am Rhein
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In musikalischer Hinsicht geriet der vierteilige Ring bereits in der vergangenen Spielzeit zu einem umjubelten Triumph für das Sänger­ensemble und die Duisburger Philharmoniker unter Generalmusik­direktor Axel Kober: Infolge des großen Wasserschadens im Theater Duisburg diente die benachbarte Mercatorhalle im Mai 2019 als Ausweichquartier für vier konzertante Aufführungen.

Auf der Bühne des Duisburger Theaters stellen jetzt erneut zahlreiche Ensemblemitglieder der Deutschen Oper am Rhein und hochkarätige Gäste ihre Wagner-Kompetenz unter Beweis. Die Partien gestalten u. a. James Rutherford (Wotan), Linda Watson (Brünnhilde), Raymond Very (Loge), Michael Weinius (Siegmund), Sarah Ferede (Sieglinde und Waltraute), Corby Welch (Siegfried), Florian Simson und Cornel Frey (Mime), Stefan Heidemann (Alberich), Sami Luttinen (Hunding und Hagen), Bogdan Baciu (Gunther) und Sylvia Hamvasi (Gutrune). Orchestral begleitet werden sie von den Duisburger Philharmonikern unter der Leitung von Axel Kober.

Der Ring des Nibelungen  im Theater Duisburg:
Dienstag, 12. November, 19.30 Uhr: Das Rheingold
Mittwoch, 13. November, 18.00 Uhr: Die Walküre
Freitag, 15. November, 18.00 Uhr: Siegfried
Sonntag, 17. November, 17.00 Uhr: Götterdämmerung (Szenische Premiere)

—| Pressemeldung Deutsche Oper am Rhein Düsseldorf |—

Paris, Philharmonie de Paris, Parsifal – Richard Wagner, IOCO Kritik, 01.10.2019

Philharmonie de Paris © Beaucardet / Philharmonie de Paris

Philharmonie de Paris © Beaucardet / Philharmonie de Paris

Philharmonie de Paris

PARSIFAL konzertant – Mariinski-Theater St. Petersburg

von Peter M. Peters

Noch vor dem Jahre 1845 geisterte der Parsifal – Mythus in Richard Wagners Kopf um langsam zu einem Bühnenwerk zu reifen. Wie immer entborgte sich der Komponist aus verschiedenen Quellen die nötigen Namen, Geschichten und Fakten, um sie umzuformen für seinen Operntext: Perceval ou le Conte du Graal (unvollendet) von dem französischen Minnesänger Chrétien de Troyes (1130-1191), diese wurde vom deutschen Minnesänger Wolfram von Eschenbach (1170-1220) vollendet und für sein Gedicht Parzifal verwendet, nicht zu vergessen das Werk des Robert de Borron (ende 12. bis Mitte des 13.Jahrhundert), desgleichen die Schriften Schopenhauers und auch buddhistische und hinduistische Texte.

„ZUM RAUM WIRD HIER DIE ZEIT“

Richard Wagner Bayreuth © IOCO

Richard Wagner Bayreuth © IOCO

Eine der bevorzugten Lektüre in der Entstehungszeit war Essai sur l’inégalité des races humaines von dem französischen Graf Arthur de Gobineau (1816-1882) mit dem er auch persönlichen Kontakt hatte. Besonders in seinen Schriften und Korrespondenzen zeigte Wagner einen ausgeprägten Antisemitismus; das zu Verschweigen wäre unverantwortlich und würde dem dennoch genialen Werke nicht zum Vorteil sein. Schon in seinen revolutionären Jahren in Dresden veröffentlichte Wagner unter einem Pseudonym die Schrift  Das Judenthum in der Musik (1850); um diesen Text noch einmal 1869 unter seinem Namen neu zu editieren, indem u.a. der unheilvolle Satz stand: „Aber bedenkt, dass nur eines eure Erlösung von dem auf Euch lastenden Fluch sein kann; die Erlösung Ahasvers – der Untergang“. Fast in allen Werken Wagners so auch in seinem Bühnenweihefestspiel befindet sich eine versteckte nationalistische und antisemitische Symbolik; falsch interpretiert wird es Propaganda des Unheils. Mit der humorvollen Sprache eines Woody Allen: Wenn ich Wagnermusik höre, will ich in Polen einmarschieren“. Man kann es nicht besser ausdrücken um diesem Werk gerecht zu werden. Er war unbewusst der Prophet des Unterganges, der Wegbereiter der Nürnberger Rassengesetze, der Botschafter der Shoah…

Der erste Parsifal-Dirigent Hermann Levi war jüdischen Glaubens; Wagner gefiel das  nicht und so drängte er Levi mehrmals seine Religion abzulegen. Jedoch Levi reagierte  nicht darauf! Viele große Wagner-Dirigenten jüdischen Glaubens folgten nach Levi:  Bruno Walter, Erich Leinsdorf, James Levine, Daniel Barenboim, Semyon Bychkov, Kirill Petrenko…

Übersicht der musikalischen Motive: Akt / Vorspiel: Die musikalischen Wurzeln sind konstruiert aus drei fundamentalen Motiven (Abendmahl, Gral, Glauben); die innerhalb des Werkes diverse Transformationen erhalten. Zusätzlich wird im Glaubens-Motiv das Dresdner Amen (Johann Gottlieb Naumann / 1741-1801) integriert um eine Art christliche Meditation zu entfalten. Das Vorspiel ist durchdrungen von einer seltsamen und fremdartigen Andachts-Atmosphäre: schmerzlich und ekstatisch.

Extrem langsame Tempi und große Pausenstille verbunden mit raffiniert vermischten Orchestertönen wirken hypnotisierend;. Musik der Transformation: Um die Metamorphose von Zeit und Raum quasi bildlich zu verdeutlichen, bedient sich Wagner einer großartigen und visionären Musik, die von einem unheilvollen dunklen Marsch begleitet wird. Dieser endet mit Glockenklängen, deren Resonanz den ganzen Raum überfüllen. Amfortas Monolog: Die Klage des versündigten und schwer leidenden Königs, der auf Erlösung wartet, ist in seiner konvulsiven Zerrissenheit eine außergewöhnliche Arie im Belkantostil und ist vielleicht eines der Höhepunkte des Werkes. Akt: „Ich sah das Kind“ ist die große Bravourszene der Kundry, indem ihr Gesang einmal männerverführend wirkt; jedoch ein anderes Mal ein streichelndes Wiegenlied imitiert, hat sie die schwache sensible Seite unseres Helden berührt.

Philharmonie de Paris / Konzerrtsaal © Beaucardet / Philharmonie de Paris

Philharmonie de Paris / Konzerrtsaal © Beaucardet / Philharmonie de Paris

Die totale Fusion zwischen weiblicher und mütterlicher Liebe ist entdeckt; Wagner war nie so nahe an der heutigen Psychoanalyse.“Amfortas! Die Wunde“. Das längste Solo von Parsifal ist in den Registern des heroischen Gesangs, sein herzzerreißender Schrei ist die Erkenntnis von Sünde und Schmerz. Akt / Vorspiel: Seltenes Beispiel einer Musik ohne Ausweg und ohne Ende; trotz diverser Versuche die Dissonanzen erreichen keine Harmonie, jedes Fortschreiten kommt zum abrupten Halt und fällt erbärmlich ins Ungewisse. Ein musikalisches Beispiel von großer Modernität und genialer Verzweiflung: die atonale Musik des Jahrhundert wird hörbar und angekündigt. Karfreitagszauber: Dieses berühmte Fragment wird oft in Konzerten gespielt und man kann mit dem Wort des Gurnemanz „So ward es uns verhießen“ beginnen und die Taufe Kundrys von Parsifal einleiten. Indem die Natur erwacht und dem Menschen Vergebung zuteil wird, steigt der Orchesterton in ungeahnte lichte und transparente Höhen und wird begleitet von dem Gesang einer Oboe. Wahrscheinlich die schönste und glücklichste Musik die Wagner je komponierte.

 Philharmonie de Paris: Parsifal – konzertant

Das Theater Mariinsky in St. Petersburg wurde unter der Herrschaft der Zarin, Katherina II erbaut. Der italienische Architekt Antonio Rinaldi konstruierte, (1775-1783) das Theater Bolschoi Kamenny (großes Theater aus Stein); das mit großem Pomp am 5.Oktober 1783 Giovanni Paisiellos (1740-1816) Oper Il mondo della luna eröffnet. Der Spielplan waren die großen Opern der Epoche: Gluck, Mozart, Weber, Rossini, Bellini, u.a. Das Gebäude erhielt im Laufe der Zeit mehrere Umbauten, Ergänzungen und Neubauten. Auch zwangsläufige Namensänderungen des Hauses aus politischen Gründen sind erfolgt. Ein großer wichtiger Schritt in der Geschichte des Theaters erfolgte ab 1980 mit den neuen Inszenierungen der Opern Eugen Onegin und Pique Dame von Yuri Temirkanov.

Ab 1988 wird Valery Gergiev permanenter Dirigent und ab 1996 musikalischer Direktor des Hauses. Am 16. Januar 1992 findet das Opernhaus wieder seinen historischen Namen, ein Konzertsaal wird eröffnet (2006) und im Jahre 2013 erblickt das Mariinsky II die Welt. Das Mariinsky begeistert seit einigen Jahren die Pariser Musikfreunde, indem es jedes Jahr in der Philharmonie Opern in Konzertversion darbietet u.a. in den letzten zwei Jahren den kompletten Ring. Das Mariinsky Orchester ist die älteste musikalische Institution in Russland und wurde von den größten Musikern geleitet, u.a. Berlioz, Mahler, Wagner, Bülow, Tschaikowsky, Rachmaninov und Nikisch. In der turbulenten schwierigen Zeit des Bolschewismus konnte das Orchester sein hohes Niveau halten; dank einiger bemerkenswerten Dirigenten: Vladimir Dranischnikov, Ariy Pazovsky, Evgeny Mravinsky, Konstantin Simeonov und Yuri Temirkanov. Mit der Ernennung von Valery Gergiev hat sich das Orchester geöffnet; somit wird das Repertoire reicher und viele neue Werke werden gespielt: Beethoven, Mahler, Prokofiev, Schostakowitsch, Tichtchenko, Stravinski, Messiaen, Dutilleux, Henze, Chtchdrine, Gubaidulina, Kontcheli und Karetnikov.

Mit der heutigen Konzertversion des Parsifal hat das Orchester und sein Direktor sich übertroffen und man kann sagen; ein Wunder, eine Verzauberung ist entstanden. Das Publikum in der großen Philharmonie war praktisch versteinert und es war „mausestill“! Schon die ersten Töne versprachen alles: die einzelnen Leitmotive wurden mit einer intensiven Ballung interpretiert; doch gleichzeitig untereinander verschichtet, verschlungen und gleich einer Schicksalsschlange windeten sie sich über den Orchesterraum, jedoch ohne Einheit und Balance zu verlieren. Diese Intensität hielt sich bis zum Ende der Oper. Eine solche geniale Wagnerinterpretation kann seinesgleichen suchen und das Gleiche gilt für den Chor des Mariinsky und die Solisten des Theaters.

Richard Wagner_ Garibaldiplatz Venedig © IOCO

Richard Wagner_ Garibaldiplatz Venedig © IOCO

Wie wir wissen, in den letzten Jahren haben die russischen Sänger Veränderungen durchlebt indem sich ihre Interpretationen dem internationale Niveau anglichen; in Gesangsstil, Diktion, Aussprache. Der Interpret des Gurnemanz, der Bass Yuri Vorobiev, war mit seiner runden und vollen samtweichen Stimme die ideale Rollenbesetzung. Als weiser Hüter der Rittergemeinschaft ist er in seiner Güte der noch lebendige und nie ermüdende Erzähler der Vergangenheit. Ausdauer und viel Kraft ist erforderlich um diese Rolle zwischen Sprech- und Schöngesang über zwei enorm lange Akte (Akt 1 & 3) durch zuhalten. Eigenartiger Weise hat Wagner für Gurnemanz kein Leitmotiv vorgesehen, obwohl es die wichtigste Person in der Handlung ist. Am wenigsten hat die Titelrolle des Parsifal (Mikhaïl Vekua) zu singen; dennoch ist es eine schwierige Partie, indem der Tenor einige technische, vokale und schauspielerische Hürden überwinden muss. Es sollte eine Stimme sein die in den hohen Lagen zwischen Lohengrin und in den Tiefen an Siegmund erinnert, also ein baritonaler Tenor mit imposanten Höhen. Außerdem sollte er glaubwürdig die Verwandlung des naiven Tölpels zum neuen König der Gralsritter zeigen, und das vom stimmlichen und schauspielerischen. Der Tenor dieses Abends hatte alle diese Schwierigkeiten meisterhaft überwunden. Er hat hier in der Philharmonie de Paris  in den letzten zwei Jahren sein großes Talent überzeugend vorgeführt, indem er im Ring des Nibelungen alle großen Tenorrollen sang: Loge, Siegmund, Siegfried. Als Ensemblemitglied des Mariinsky hat er an diesem Haus schon praktisch alle großen Partien gesungen, außerdem gastierte er mit großem Erfolg schon an internationalen Häusern u.a. Liceu/Barcelona und Metropolitan Opera New York. Es scheint an der Zeit ist, sein Bayreuthdebüt zu geben

Die Kundry der Mezzosopranisten Yulia Matochkina war eines der Höhepunkte dieses so ereignisreichen Abend. Diese äußerst komplexe und doppelseitige Rolle schien wie nach Maß für die Sängerin geschaffen, indem sie die ganze Bandbreite der Person zeigte: Wildheit, Sensualität, Heiligkeit, Sünden und das mit einer teilweise rauen fast hässlichen Stimme, um dann in rasante Höhen zu steigen und mit einem hohen H zu dem Wort „lachen“ die ganze Bitterkeit und die Schmerzen ihres Daseins stöhnend ausstößt. Die Reinkarnation von auf ewig verdammten Frauen mit unverzeihlicher Vergangenheit, eine ewige Maria Magdalena, eine sündige Jüdin, die irrelos durch das Weltall wandern muss. Alexeï Markov als Amfortas war mit seinem wohlklingenden Heldenbariton äußerst ideal besetzt. Der in schwere Sünde gefallende König sollte eine schöne Belkantostimme haben; die aber zum Ende hässliche Töne hervor bringt, indem sie fast schreiend morbide und lebensverneinende Stimmung hervorhebt.

Schlimme Ahnungen verfolgen den Sünder und sein Dasein lässt ihn zweifeln an der Gralsritterschaft seit er mit Kundry gebuhlt hat. Er weiß auch dass er wie seine Buhlerin in ewige Verdammnis unendlich durch das Weltall irren muss, wenn ihm nicht Vergebung erteilt wird, das aber hieße die Öffnung des Schreins und die Sichtbarkeit des Grals. Unser Bariton kann schon eine internationale Karriere vorweisen (Covent Garden London, Opernhaus Zürich, Metropolitan Opera New York, u.a.). Evgeny Nikitin (Klingsor) hat die passende Baritonstimme für diese Rolle, indem er keift und bellt und mit heiserer Stimme Gift und Galle spuckt, um seine Zauberformeln in die Welt zu schleudern. Dieser bösartige Nekromant war in der Vergangenheit ein Gralsritter, der aber der Rittergemeinschaft den Krieg erklärte und sie verließ, indem er sich selbstkastrierte und dadurch seine sexuellen Empfindungen tötete, wurde er ein erbitterter Feind dieser Gemeinde. Eine Rolle wie geschaffen für den Sänger, der fast abonniert ist auf Bösewichter und sie auf allen Weltbühnen singt.

Die kurze Rolle des alten sterbenden König Titurel sang Gleb Peryazev mit tiefschwarzem Bass. Die Blumenmädchen wurden wunderschön interpretiert von Anna Denisov, Oxana Shilova, Kira Loginova, Anastasia Kalagina, Angelina Akhmedova, und Ekaterina Sergeeva. Desgleichen zwei Gralsritter: Andreï Ilyushnikov und Yuri Vlasov und außerdem drei Knappen: Elena Gorlo, Oleg Losev und Andrei Zorin. Eine Stimme von oben: Marina Shuklina. Wie schon oben genannt, die gesamten Solisten bis in die kleinsten Rollen waren außergewöhnlich gut besetzt. Wir würden sagen ohne zu übertreiben, es war ein großer Moment in der Philharmonie de Paris, es war Weltklasse und kein großes internationales Opernhaus müsste sich schämen… nicht einmal der heilige Tempel in Bayreuth! Nein, ganz im Gegenteil, es war mehr als Bayreuth reif!

—| IOCO Kritik Philharmonie de Paris |—

Minden, Stadttheater Minden, Siegfried – Der Ring des Nibelungen, IOCO Kritik, 24.09.2019

September 24, 2019 by  
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Stadttheater Minden

Stadttheater Minden © Stadttheater Minden

Stadttheater Minden © Stadttheater Minden

Siegfried  –  Der Ringzyklus am Stadttheater Minden

  – Siegfried heißt der Held im Stadttheater von Minden –

von Sebastian Siercke

Richard Wagner © IOCO

Richard Wagner © IOCO

Es ist 41 Jahre her, daß ich Richard Wagners  Der Ring des Nibelungen zum ersten Mal sah. Der Theaterfundus der Hamburgischen Staatsoper war gerade abgebrannt und man musste sich die Dekorationen von anderen Opernhäusern ausleihen. Dieser Ring kam von der Oper Köln und war eine etwas betagte Wieland-Wagner-Produktion. Seither habe ich viele Ringe gesehen und eine Unzahl aus Einzelwerken daraus. Legendäre Inszenierungen, längst vergessene Belanglosigkeiten und Ärgerliches. Musikalische Höhepunkte, die zu andächtigem Niederknieen verleiteten und welche, über die schnell der gnädige Mantel des Vergessens gelegt wurde.

Und dann kam der Ring des Nibelungen am Stadttheater Minden!

Kurzentschlossen gelang es uns 2018 die letzte Götterdämmerung zu besuchen und danach stand fest: Der komplette Ring des Nibelungen am Stadttheater Minden wird 2019 für uns zu einer Pflichtveranstaltung! Das Erlebte in Minden mit Superlativen zu überhäufen wird dem Ganzen nicht wirklich gerecht. Die Sänger sind durch die Bank erstklassig, das Orchester großartig, der Dirigent Weltklasse.

Stadttheater Minden / Siegfried © Friedrich Luchterhandt

Stadttheater Minden / Siegfried © Friedrich Luchterhandt

Das Herausragende am Ring des Nibelungen am Stadttheater Minden ist aber das Gesamtpaket dieser Aufführungen. Jeder in der Stadt scheint zu wissen, daß sich im Stadttheater außerordentliches tut und spricht die angereisten Gäste darauf an. Um das Theater herum hat man beinahe das bekannte, wohlige Bayreuth-Gefühl. Das Publikum steht in Hochstimmung vor dem Haus und wartet auf die Fanfaren, die hier wie dort das Pausenklingeln ersetzen und in Haus rufen. Letztlich fehlt nur der Bratwurststand um es zu komplettieren.

Das mit 525 Plätzen übersichtliche, beinahe intime Theater hat einen zu kleinen Orchestergraben für ein großes Wagnerorchester, also wird dieser überbaut zur Vergrößerung der Bühne, das Orchester sitzt nun hinter einen Gazevorhang im Hinterraum der Bühne. Dadurch hat man selbst aus der vorletzten Reihe im Parkett das Gefühl direkt ins Spiel auf der Bühne einbezogen zu werden. Und das, was dort gespielt wird ist wirklich außerordentlich! Der Regie von Gerd  Heinz merkt man an, daß er vom Schauspiel kommt. Eine so ausgefeilte Personenführung, perfekt an Musik und Text angelehnt, habe ich selten erlebt. Die Darsteller danken es mit hinreißender Spielfreude, bei der Gestik und Mimik in nie gesehener Perfektion gezeigt werden. Den Auftritt des gurrenden, flatternden Waldvogels wird jedem im Gedächtnis bleiben müssen.

Mit der Titelpartie des Siegfried hatte Thomas Mohr mittlerweile die dritte Rolle in dieser Ring-Serie; nach Loge im Rheingold und Siegmund in der Walküre. Von  lyrisch gesungen Passagen im ersten Akt über wuchtige Schmiedelieder bis zu dem strahlend inbrünstigen Werben um Brünnhilde im letzten Akt, gelang es ihm alles komplett mühelos erscheinen zu lassen, von der Anstrengung, die diese Mordspartie erfordert, war buchstäblich nichts zu hören oder zu sehen. Seine Brünnhilde war, wie schon in der Walküre, Dara Hobbs. Vom ersten „Heil Dir, Sonne!“ an hatte sie das Publikum mit ihrem strahlenden Sopran fest im Griff.  Herrlich, wie sich im folgenden Duett die ehemals göttliche Jungfrau und der eben erst erwachsene Jüngling sich gegenseitig wahrnehmen und neckend umwerben, bis sich zum Finale in die Arme werfen.

Stadttheater Minden / Siegfried - Dara Hobbs als Brünnhilde und Thomas Mohr als Siegfried © Friedrich Luchterhandt

Stadttheater Minden / Siegfried – Dara Hobbs als Brünnhilde und Thomas Mohr als Siegfried © Friedrich Luchterhandt

Mime war der amerikanische Tenor Jeff Martin, wunderbar den verschlagenen, falschen Charakter der Partie darstellend. Renatus Meszar als Wanderer, im ersten Akt noch souverän als wanderender Wotan, der verzweifelt versucht Mime dazu zu bringen endlich die richtigen Fragen, die, die ihm beantworten würden, wie das das Schwert zu schmieden sei, zu einem resignierten Gott im zweiten und dritten Akt, zeigte stimmlich wie darstellerisch hervorragend die Wandlung zu jemandem, der dann nur noch schweigend, stumm und ernst in Walhall sitzen wird um das eigene Ende zu erwarten. Welch ein Einfall der Regie, daß nicht Siegfried am Amboss das Schwert schmiedet, sondern Wotan als Schattenbild im Hintergrund mit dem Aufstoßen seines Speers Nothung neu formt, in der vergebenen Hoffnung Siegfried könnte mit des Schwertes Hilfe doch noch alles zum Guten wenden. Erda trug mit ihrem Auftritt ihren Teil zu Wotans Wandlung bei. Nicht mehr als allwissendes Weib wie im Rheingold, sondern als alte verwirrte Frau saß sie auf der Bühne, verschlafend, was sie wissen müsste und letztlich von Wotan  zu ewigem Schlaf zurückgesandt.

Janina Baechle verkörperte diese Erda brillant. Heiko Trinsinger als Alberich mit höchst ausdrucksvoller Stimme, kommt als Jäger auf die Bühne und hat erstmal seinen kleinen Sohn Hagen dabei. Er erzieht ihn zum kalten Neid, zeigt ihm schon früh wo die Feinde sind, die er, erst erwachsen, für seinen Vater zu  schlagen hat. Der erste der fällt, wenn auch durch Siegfried ist Fafner, der Wurm. War es im Rheingold noch ein chinesischer Karnevalswurm, ringelte sich jetzt ein von Komparsen gespielter glitzernder Riesenwurm auf der Bühne. Erst als er von Siegfried tödlich getroffen wird verwandelt er sich zurück in Fafner, den Riesen, der seinen Bruder für den Ring erschlagen hat. Johannes Stermann lieh erst dem gelangweilten Wurm, Ich lieg und besitz: lasst mich schlafen, zum sterbend weisen Riesen seinen schönen Bass. Was war bei Julia Bauers Waldvogel eigentlich wichtiger? Die klangschöne Stimme oder das sagenhafte Spiel? Da spielte niemand einen Vogel: ein Vogel saß auf der Balkonbrüstung!

Bleibt noch das Orchester, wie immer in Minden die Nordwestdeutsche Philharmonie aus Herford, das makellos und klangschön wohl die meisten Opernorchester mit dieser Leistung souverän an die Wand spielt. Liegt es auch am Dirigenten? Bestimmt. Frank Beermann entlockt dem Orchester Klänge, wie man sie kaum noch sonst zu hören bekommt. Das gesamte Spektrum der romantischen Emotionen und überbordenden Dramatik wird hervorgeholt, daß es einem heiß und kalt wird. Genau so möchte ich Siegfried hören! Ganz ganz wunderbar!

Stadttheater Minden / Siegfried - Der Ring des Nibelungen - hier : das Ensemble beim Schlussapplaus © Patrik Klein

Stadttheater Minden / Siegfried – Der Ring des Nibelungen – hier : das Ensemble beim Schlussapplaus © Patrik Klein

Ein Wermutstropfen: 2020 ist in Minden Wagner-Pause. Ob und mit was man in Minden in den folgenden Jahren weiter macht steht noch nicht fest. Ich hoffe, daß weiteres kommt; die Opernwelt wäre deutlich ärmer ohne Richard Wagner in Minden!

Widmen möchte ich diese Zeilen meinem besten Freund, den ich 1978, bei meinem ersten Ring in Hamburg kennenlernte und mit dem ich in den folgenden Jahren hunderte von Opernvorstellungen landauf-landab gesehen habe. Er starb am Morgen dieses Mindener Siegfrieds.  Er hätte diese Aufführung geliebt!

—| IOCO Kritik Stadttheater Minden |—

Ludwigsburg, Forum am Schlosspark, Walküre – Foster, Vogt, Kessler, Argiris, IOCO Kritik, 07.03.2019

Forum am Schlosspark in Ludwigsburg © Daniel Stauch

Forum am Schlosspark in Ludwigsburg © Daniel Stauch

Forum am Schlosspark Ludwigsburg

Walküre konzertant – Mit Weltklasse Besetzung

– Catherine Foster, Klaus Florian Vogt, Aris Argiris, Astrid Kessler –

von Peter Schlang

Die Stadt Ludwigsburg und das dort beheimatete Forum am Schlosspark, zugleich und eigentlich das Festspielhaus der weit bekannten Ludwigsburger Festspiele, begannen im vergangenen Jahr einen Zyklus, der wichtige Opern in konzertanter Form in hochkarätiger Besetzung präsentiert. Diese Aufführungsart hat in Ludwigsburg eine lange Tradition, die auch und vor allem bei den im Frühsommer stattfindenden Ludwigsburger Festspielen gepflegt wird.

Wagner‘sche Wohlklänge wecken Wonnegefühle – Im Forum am Schlosspark in Ludwigsburg

Nach Beethovens Fidelio zum Auftakt wurde diese Reihe am 1. März 2019 mit Richard Wagners Walküre fortgesetzt, dem 2. Teil seiner Tetralogie Ring des Nibelungen. Zugpferde und Stars dieser Aufführung waren die auf allen großen „Wagner-Bühnen“ gefeierten und zur allerersten internationalen Garde der Wagner-Interpreten gehörenden Catherine Foster als Brünnhilde und Klaus Florian Vogt als Siegmund. Dazu kamen die zwar noch nicht ganz so im Rampenlicht stehenden, aber auf der Berühmtheits-Skala ständig nach oben kletternden Astrid Kessler als Sieglinde, Aris Argiris als Wotan, Monika Bohinec als Fricka und Magnus Piontek als Hunding.

Auch für das Oktett der Walküren waren mit Daniela Köhler, der kurzfristig für die erkrankte Regine Sturm eingesprungen Caroline Wenborne, Magdalena Hinterdobler, Sylvia Rena Ziegler, Franziska Krötenheerdt, Diana Selma Krauss, Nathalie Senf und Sophia Maeno in Ludwigsburg ausschließlich Sängerinnen zu erleben, die nicht nur den aufstrebenden Wagner-Interpretinnen zuzurechnen, sondern an führenden Häusern engagiert oder dort als Gäste zu erleben sind.

Fast die Hälfte der genannten Vokal-Solistinnen und -solisten sind Ensemble-Mitglieder oder „feste Gäste“ an den Theatern Chemnitz, die in einem bisher einmaligen Kraftakt im vergangenen Jahr den gesamten Ring-Zyklus in die Hände von vier Regisseurinnen legten und in viel beachteten Aufführungen auf die Chemnitzer Opernbühne brachten. Deren Orchester, die Robert-Schumann-Philharmonie Chemnitz, unter ihrem zur Spielzeit 2017/2018 ans Haus gekommenen Generalmusikdirektor Guillermo Garciá Calvo lieferten auch das musikalische Gerüst für diese Ludwigsburger Walküre, so dass es durchaus berechtigt erscheint zu schreiben, dass die Theater Chemnitz am 1. März in Ludwigsburg mit Richard Wagners Walküre ein konzertantes Gastspiel gaben.

Dieses war, dies sei gleich zu Eingang gebeichtet, vom Rezensenten mit recht gemischten Gefühlen erwartet worden, was nichts mit dem Ruf der Chemnitzer Oper, ihres Orchesters und der aufgebotenen Protagonisten zu tun hat, sondern ausschließlich darin begründet liegt, dass für den Betrachter nun einmal zu einer Opernaufführung alle entsprechenden Dimensionen gehören, ein Opernabend also im Prinzip nur als szenisches Live-Erlebnis auf einer Opernbühne vorstellbar ist und ungetrübten Genuss bieten kann.

Im Vorspiel zum ersten Akt der Walküre schienen sich diese Festlegungen, ja Befürchtungen, tatsächlich zu bestätigen, denn vom im Bühnenkasten platzierten Orchester drang zunächst ein eher matter, blasser, ja verschwommener Wagner-Klang an die Ohren des schreibenden Zuhörers, der keinerlei Bemühungen um Phrasierung und Dynamik erkennen konnte. Dies mochte zum einen an der speziellen Ludwigsburger Bühnensituation und an der dafür recht mächtigen Orchester-Besetzung gelegen haben, so dass wichtige Orchesterteile weit hinten an der Bühnenwand zu sitzen kamen. Auf jeden Fall klangen die ersten Takte wie hinter einem stark dämpfenden Vorhang oder aus einer schallgedämmten Kiste.

Vielleicht war dafür aber auch – zweitens – diese für den Verfasser eher ungewohnte, neue Aufführungsart einer großen Oper verantwortlich, an die sich – drittens – auch die Instrumentalisten und ihr mit größter Umsicht und Feinfühligkeit agierender Leiter, der eingangs erwähnte 40jährige spanische Dirigent Guillermo Garciá Calvo, erst gewöhnen mussten. Jedenfalls erwiesen sich weitergehende Befürchtungen im weiteren Verlauf des Abends als unbegründet, und diese Irritationen verschwanden spätestens mit dem Auftritt Sieglindes und Siegmunds. Allerdings blieb auch am Ende dieses fast fünfstimmigen Opernabends die Erkenntnis, dass Wagners Musik von der Konzertbühne herab völlig anders wirkt oder zumindest im Ohr ankommt, als wenn sie wie üblich aus dem Orchestergraben erklingt.

Forum am Schlosspark in Ludwigsburg © Daniel Stauch

Forum am Schlosspark in Ludwigsburg © Daniel Stauch

Dennoch bescherte diese „Ludwigsburger Walküre“ eine große Fülle an schönen und beglückenden Momenten sowie wunderbaren musikalischen wie darstellerischen Eindrücken. Dabei entspringt das letzte Adjektiv keinem Versehen oder der schmerzhaften Erinnerung des Autors an denkwürdige szenische Aufführungen, sondern soll ausdrücken, dass diese Ludwigsburger Version als mindestens „halb-szenische“ bezeichnet werden kann. Der Grund dafür waren nicht nur die passgenauen Auftritte der Solisten in eine Szene, die sie nach ihrem Ausscheiden aus derselben auch umgehend verließen. Erfordern Libretto und Handlung aber ein weiteres, passives Verweilen der Darsteller auf der Bühne, setzten sie sich zuhörend auf die für Konzertsänger üblicherweise vorgehaltenen Stühle. Dieses Zuhören geschah jedoch nicht passiv, sondern in der Form aktiv, dass die Sängerinnen und Sänger deutlich sichtbar und mindestens mimisch auf den Auftritt ihrer Kolleginnen und Kollegen reagierten.

Diese körperliche Präsenz und Reaktion wuchs sich den aktiven Phasen einer Szene fast zum Spiel aus, so dass die inneren Vorgänge der Rollen in zwar kontrollierten und begrenzten, aber deutlich sichtbaren Bewegungen und klarer Gestik und Mimik auch äußerlich wahrnehmbar wurden.  Sehr schöne sinnliche Szenen ergaben sich dadurch in der Interaktion von Siegmund und Sieglinde, drastisch-dramatische zwischen Göttervater Wotan und seiner bisherigen Lieblingstochter Brünnhilde. Diese Personendramaturgie ging allerdings weder ins Kitschige noch zu Lasten des Gesangs und seiner Prägnanz wie Präsenz. Vielmehr zeigte sich hier der große Vorteil einer solchen Dramaturgie bzw. Aufführungsform: Man konzentriert sich als Zuhörer voll und ohne Probleme auf die Musik, sei sie nun rein instrumental oder vokal mit entsprechend orchestraler Begleitung und Untermalung. Und bei den Vokalpartien überzeugte darüber hinaus die hohe Musikalität und Wortverständlich, vor allem wenn solche Sängerinnen und Sänger am Werke sind, wie es in Ludwigsburg der Fall war. So können Wagners Texte ihre ganz Urgewalt entfalten – und den Zuhörer hin und wieder auch an die Grenzen seines textlichen Fassungs- und Begriffsvermögens führen.

Größten Anteil an dieser denkwürdigen und beeindruckenden Walküre hatten, und das nicht nur wegen des beachtlichen Umfangs ihrer Rolle, die eingangs zuerst aufgeführten je zwei Sängerinnen und Sänger, und hier wiederum allen voran die Darstellerin der Brünnhilde, Catherine Foster, und der Sänger des Siegmund, Klaus Florian Vogt. Beide bewiesen in je makelloser Weise ihre internationale Extraklasse und betörten durch ihre dem Charakter ihrer Rolle wie angemessene, absolut schlüssige, ja aufregende Interpretation. Catherine Fosters Brünnhildes bestach durch ihre so menschlichen, in allen emotionalen Lagen berührenden Züge und eine Stimme, die in allen Stimm- und Gefühlslagen mitriss und begeisterte. Ja, wie fabelhaft diese Sängerin ihre vokalen Fähigkeiten einsetzt und auch in Extremlagen traumwandlerisch beherrscht, grenzt wirklich an ein Wunder und zeugt von größter Meisterschaft und intensivstem Rollen- wie Menschen-Studium. Diese Beschreibung gilt ohne jeden Abstrich auch für Klaus Florian Vogt, der mit seinem stets leicht und sauber geführten, so samtigen Tenor dem Duktus der Wagner‘schen Musik und dem seiner Rolle in betörender Weise entsprach. Er gestaltete die liedhaften Passagen mit genauso großer Intensität wie die dramatischen Ausbrüche. Das große Wunder war hier zusätzlich, dass dem Sänger dieser ja unglaublich schweren und kräftezehrenden Rolle auch gegen Schluss keinerlei Schwäche oder Ermüdung anzumerken war und er seine Stimme noch in den letzten Takten sicher, kraftvoll und dennoch samtweich führte: das stimmliche Heldentum stand dem dramatisch vorgegebenen in keiner Weise nach.

Gegen diese beiden Ausnahmesänger-Darsteller sollten es normalerweise die übrigen Protagonisten deutlich schwerer haben – nicht so aber an diesem ersten Märzabend in Ludwigsburg. So gab Astrid Kessler mit ihrem strahlend-glänzenden wie kraftvoll-energischen Sopran eine Sieglinde, der man ihre Liebe zum unbekannten Gast genauso abnahm wie ihr Erschrecken über die aus dieser Liebe und den verwandtschaftlichen Beziehungen resultierenden Folgen. Klang ihre Stimme anfangs in den Höhen noch etwas scharf, überzeugte sie alsbald in allen Lagen, und die gemeinsamen Auftritte mit ihrem „geliebten Bruder“ waren unvergleichliche Momente dieses gesanglich ja wirklich sensationellen Wagner-Abends.

Für dessen Erfolg garantierte auch der Wotan des griechischen Bassisten Aris Argiris, dessen Stimme eingangs leicht belegt wirkte, der dann aber einen absolut souveränen, allen musikalischen wie stimmlichen Anforderungen gewachsenen Göttervater gab. Sein tiefgründiger, wirklich „rabenschwarzer“, dennoch von großer Dynamik und Flexibilität geprägter Bass machte das „Göttergewaltige“ und „den Himmel Beherrschende“ genauso erfahrbar wie das Erdbezogene und von großem Verständnis zeugende, ja gütige Auftreten gegenüber seinen Zwillingskindern. An diesem hervorragenden Eindruck änderten auch leichte Trübungen gegen Ende des 3. Aktes kaum etwas und unterstellt, dass Aris Argiris noch an Erfahrung, Ökonomie und Durchhaltevermögen gewinnt, wird man diesen fabelhaften Sänger alsbald in Bayreuth und auf anderen berühmten Bühnen erleben können.

Allenfalls Monika Bohinec als Fricka und Magnus Piontek als Hunding vermochten in ihren Rollen nicht ganz bzw. durchgehend auf dem beschriebenen Niveau zu überzeugen, doch waren die hier vom Rezensenten gehörten farblichen und gestalterischen Schwächen eher punktuell und nicht so schwerwiegend, dass sie den positiven, ja begeisternden Eindruck dieses Abends getrübt hätten. Dies gilt auch für den Chor der acht Walküren, auch wenn man sich diesen insgesamt etwas harmonischer und ausgeglichener gewünscht hätte. So beschlich den Rezensenten das lebhafte Gefühl, dass die eine oder andere der Walküren vom Pferd gestürzt und im Kampfgetümmel etwas die Orientierung verloren hatte…..

Daran mochte auch das ansonsten tadellose Orchester ein wenig Anteil haben, indem es an zwar wenigen Stellen, aber da doch deutlich die Oberhand hatte und so den Sängerinnen und Sängern ein wenig die ansonsten starke  Unterstützung versagte. Allerdings muss man zur Ehrenrettung aller Beteiligten nochmals betonen, dass eine solche „konzertante Aufführung“ sowohl vom Orchester als auch vom singenden Personal Höchstleistungen abverlangt, was Hörvermögen, Konzentration und Koordination betrifft. Ja es bleibt dem naiven Betrachter recht schleierhaft, wie etwa der Dirigent und seine Musiker/innen vom Gesang der vor ihnen agierenden Solistinnen und Solisten so viel mitbekommen, dass sie entsprechend reagieren können. Diese Schwierigkeit mag auch erklären, dass man den Orchesterklang stellenweise als zu wenig „wagnerisch“ und eher italienisch-spanisch geprägt empfand. Dies führte aber auch wieder über weite Strecken zu der schon gerühmten großen Durchhörbarkeit und Transparenz, was sowohl dem Klang einzelner Orchestergruppen und Solo-Instrumente als auch der Hörbarkeit der Gesangssolisten und deren Wortverständlichkeit sehr zu Gute kam.

Wer sich von all dem selbst überzeugen möchte, hat dazu mindestens dreifache Gelegenheit: Die Ludwigsburger Aufführung wurde nämlich vom Deutschlandfunk und vom Südwestrundfunk mitgeschnitten und ist am Samstag, dem 25. Mai ab 19.05 Uhr auf Deutschlandfunk Kultur zu hören. Und die nächsten zyklischen Aufführungen des Ring des Nibelungen an den Theatern Chemnitz finden vom 18. bis 22. April (Ostern) und am 30. Mai, 1., 8. und 10. Juni 2019 (Pfingsten) statt

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