London, Royal Opera House, Lohengrin – Richard Wagner, IOCO Kritik, 11.07.2018

 Royal Opera House London und, links hinten die Paul Hamlyn Hall © Royal Opera House

Royal Opera House London und, links hinten die Paul Hamlyn Hall © Royal Opera House

Royal Opera House

Royal Opera House – Covent Garden

Mit Betreten des geschichtsträchtigen  Royal Opera House (ROH) im Zentrum Londons, im Stadtteil Covent Garden ergreift dessen klassisch-barocke Ambiente wie die locker entspannte „englische“ Atmosphäre seiner Besucher. 1732 als Theatre Royal eröffnet wurde das Gebäude 1808 und 1856 durch Brände zerstört und wiederaufgebaut. Der heutige, dritte  Bau des ROH wurde 1858 errichtet. Seit 1735 werden hier auch Opern und Oratorien von Georg Friedrich Händel – englisch George Frederick Handel – aufgeführt. Der prunkvolle Innenraum des ROH fasst 2.256 Plätze und beeindruckt durch hervorragende Akustik,  wunderbare Logen sowie einem spektakulären Amphitheater, welches im 3. Rang des Zuschauerraumes bis unter das Dach steil ansteigt.

Das klassische ROH wurde 1990 um ein modernen Glaspavillon, die Paul Hamlyn Hall, ergänzt; das architektonische Aufeinandertreffen von Historie und lebhafter Moderne wurden prägend für den besonderen Charme des Theatergebäudes. Die mit dem ROH verbundene hochmoderne Stahl-Glas-Konstruktion bietet Besuchern wunderbare Aufenthaltsräume und eine der schönsten Dachterrassen Londons: Ein Besuch wird dringend empfohlen!

Royal Opera House London/ Besucherraum - Auditorium © Rob Moore / ROH

Royal Opera House London/ Besucherraum – Auditorium © Rob Moore / ROH

LOHENGRIN  von  Richard Wagner

– In den Trümmern der Welt –

Von Uschi Reifenberg

Die Welt ist aus den Fugen:  Die Gesellschaft nach einem Krieg schwer traumatisiert, die Menschen sehnen sich nach Orientierung und Stabilität. Das ist die Ausgangslage in der Lohengrin – Neuinszenierung des US-amerikanischen Regisseurs David Alden. Der Bühnenbildner Paul Steinberg hat für diese trostlose Situation im 1. Akt zwei heruntergekommene, doppelstöckige, schräg abfallende Häuserreihen auf die Bühne des Königlichen Opernhauses gestellt, die ihre Position je nach Bedarf verändern und auch dem Chor als Aktionsraum dienen.

Richard Wagner konzipierte den Lohengrin um 1845, in einer Zeit des tiefgreifenden politischen Auf- und Umbruchs. Sein Denken war zum damaligen Zeitpunkt auf einen radikalen Strukturwandel der Gesellschaft ausgerichtet und gipfelte in seiner aktiven Teilnahme als Barrikadenkämpfer bei den Dresdner Maiaufständen 1849. In der romantischen Oper Lohengrin kommt Wagners Utopie einer durch Revolution und Kunst erneuerten demokratischen Welt zum Ausdruck, die auf Erlösung hofft…

Royal Opera House London / Lohengrin - hier: Klaus Florian Vogt als Lohengrin © Clive Barda

Royal Opera House London / Lohengrin – hier: Klaus Florian Vogt als Lohengrin © Clive Barda

Der Heerrufer des Königs ist ein Kriegsversehrter mit Beinschiene und Kopfverletzung, König Heinrich ein zutiefst verunsicherter Herrscher, der sich an seinen Königsmantel klammert und mit Elsa zusammen zu ihrem vermeintlichen Retter betet. Elsa, gedemütigt und entrechtet, wird in einem Gefängnis unter der Erde gefangen gehalten, mühsam kriecht sie aus ihrem Verließ und singt ihren Traum unter strenger Bewachung von bewaffneten Militärs, die ihr die Augen verbinden und ein Erschießungskommando vorbereiten.

Elsas traumwandlerische Sicherheit im Glauben an ihre Errettung evoziert Lohengrins Ankunft, indem schwarze Flügelschläge von Schwänen auf die Hauswände projiziert werden (Video: Tal Rosner). Diese gleiten auseinander und geben den Blick frei auf Lohengrin, der in gleißend weissem Licht (Licht: Adam Silverman), rückwärts gewandt, den Schwan verabschiedet. Lohengrin erscheint barfuß, engelsgleich, in einem strahlend weißen Anzug (Kostüme: Gideon Davey), verletzlich, ein Schützer, der selbst Schutz sucht, wenn er seinen Kopf in Elsas Schoss birgt.

Lohengrins Anspruch an Elsa, Liebe und Verständnis durch “höchstes Vertrauen“ zu finden, fraglose Akzeptanz seiner „Eigenart“ zu gewinnen sowie Aufnahme in eine Gesellschaft zu finden, in die er als Retter gesandt wurde, manifestiert auch gleichzeitig die Lohengrin Tragödie. Das Frageverbot, der folgende Dialog zwischen Elsa und Lohengrin, ist bei David Alden eine ganz persönliche Angelegenheit zwischen den Liebenden. Sie sind plötzlich allein mit sich, das restliche Ensemble ist für diesen Moment nicht mehr auf der Bühne. Telramund wird nach seiner Niederlage im Kampf mit Lohengrin an einen Stuhl gefesselt, fortan ist er stigmatisiert durch ein rotes Farbmal auf seiner Stirn. Ein Geächteter, der sich nach und nach immer mehr seiner eigenen schrecklichen Schuld bewusst wird.

Im 2. Akt ist nun die Innenseite der Häuserreihe zu sehen, die durch Balken abgestützt wird.  Ortrud sitzt an einem Schreibtisch und ordnet Aktenunterlagen, eine eiskalte Politikerin, der zur Erreichung ihrer Ziele jedes Mittel recht ist. Telramund, den heftigste Verzweiflung und Gewissensbisse quälen, ist am Ende. Ein labiler Charakter, der von seiner machtgierigen Frau Ortrud hemmungslos manipuliert wird. Hier wird eine Beziehungstragödie von Shakespeareschem Ausmaß gezeigt, wenn Lady Macbeth- Ortrud Telramund verführt und dieser- nicht nur sexuell von ihr abhängig-, sich nur allzu bereitwillig zum Werkzeug ihrer kriminellen Absichten instrumentalisieren lässt. „Der Rache Werk“ singt das Paar in eng umschlungener Umarmung.

Royal Opera House London / Lohengrin - hier : Jennifer Davis als Elsa © Clive Barda

Royal Opera House London / Lohengrin – hier : Jennifer Davis als Elsa © Clive Barda

Bei Elsas Zug zum Münster gleitet die schiefe Häuserreihe auseinander und es erscheint eine riesige, leuchtend weiße „Reichs-Schwan“ Statue (!), die auf dem Sockel des Leipziger Völkerschlachtdenkmals thront. Elsas Brautkleid senkt sich vom Schnürboden herab und sie ähnelt nun in ihrer weißen Pracht deutlich dem Schwan.

Ein Verweis auf die Schwan Symbolik von Reinheit, Unschuld und Licht, und ebenso ein Hinweis des Regisseurs, wie unreflektiert notleidende Gesellschaften fremde Kultursymbole und -techniken zu übernehmen bereit sind und wie schnell sogenannte Heilsbringer etabliert werden. Das arg strapazierte Nazi-Klischee lässt grüßen.  Elsa wird- gegenüber der Schwan-Statue auf einen kleineren blumenbekränzten Sockel gehoben, der später Telramund und Lohengrin vor den Volksmassen als Rednerpult dient.

Während des Vorspiels zum 3. Akt verirren sich das Brautpaar Elsa und Lohengrin in die vorderen Parkettreihen des Zuschauerraumes und beeilen sich – in freudiger Erwartung der Hochzeitsnacht- wieder auf die Bühne zu kommen. Denn dort wartet ein großes Bett- ebenfalls in klinischem weiß vor ebensolcher Wand. Darüber hängt ein überdimensionales Bild von August von Heckels „Die Ankunft Lohengrins“ aus dem Wohnzimmer von Neuschwanstein.

Man wünschte sich, Elsa und Lohengrin wüssten dies als Fingerzeig zu nutzen, aber vielleicht gerade deshalb steuern sie sehenden Auges in ihr Schicksal. Die sensible und differenziere Personenführung von David Alden ließ in der Brautgemachszene den Dialog zwischen dem Liebespaar zu einem Höhepunkt werden. Telramund bricht bei seinem Anschlag auf Lohengrin durch die geschlossene Wand; ein wunderbares Detail ist, wenn Lohengrin dem toten Telramund die Augen schließt und er plötzlich erkennt, dass nun auch an seinen Händen Blut klebt.

Das letzte Bild des 3. Aktes wird von zahlreichen Flaggen mit  rot-weiß-schwarzen Schwänen eingerahmt, die Militärmaschine kommt in Gang, Soldaten mit Stahlhelmen und mittelalterlichen Speeren versammeln sich in „ Kampfeslust“. Lohengrin geht wie er kam: weiß, barfüßig, einsam. Das Prinzip Hoffnung ist gescheitert, so wie Land, Leute und Liebe. Er beginnt die Gralserzählung zusammengekauert am Boden, in sich gekehrt und vernichtet in der Erkenntnis seines Scheiterns an den unlösbaren Aufgaben. Ein starkes Bild!

Bei Ortruds Triumphgeheul fallen plötzlich alle Flaggen in sich zusammen, aus diesen schält sich der vermisste Gottfried heraus. Er reckt das übergroße Schwert, das er kaum tragen kann in Siegerpose in die Höhe und man ahnt, dass aus diesen Trümmern wohl keine bessere Zukunft erwachsen kann.

Royal Opera House London / Lohengrin - hier : Georg Zeppenfeld als König Heinrich © Clive Barda

Royal Opera House London / Lohengrin – hier : Georg Zeppenfeld als König Heinrich © Clive Barda

Andris Nelsons hinreißendes Dirigat führt Orchester, Chor und Solisten zu Höchstleistungen. Die ätherische A-Dur Sphäre des Vorspiels lässt er in blau- silberner Schönheit leuchten, in fein  abgestuften Schattierungen von zarten piani bis zum überschwänglichen Höhepunkt des Gralsthemas. Mit klar strukturierten Klangschichtungen, idealen Spannungsbögen und austarierter Agogik zelebriert Nelsons das Vorspiel als Tondichtung im Sinne Wagners:  „..in unendlich zarten Linien zeichnet sich mit allmählich wachsender Bestimmtheit die wunderspendende Engelschar ab, die, in ihrer Mitte das heilige Gefäß geleitend, aus lichten Höhen unmerklich sich herabsenkt...“ ( Richard Wagner: Vorspiel zu Lohengrin, 1853)

Mit packendem Zugriff geriet das Vorspiel zum 3. Akt, schwungvoll-ausladend, mit präzisen Posauneneinsätzen und perfekt balancieren Tutti Stellen. Klaus Florian Vogt ist ohne Zweifel die Personifizierung des Lohengrin schlechthin. Seine Stimme und seine Ausstrahlung vereinigen alle Parameter zur idealen Gestaltung des Gralsritters. Sein tragfähiger, klarer Tenor, eine perfekte Diktion, das hell-silberne Timbre sowie seine unforcierte und zu schönster Legatokultur fähigen Phrasierungskunst wie auch die Fähigkeit zu heldisch- dramatischen Ausbrüchen. In seiner Darstellung des Schwanenritters spannt er den Bogen vom unnahbaren Gottwesen bis zum einsamen, Liebe und Anerkennung suchenden Mannes, der an den unabänderlichen Verhältnissen scheitert.

Die junge Jennifer Davis bewährte sich als Einspringerin für Kristine Opolais in ihrer ersten großen Rolle als Elsa in bewundernswerter Weise. Sie besitzt einen sicher geführten, in allen Lagen ausgeglichenen, substanzreichen lyrischen Sopran, der sich im Laufe des Abends mühelos in dramatische Bereiche entwickelt und Zartheit in Dynamik und Darstellung glaubhaft vermittelte.

Die Figur des Telramund ist Thomas Johannes Mayer auf den Leib geschrieben. Der vielseitige Bariton aus Südhessen durchleuchtet die psychologischen Abgründe des Denunzianten bis an die Grenzen und sorgt für Gänsehaut. Mit kernigem, teils stählernem Bariton versucht er seinem Widersacher die Stirn zu bieten und offenbart einen im Kern tief verzweifelten Menschen.

Christine Goerke zeigte nicht nur in ihrer Rollengestaltung als Ortrud eine dämonische Frau mit vielen Gesichtern, auch stimmlich wies ihr Mezzo in den verschiedenen Lagen eine eher inhomogene Klangkultur auf. Ihre tragfähige Tiefe überzeugte mehr als die höheren Lagen, die beiden Spitzentöne im 2. Akt und am Schluss gerieten- trotz oder wegen der Fermaten- leider enttäuschend.

Kostas Smoriginas als Heerrufer liess einen vollen und ausdrucksstarken Bariton hören, allerdings mit einigen mulmigen Vokalen und stellenweiser Textunverständlichkeit. Georg Zeppenfeld, derzeit nicht nur als exemplarischer König Heinrich in der vordersten Liga- veredelte mit balsamischem Wohllaut seines Luxus-Basses die Königsfigur und beglückte mit exzellenter Klarheit und perfekter Rollenidentifikation.

Der Chor des ROH (Leitung: William Spaulding), war überwältigend in Klangentfaltung, Präzision und Textverständlichkeit. Das begeisterte Publikum im ausverkauften Royal Opera House spendete für alle Mitwirkenden nach jedem Akt lautstark Jubelrufe und Bravos. Die Musik und die Bilder blieben noch lange präsent auf dem Weg durch die sommerlich-heißen Londoner Straßen.

—| IOCO Kritik Royal Opera House |—

Berlin Deutsche Oper Berlin, Peter Grimes – Bemerkenswerte Produktion mit erstklassigen Sängern, IOCO Kritik, 25.01.2013

Februar 4, 2013 by  
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Kritik

Deutsche Oper Berlin

Deutsche Oper Berlin © Bernd Uhlig

Deutsche Oper Berlin © Bernd Uhlig

100. Geburtstag von Benjamin Britten: Peter Grimes 

Bemerkenswerte Produktion mit erstklassigen Sängern.

Im Jahr von Benjamin Brittens 100. Geburtstag fand vor einigen Tagen in der Deutschen Oper in Berlin die gefeierte Premiere von „Peter Grimes“, eine preisgekrönte Produktion der „English National Opera“ in London von 2006, statt.

Inszeniert ist das in Deutschland selten aufgeführte Werk von dem amerikanischen, aus einer Künstlerfamilie stammenden Theater- und Filmregisseurs David Alden, bekannt für seine Aufsehen erregenden Operninszenierungen.

Die musikalische Leitung der auf Englisch gesungenen Oper hat Donald Runnicles, Generalmusikdirektor der Deutschen Oper, der sich auch als Botschafter der Musik von Britten versteht und sie auf deutschen Bühnen noch präsenter machen möchte.

Die Handlung wird in die Entstehungszeit des Werkes, also in die 40er Jahre, verlegt. Die Geschichte vom Außenseiter Peter Grimes, ein Fischer, der in den Verdacht gerät, sich an seinen Lehrlingen gewalttätig bzw. sexuell vergangen und sie sogar getötet zu haben, wird hier voller Intensität erzählt. In dem reduzierten und doch sehr wirkungsvollen Bühnenbild von Paul Steinberg (Licht von Adam Silverman), wird die bigotte und verlogene Gesellschaft des kleinen Fischerdorfes als skurrile Karikatur gezeichnet.

Eine, in stilisierender Choreografie (Maxime Braham) agierende Menschengruppe verdorbener, fanatischer und hysterischer, bestens typisierter Figuren (Kostüme von Brigitte Reiffenstuel), die brutal und skrupellos Peter Grimes in den Selbstmord treibt. So wie das Meer, das das Leben der Küstenbewohner bestimmt und bei Britten als Symbol für Gewalt steht, so gewalttätig ist auch die Dorfgemeinde selbst, die, um von den eigenen Sünden abzulenken bzw. sich rein zu waschen, sich über Peter Grimes hermacht und ihn verschlingt.

Grandios nuanciert und mit voller Klangfülle spielt das von Runnicles geführte Orchester – hin und wieder vielleicht etwas zu gewaltig. Wohlklingend und spielfreudig der Chor unter der Leitung von William Spaulding; fantastisch die Leistung der Sänger.

Der Brite Christopher Ventris ist ein bemerkenswerter Peter Grimes Interpret. Mit seinem durchschlagenden Heldentenor und großer Intensität stemmt er die schwierige Partie mühelos.

Michaela Kaune als Ellen Orford ist ihm eine ebenbürtige Partnerin. Ihr wohlklingender, lyrischen Sopran, die schönen Piani und die gute Phrasierung, tragen bedeutend zu ihrer, darstellerisch wie gesanglich, hervorragenden Leistung bei.

Ebenso überzeugend der Bariton Markus Brück als ehemaliger Kapitän, Dana Beth Miller als sensationslüsterne Mrs. Sedley, Rebecca de Pont Davies als herbe Auntie sowie die Hila Fahima und Kim-Lillian Strebel als ihre zwei Nichten.

Beeindruckend, nicht nur gesanglich, sondern auch in der Umsetzung, der im Stil von mechanischen Spielfiguren, minuziös ausgearbeiteten Choreografie (beide Stipendiatinnen des Förderkreises der Deutschen Oper Berlin e. V.). Des Weiteren bestens besetzt die Rollen Bob Boles (Thomas Blondelle), Swallow (Stephen Bronk), Pastor Adams (Clemens Bieber), Simon Pauly (Ned Keene) und Albert Pesendorfer (Hobson).

Besonderer Beachtung bedarf auch die darstellerische Präsenz von Thomas Schneider als verstörter Fischerjunge (stumme Rolle).

Am Ende, nach dreistündigem Musikgenuss, große Ovationen für diese enorme Gesamtleistung.

IOCO / G.G. / 25.01.2013

Kommende Termine Peter Grimes in der Deutschen Oper Berlin :

Di 5. Februar 2013 19:30 Uhr
Sa 9. Februar 2013 19:30 Uhr
Mi 13. Februar 2013 19:30 Uhr
Fr 15. Februar 2013 19:30 Uhr

—| IOCO Kritik Deutsche Oper Berlin |—

 

Berlin, Deutsche Oper Berlin, Premiere DIE LIEBE ZU DEN DREI ORANGEN, 09.12.2012

Dezember 6, 2012 by  
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Deutsche Oper Berlin

Sergej Prokofjew
Die Liebe zu den drei Orangen

Liebende außer Kontrolle

Revolutionär ist diese Oper, die bis heute Prokofjews beliebteste bleiben sollte, weil sie einen Bruch mit den realistischen Geschichten und großen Gefühlen darstellt, die die Oper der Zeit vor dem Ersten Weltkrieg beherrscht hatten. Es wimmelt auf der Bühne von so fantastischen Wesen wie Harlekinen, Feen und Kartenspielfiguren. Prinzessinnen können sich nicht nur im Inneren von Orangen verbergen, sondern auch unversehens in Ratten verwandelt werden. Dazu treibt Prokofjews Musik die Figuren unablässig an und lässt keinen Raum für ariose Selbstbespiegelung. Und wenn das Treiben auf der Bühne außer Kontrolle zu geraten droht, greifen die zu Beginn des Stücks in Erscheinung getretenen Publikumsfraktionen kurzerhand ein und spielen Schicksal.

Tatsächlich ist schon der Titel der DREI ORANGEN eine Absage an die Tradition, indem er das zentrale Thema der Oper, die Liebe, ins Absurde wendet. Denn wenn sich jemand in drei Apfelsinen verliebt, hat das mit der Realität nichts mehr zu tun – so etwas passiert nur dort, wo die Gesetze des Märchenhaften und der Poesie gelten. Und vor allem gelten die Gesetze des Spiels: Ein Spiel, dessen Figuren sich immer wieder den veränderten Realitäten anpassen lassen und das in den radikalen Wendungen seiner Handlung grausame, irrwitzige und umwerfend komische Züge gleichermaßen aufweist.

Premiere: 9. Dezember 2012
Weitere Vorstellungen:13., 17., 21., 25. Dezember 2012; 5., 13. April 2013

Mit Unterstützung des Förderkreises der Deutschen Oper Berlin
Präsentiert vom Kulturradio vom rbb

Musikalische Leitung Steven Sloane Inszenierung Robert Carsen Bühne Paul Steinberg Kostüme Buki Shiff Licht Robert Carsen, Peter Van Praet Videokunst Robert Pflanz Chöre William Spaulding Choreographie Philippe Giraudeau Dramaturgie Jörg Königsdorf

Mit: König Treff, Albert Pesendorfer; Der Prinz, Thomas Blondelle; Prinzessin, Clarisse Clémentine; Margaine Léandre, Markus Brück; Truffaldino, Burkhard Ulrich / Paul Kaufmann; Pantalon ,Bastiaan Everink; Tschelio, Paul Gay / Marko Mimica; Fata Morgana, Heidi Melton; Linetta, Rachel Hauge; Nicoletta, Kim-Lillian Strebel; Ninetta, Heidi Stober; Die Köchin, Tobias Kehrer; Farfarello, Ein Herold, Seth Carico; Smeraldine, Dana Beth Miller; Zeremonienmeister, Peter Maus; u. a. Chor, Orchester, Opernballett der Deutschen Oper Berlin

—| Pressemeldung Deutsche Oper Berlin |—

Berlin, Deutsche Oper Berlin, Premiere DIE LIEBE ZU DEN DREI ORANGEN, 09.12.2012

Dezember 3, 2012 by  
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Deutsche Oper Berlin

 Die Liebe zu den drei Orangen von Sergej Prokofjew

Der Auftakt ist spektakulär: Nach einer kurzen Orchesterfanfare stürmt zu Beginn von Sergej Prokofjews DIE LIEBE ZU DEN DREI ORANGEN das Publikum die Bühne und streitet sich lauthals darüber, was für ein Stück nun gegeben werden soll. Die einen wollen Tragödien, die anderen rührselige Schmachtfetzen, und wieder andere bestehen auf sinnfreier Unterhaltung. Kein Wunder, dass sich die Besucher der Uraufführung am 30. Dezember 1921 bei dieser theatralischen Betriebsbesetzung unmittelbar an Geschehnisse in Folge der russischen Revolution erinnert fühlten – zumal auch die folgende Geschichte von der Liebe eines Prinzen zu drei Orangen immer wieder von Putschversuchen, Intrigen und dem Kampf um die Macht im Reich des Kreuzkönigs überlagert wird.

Den kanadischen Regisseur Robert Carsen hat bei seiner Produktion für die Deutsche Oper Berlin vor allem das Spiel interessiert, das hier mit dem Theater selbst und seinen Erscheinungsformen gespielt wird. In seiner ersten für Berlin entstandenen Inszenierung präsentiert er eine Hommage an die Theaterstadt Berlin und ihre Geschichte. In den Szenen des Stücks maskiert sich das Theater quasi immer wieder neu und tritt im Dekor der unterschiedlichsten Theaterstile auf, die in dieser Stadt entstanden oder ihre größten Erfolge erlebten – von der Brechtbühne über das Kabarett der Zwanziger Jahre bis zu Peter Stein und seiner Schaubühne.

Musikalische Leitung Steven Sloane Inszenierung Robert Carsen Bühne Paul Steinberg Kostüme Buki Shiff Licht Peter Van Praet, Robert Carsen Videokunst Robert Pflanz Chöre William Spaulding Choreographie Philippe Giraudeau Dramaturgie Jörg Königsdorf König Treff Albert Pesendorfer Der Prinz Thomas Blondelle Prinzessin Clarisse Clémentine Margaine Léandre Markus Brück Truffaldino Burkhard Ulrich / Paul Kaufmann Pantalon Bastiaan Everink Tschelio Paul Gay / Marko Mimica Fata Morgana Heidi Melton Linetta Rachel Hauge Nicoletta Kim-Lilian Strebel Ninetta Heidi Stober Die Köchin Tobias Kehrer Farfarello / Ein Herold Seth Carico Smeraldine Dana Beth Miller Zeremonienmeister Peter Maus Chor, Orchester und Opernballett der Deutschen Oper Berlin

Premiere: 9. Dezember 2012,  Weitere Vorstellungen 13., 17., 21. und 25. 12. 2012

 

—| Pressemeldung Deutsche Oper Berlin |—