Berlin, Deutsche Oper Berlin, La Sonnambula – Ein Alpentraum, IOCO Kritik, 15.02.2019

Februar 15, 2019 by  
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Deutsche Oper Berlin

Deutsche Oper Berlin © Leo Seidel (Kontakt: leoseidel@googlemail.com)

Deutsche Oper Berlin © Leo Seidel (Kontakt: leoseidel@googlemail.com)

La Sonnambula  im  Zauberberg

– Ein Alb/p-Traum nach Vincenzo Bellini  –

von Kerstin Schweiger

„Ich steh mitten auf ‚ner Alm, Heugabel in der Hand,
mir ist das neu, weil ich mich gerade noch im Bett befand.
Ich träume offenbar im Tiefschlaf vor mich hin,
guck mich erstmal verschlafen um, wo ich wohl bin.
Dunkle Tannen, grüne Wiesen und Sonnenschein.
Ach, nee, bloß nicht, ich muss in den Alpen sein.
Oh, Gott, ich hab ‘nen Alpentraum, es ist alles so furchtbar, ich hab ‘nen Alpentraum.
Weck mich auf, weck mich auf, Weck mich auf!“

Songtext von Weber-Beckmann „Alpentraum“

Die majestätische Weite der Bergwelt ist als hermetischer literarischer Ort bekannt. Thomas Manns Zauberberg versammelt in den Schweizer Alpen 1924 eine geschlossene Gesellschaft als Zwangsgemeinschaft in erhobener Lage, in einem Sanatorium. Johanna Spyris Welterfolg Heidi von 1883 setzt Stadtleben in Frankfurt und das entlegene Landleben in den Schweizer Alpen gegeneinander und thematisiert dabei sogar Heidis Schlafwandelsymptome aus Heimweh nach den Bergen.

Vincenzo Bellini - Père Lachaise - Paris © IOCO

Vincenzo Bellini – Père Lachaise – Paris © IOCO

Knapp 50 Jahre zuvor siedelte Bellini zusammen mit seinem Librettisten Felice Romani LA SONNAMBULA in einer entlegenen Bergwelt an, in deren verschlossenen Grenzen seltsame Dinge vor sich gehen.

Worum geht es? Amina, mittellose Waise, ist verlobt, hat gar schon den Ehevertrag unterschrieben, ist aber noch nicht mit ihrem Elvino vor den Altar getreten. Aus einfachen Verhältnissen kommend, wird sie den reichsten Bauern im Dorf heiraten. Als sie nachts im Schlafzimmer des inkognito heimgekehrten Grafen Rodolfo aufwacht, zerbricht die trügerische Idylle: Amina ist sich keiner Schuld bewusst, doch Elvino löst die Verlobung auf und kehrt zu seiner verflossenen Geliebten Lisa zurück. Erst als Amina der versammelten Dorfgemeinschaft wie ein Geist erscheint, wird ihre Unschuld offenbar: die Dorfgemeinschaft realisiert, was passiert ist: Schlafwandelnd war sie nicht Herrin ihrer Sinne. Aus der Trance erwacht, findet sich Amina als Braut Elvinos wieder.

Als Bellini eine ganze Handlung um eine Schlafwandlerin herum entwarf, war der Sonnambulismus – das Schlafwandeln als pathologischer Befund jedoch noch nicht erforscht. Erst 1843 wurde eine erste medizinische Aufzeichnung zu diesem Thema veröffentlicht: „Mittheilungen über die Sonnambüle Auguste K.“ von Johann Karl Bähr in Dresden veröffentlicht. Zuvor wurde das Schlafwandeln als Geistererscheinung oder Wahnsinn gesehen. Eine psychologisch gestützte Betrachtungsweise entwickelte sich erst Ende des 19. bzw. Anfang des 20. Jahrhunderts.

La Sonnambula – Vincenzo Bellini
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Die Geschichte wirft jedoch weitere Fragen auf: das Verhältnis zwischen Adel und Volk, eventuell sogar die überkommene Tradition eines ius primae noctis, ist der Figaro-Graf ein Verwandter im Geiste des Grafen Rodolfo, sind die die pragmatischen Frauenfiguren in LA SONNAMBULA Schwestern von Gräfin und Susanna? 1831 lag die Französische Revolution noch nicht lange zurück. In dieser Zeitenwende zogen sich die Bürger ins Private zurück. Der Eskapismus machte auch bei den erdachten Figuren und Schauplätzen in Theater und Oper nicht halt. Angesichts privater und politischer Widrigkeiten flüchteten sich auch Opernfiguren in andere Geisteszustände: Es wimmelte von Geistern, Untoten, Wahnsinnigen und Somnambulen. In Bellinis LA SONNAMBULA verunsichert ein Gespenst die Einwohner im Schweizer Bergdorf. Erst im Laufe der Handlung wird sich herausstellen, dass es die junge Amina ist, die nachts durch das Bergdorf irrt.

Vincenzo Bellini schrieb die Oper 1831, im gleichen Jahr wie auch seine berühmteste Oper NORMA. In der Aufführungstradition dieser Werke aus der Belcanto-Epoche legten Publikum und Produzenten lange einen starken Fokus auf die musikalische Seite dieser Werke, mit einer Konzentration auf die Stimme und das Können der Sängerinnen und Sänger im Interesse eine sogenannten Belcanto-Tradition, die als Schöngesangoper zu wörtlich genommen wird. Denn die Schönheit der Melodien verstellt den Blick auf Konflikte und tieferliegende Schichten der Handlung. Das Drama findet im Mikrokosmos der Vorstellungswelt der handelnden Figuren statt. Diese persönlichen Dramen in der und mit der Musik sichtbar zu machen, ist das Anliegen des Regie-Duos Jossi Wieler und Sergio Morabito.

Deutsche Oper Berlin / La Sonnambula - hier : Verena Gimadieva als Amina, Helene Schneidermann als Teresa, Alexandra Hutton als Lisa © Bernd Uhlig

Deutsche Oper Berlin / La Sonnambula – hier : Verena Gimadieva als Amina, Helene Schneidermann als Teresa, Alexandra Hutton als Lisa © Bernd Uhlig

Die dünne (Berg-)Luft, wenn es um vermeintliche Untreue, Überschreiten von Standesgrenzen und weitere Grenzgänge in einem abgelegenen streng gestrickten dörflichen Mikrokosmos und die Enge einer solchen traditierten Gemeinschaft geht, bekommen die Protagonisten in deutlich zu spüren. Wieler und Co-Regisseur Morabito legen das Unausgesprochene, das hinter dem Stück schlummernde frei, befördern das akzeptiert Unausgesprochene hinter der verschlafenen Bergdorffassade ans Tageslicht.

Sie erzählen die Geschichte mit einer fundierten dramaturgischen Begleitung durch Lars Gebhardt handfest und heutig so: Mit schlafwandlerischer Sicherheit landet die allseits geschätzte junge Frau Amina, ein Waisenkind, durch eine pathologische Besonderheit im bisher größten Fettnäpfchen ihres Lebens. Kurz vor der Hochzeit mit ihrem Traummann Elvino, dem reichsten und attraktivsten Junggesellen weit und breit, vermasselt Amina sich und ihrer ehrgeizigen Ziehmutter Teresa in einem nächtlichen Alleingang wider Willen erstmal die gute Partie. Sie schlafwandelt zielsicher in das Gästebett des regionalen Grafen, der nach langer Abwesenheit zurückkehrt und in Lisas Gasthaus Quartier genommen hat. Obwohl dort nichts passiert ist, was ihre Hochzeit mit Elvino in Frage stellen könnte, interpretiert die Dorfgemeinschaft einen Fehltritt mit dem Grafen, ein gefundenes Fressen und interessante Abwechslung für alle. Dorfbewohner.

Aminas größte Neiderin, die proletenhafte Wirtshausbesitzerin Lisa, mit Pullover und Hirn aus Mohair-Wolle, herauswachsendem Haaransatz, prekären Manieren und einem sonnigen Herzen mit Schnauze, nutzt die Gunst der Stunde und macht sich prompt mit Elvino auf den Weg zum Altar. Nicht ohne ihrem Dauer-Verehrer, dem smarten Alessio, mit einem kräftigen Tritt vor das Macho-Schienbein endgültig den Laufpass zu geben.

Deutsche Oper Berlin / La Sonnambula - hier : Verena Gimadieva als Amina, Ante Jerkunica als Graf Rodolfo © Bernd Uhlig

Deutsche Oper Berlin / La Sonnambula – hier : Verena Gimadieva als Amina, Ante Jerkunica als Graf Rodolfo © Bernd Uhlig

Alles vor den Augen der plump-schlauen Dorfgemeinschaft, die sich im Dorfgasthaus das Leben der anderen auf der Lästerzunge zergehen lässt. Grenzen verschieben sich, Strukturen, die Halt geben, brechen auf. Alles vollzieht sich vor der Augen und Ohren der größten Instanz vor Ort: der Dorfgemeinschaft, die in dumpfer Eintönigkeit stehengeblieben ist. Amina steht an der Schwelle zum Erwachsensein, ihr bisheriges Leben als Ziehtochter einer umtriebigen Mutter würde sich mit der Heirat in eine andere soziale Ebene komplett ändern. Die Gastwirtin Lisa versinkt im tristen Alltag, sie verzweifelt an der Eintönigkeit des Seins. Teresa, Aminas Ziehmutter, wittert den Karrieresprung zur reichen Schwiegermutter. Der Graf kehrt aus der Stadt zurück in die Berge, um alte Geschichten oder Beziehungen aufzuarbeiten.

Graf Rodolfo, der Amina gern wach in seinem Bett gesehen hätte, jedoch die pathologische Seite ihres Ausflugs erkennt, bleibt fair und klärt die Gemeinde über Aminas Sonnambulismus auf. Elvino springt über seinen Schatten und bekennt sich zu Amira als sie erneut schlafwandelnd im Gastraum erscheint. Amina erwacht und findet sich dort wieder, wo die Geschichte anfing. Doch an die Unbeschwertheit des Anfangs kann keiner der Protagonisten anknüpfen, das Happy End schmeckt schal, ein Alpentraum – für alle Beteiligten.

Kongenial wirkt der von Anna Viebrock entworfene Bühnenraum. Ein herunter gekommener Landgasthof. Der riesige hallenartige gewölbte Gastraum lässt an Trostlosigkeit kaum zu wünschen übrig. Schwere Holzschränke, Stromzähler, kahle Glühbirnen und vollgestopfte und nicht geleerte Briefkästen lassen ahnen, dass sich das Dorfleben komplett an diesem Ort abspielt, Fenster oder Alpenpanorama gibt es nicht. Hier wird das Äußere nach innen gekehrt.

Deutsche Oper Berlin / La Sonnambula - hier : Verena Gimadieva als Amina, Ante Jerkunica als Graf Rodolfo © Bernd Uhlig

Deutsche Oper Berlin / La Sonnambula – hier : Verena Gimadieva als Amina, Ante Jerkunica als Graf Rodolfo © Bernd Uhlig

Bellini gibt dieser Sichtweise recht. Der Komponist setzte Koloraturen und Verzierungen sparsamer ein als in seinen anderen Opern. Selbst in den Nachtwandelszenen Aminas – die durchaus als „kleine Schwestern“ der großen Wahnsinnsszenen wie z.B. in Donizettis LUCIA DI LAMMERMOOR zu verstehen sind – wird die Koloratur nie zum Selbstzweck eingesetzt: Der Komponist konzentriert sich hier ganz darauf, den Gefühlen der Protagonistin nachzuspüren.

Die Mezzosopranistin Helene Schneiderman gibt ein furioses Hausdebüt an der Deutschen Oper Berlin. Sie zeichnet eine scharfe Charakterstudie von Aminas Ziehmutter Teresa, hält die Fäden in Richtung Heirat mit Elvino gegen alle Widrigkeiten zielgerichtet in der Hand. Ihre Ziele liegen symbolisch in der Handtasche, an der sie sich fast das ganze Stück hindurch festhält. Jede Geste sitzt, sie beherrscht in präsenter Unauffälligkeit die Szene. Was Teresa und den Grafen möglicherweise früher verbunden hat, bleibt in Blicken und szenischen Andeutungen unklar.

Venera Gimadieva in der Titelpartie der Amina vereint innigen Schmelz, zartes Piano und großzügige Geläufigkeit in der an Koloraturen reichen Titelpartie. Fragil in der Darstellung, ist sie von klarer Präsenz in sich ruhend, aber nicht fatalistisch dem Geschehen ergeben.

Der mexikanische Tenor Jesús León als Elvino beherrscht alle Belcanto-Techniken. Mit elegantem hellem Tenor präsentiert er ein differenziertes Rollenverständnis des in tiefe Verwirrung fallenden Elvino, der mit einem Herz aus Gold aber wenig Standhaftigkeit gegenüber der fordernden Gemeinschaft und vor allem gegenüber Amina zeigt.

Alexandra Hutton als Gastwirtin Lisa ist der große Gegenentwurf zur fragilen zögerlichen Gestalt Aminas. Sie signalisiert einen kommenden selbstbewussten Frauentypus. Ihr heller Sopran lässt die vielen Verzierungen in den Gesangslinien der Rolle mühelos leuchten. Sie ist eine durch und durch heutige Figur, Prekariat pur, Herz mit Schnauze. Andrew Harris als ihr Liebhaber Alessio gestaltet einen Hipster mit geschmeidigem und durchsetzungsstarkem Bass.

Als Graf Rodolfo glänzt der kroatische Bass Ante Jerkunica. Er zeichnet mit Eleganz einen belesenen und differenzierenden Adligen an der Schwelle zur Bürgerlichkeit, mit Handkoffern ohne Dienerschaft reisend, Bücher im Gepäck, ein Kämpfer zwischen Verlangen und Anstand. Mit profundem, schönem Bass und müheloser Höhe, ergänzt er eine Ensembleleistung die nicht in Schöngesang zum Selbstzweck verfällt, sondern diesem ein spannendes Psychodrama selbstverständlich an die Seite stellt.

Der Chor der Deutschen Oper Berlin zeigt die Dorfgemeinschaft musikalisch wie szenisch als vielseitiges Charakterbild, Individuen, die in der Gruppe stark sind, inklusive Polizist und Person mit Handicap. In der Zeit eingefrorene Sonderlinge, die Druck auf Außenseiter wie Lisa und Amina ausüben, eine Instanz, an der kein Individuum vorbei kommt.

In Stephan Zilias, der in der Endprobenphase als Musikalischer Leiter einsprang, haben Chor und Ensemble einen einfühlsamen Begleiter, der mit moderaten Tempi Raum für ausführliche Gesangslinien bietet. Fein abgestimmt mit der Regie, gewährt er sogar Generalpausen für Schockmomente oder Umbauten.

Ein Alpentraum aus einem Guss. Wer daraus aufwacht fragt sich, wie es wohl nach dieser Nacht weitergehen wird

Besucherstimmen  –  Zur Premiere von La Sonnambula 
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Die Deutsche Oper Berlin hat das Thema Belcanto begleitend in einem öffentlichen dreitägigen Symposium im Februar 2019 zu einem aktuellen Thema gemacht und in Vorträgen und Diskussionen unterschiedlicher Referenten die Gültigkeit des Belcanto—Begriffs ausgelotet.

Als Ideal einer Verschmelzung von Klangschönheit, Ausdruck und Virtuosität steht der Begriff „Belcanto“ seit Claudio Monteverdis L’ORFEO, also seit über 400 Jahren, für die Faszinationskraft, die vom Einsatz der menschlichen Stimme auf der Opernbühne ausgehen kann. Was „schön“ ist, entscheidet jede Generation aufs Neue. Als Mitte des 19. Jahrhunderts die Oper mit einem realistischeren Musikstil einen anderen Weg einschlug, änderte sich auch der Begriff des Belcanto zuletzt erneut gravierend.

LA SONNAMBULA von Vincenzo Bellini, Deutsche Oper Berlin, Premiere am 26.1.2019,  weitere Vorstellungen in dieser Spielzeit am 19. und 25. Mai 2019

—| IOCO Kritik Deutsche Oper Berlin |—

Hagen, Theater Hagen, Pariser Leben – Jacques Offenbach, IOCO Kritik, 01.11.2018

November 2, 2018 by  
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Theater Hagen

Theater Hagen bei Nacht © Stefan Kuehle

Theater Hagen bei Nacht © Stefan Kuehle

PARISER LEBEN –  Jacques Offenbach

 Karl Lagerfeld:
„Man muss nicht in Paris geboren sein, um eine echte Pariserin zu sein.“

Von Viktor Jarosch

Jacques Offenbach © IOCO

Jacques Offenbach © IOCO

Jacques Offenbach (1819 – 1880) ging früh, 1833, nach Paris um Musik zu studieren. 1855, als Offenbach anlässlich der ersten Pariser Weltausstellung 1855 sein eigenes kleines Theater, Theatre des Bouffes-Parisiennes, eröffnete, war er in Paris bereits ein Star; als Pianist und Komponist. Der Erfolg seiner Werke, so 1858 Orpheus in der Unterwelt, machten Offenbach in ganz Europa so populär, dass er 1865 den Auftrag erhielt, ein passendes Werk für die zweite Pariser Weltausstellung 1867 zu komponieren. Gemeinsam mit den Librettisten Henri Meilhac und Ludevic Halévy schuf er La vie Parisienne, Pariser Leben, eine frivole Komödie, dessen Uraufführung trotz zahlloser „schlüpfriger Unter-töne“ keinen Skandal auslöste sondern ein weiterer grandioser Erfolg für Jacques Offenbach wurde und bis heute blieb.

Pariser Leben in Hagen, einer Großstadt mit 175.000 Einwohnern; vieldeutig als „Tor zum Sauerland“ tituliert. Dies kann zur Steilvorlage für zugereiste Humoristen und Satiriker werden. Erst recht, wenn zuvor in einer lokalen Anzeige zu lesen war, dass Regisseur Holger Potocki für seine Inszenierung von Pariser Leben „einen ausgeprägt muskulösen Statisten (Typ Bodybuilder) zwischen 18 und 50 Jahren“ suchte.

Theater Hagen / Pariser Leben - hier : vor der Silhouette des Louvre © Klaus Lefebvre

Theater Hagen / Pariser Leben – hier : vor der Silhouette des Louvre © Klaus Lefebvre

Doch Potocki möchte in seiner Inszenierung von Pariser Leben im Theater Hagen eben nicht mit exquisitem Flair der Champs-Élysées oder des Boulevard Haussmann konkurrieren. Die Drehbühne (Bühne Lena Brexendorff) zeigt in vielen humorigen Bildern Menschliches, Lebensalltag. Leben wie Lebensfreude pulsiert – so Potocki – überall; in Berlin wie Hagen; in Zentren wie Vorstädten; auch in den so schlecht beleumundeten Banlieues von Paris. Holger Potockis Pariser Leben spielt im Heute, lebensfroh wie mitreißend im Halbdunkel einer rauen, verlorenen Vorstadt, einem Banlieue von Paris (Choreographie Andrea Danae Kingston). Dorthin verirren sich zufällig zu Beginn die schwedischen Touristen, Baron und Baronin von Gondremarck. Sie steigen eine Station zu früh aus dem Zug; treffen auf dem düsteren, nebelverhangenen Bahnhofsvorplatz auf die Pariser  Halbwelt; werden um Geld und Handy beraubt und von herbei kommenden Polizisten belehrt: „Außer Mord ist hier alles Bagatelle!“. Raoul de Gardefeu, von eigenen Träumen getrieben, verwickelt Baron und Baronin von Gondremarck und andere in eine schräge Verwechslunskomödie.

Theater Hagen / Pariser Leben - hier: Maria Klier, Kenneth Mattice, Anja Frank-Engelhaupt © Klaus Lefebvre

Theater Hagen / Pariser Leben – hier: Maria Klier, Kenneth Mattice, Anja Frank-Engelhaupt © Klaus Lefebvre

Holger Potocki ergänzt die Komposition Jacques Offenbachs; bildet von Beginn an mit auffälliger Choreographie und skurrilen wie schrägen Dialogen („die schwedische Botschaft, nicht die schwäbische Botschaft“, „Ihr Name klingt wie Nougat Creme! – Nutella? – Nein, Metella!“), Klamauk und Bühnenbild die verschrobene Pariser Halbwelt modern lebendig ab. Asterix fehlt  ebenso wenig wie der in engem Anzug beständig Fächer wedelnde, die Kleidung der Anderen „richtende“ Modedesigner Karl Lagerfeld, oder der Glöckner von Notre Dame, welchen Gonzo mit Buckel und Kopfbinde abbildet:Er jobbt in Notre Dame; er ist taub!“. Ein gigantisches Croissant, welches mit Zigarette in der Hand immer wieder die Bühne durchquert und um Feuer bittet; man fragt auf der Bühne „Wer ist das?“ – Die Antwort: „Ein Croissant!“. Potockis Produktion wird so zu einer modernen wie schrill-schrägen Halbwelt-Kontrast-Show zu klassischen Pariser Leben Inszenierungen wird.

Wieviel Paris steckt in Ihnen?  Wenn Sie „Pigalle“ hören, denken Sie an…Moulin Rouge, Nachtleben, Vergnügungen ohne Ende   oder an … die Metrolinien 2 und 12?

Die Feier des 2. Bildes, in heutiger Sprache eine Fake-Party, in der Bobinet mit vermeintlichen Gästen den Baron von Gondremarck bespasst, ist mit zahllosen kuriosen Facetten versetzt ein Höhepunkt der Produktion; wenn Champagner aus einem Eimer serviert wird, eine Transvestiten-Band mit Mikro in knappen braunen Corsagen sanft „Midnight in Paris“ singt, wenn auf einem Trimm-Fahrrad eine E-gitarre gespielt wird…..

Faszinierend, wie prall, froh und sicher bringt das riesige Ensemble des Theater Hagen so ein überquellendes Füllhorn von Stimmung, Stimmen, Gags und Choreographie auf die Bühne. Richard van Gemert, als Raoul de Gardefeu, von Metella fortwährend als „Du Lurch“ betitelt, beeindruckt meist in Schirmmütze, zur Super-Party in grünem  Pluderkleid, oder „zufälligerweise habe ich Sekt kalt gestellt“ – zum Chanson  „Je t´aime“ – wenn er auch die Baronin mit unbeholfenen Powacklern gewinnen möchte. Kenneth Mattice ist jener von sicherem Bariton und schlüpfrigen Abwegen inspirierte Baron von Gondremarck; Veronika Haller ist Gattin Baronin Christine mit wohl timbriertem Sopran. Kristina Larissa Funkhauser als „Männer inspirierendeMetalla fasziniert ebenso mit kräftigem Mezzo und Sticheleien, zum schwedischen Baron von Gondremarck:Hier ticken die Uhen anders als in Bullerbü“, während Marilyn Bennett als ältliche Mme. Quimper-Karadec stimmlich wie durch erotische Bondage Corsage, „Crime-Scene“,  für Aufregung im männlichen Publikum sorgte. Boris Leisenheimer  reißt als philosophierender Clochard ebenso mit wie als reicher Brasilianer. Stephen Boving die komplexe Partie des Bobinet mit sicherer Präsenz und wohl timbrierter Stimme.

Theater Hagen / Pariser Leben - hier : man macht ein Selfie © Klaus Lefebvre

Theater Hagen / Pariser Leben – hier : man macht ein Selfie © Klaus Lefebvre

Die Hagener Philharmoniker unter Rodrigo Tomillo musste man lieben: Nicht nur beherrschten sie Offenbachs aus Märschen, Cancan und Walzern bestehende  Komposition mit lebendigem wie filigranem Schwung. Auch das choreographisch reiche aber höchst diffizile neue Ornament zu Offenbachs Komposition aus neuen Dialogen, E-Gitarre und Chansons integrierten die Hagener Philharmoniker und Tomillo  reizvoll und schmissig.

Das begeisterte Publikum mitsamt Oberbürgermeister Erik O. Schulz dankte einhellig Holger Potocki zu seiner modern vielschichtigen Produktion von Pariser Leben und dem großen Ensemble und Chören des Theater Hagen wie den Hagener Philharmonikern zur gelungenen Umsetzung auf die Bühne und im Orchestergraben.

Pariser Leben am Theater Hagen; die weiteren Vorstellungen 2.11.; 7.11.; 16.11.; 24.11.; 5.12.; 27.12.; 31.12.2018

—| IOCO Kritik Theater Hagen |—

Essen, Philharmonie Essen, Strawinsky – Simón Bolivar Symphony Orchestra of Venezuela – Gustavo Dudamel, IOCO Kritik, 23.01.2016

Januar 25, 2016 by  
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Philharmonie Essen

Simón Bolivar Symphony Orchestra of Venezuela – Gustavo Dudamel

Igor Strawinsky  Petruschka +  Le Sacre du Printemps

Philharmonie Essen / Gustavo Dudamel © Saad Hamza

Philharmonie Essen / Gustavo Dudamel © Saad Hamza

Das Simón Bolivar Symphony Orchestra of Venezuela wurde 1975 gegründet. Das ehemalige Jugendorchester hat inzwischen eine weltweite Reputation. Schon 17 Spielzeiten leitet der Venezolaner Gustavo Dudamel das Orchester. Als Achtzehnjähriger hatte er es übernommen.

Philharmonie Essen / Gustavo Dudamel © Saad Hamza

Philharmonie Essen / Gustavo Dudamel © Saad Hamza

Dudamel hat inzwischen eine große Karriere gemacht. Es gibt kaum ein Orchester von Rang, bei dem er nicht zu Gast war. Seit sieben Spielzeiten ist er Chef des Los Angeles Philharmonic Orchestra.

Seine Verpflichtung mit dem venezolanischen Orchester läuft aber weiter. Mit diesem gastiert er in dieser Saison unter anderem an der Mailänder Scala in einer La Bóheme – Produktion. Im April dieses Jahres wird er sein Debüt an der Wiener Staatsoper in einer Neuproduktion von Puccinis Turandot geben.

Venedig / Grabstätte Igor Stravinski © IOCO

Venedig / Grabstätte Igor Stravinski © IOCO

Das gestrige Gastspiel des venezolanischen Ensembles unter seiner Leitung beinhaltete nur Musik von Igor Strawinsky.

Man begann mit Petruschka, Burleske Szenen in vier Bildern in der Fassung von 1947. Es ist eine tragische Geschichte, die hier mit einer effektvollen Musik erzählt wird. Ein alter Scharlatan führt zur Faschingszeit auf dem Petersburger Jahrmarkt seine Puppen vor. Einen Mohren, eine Ballerina und den Kasper Petruschka. Seine Zauberkunst hat den Puppen menschliche Gefühle eingegeben. Petruschka liebt die Ballerina, die sich jedoch in den aufgeputzten Mohren verliebt hat. Aus Eifersucht tötet der Mohr Petruschka. Das alles spielt vor einem sehr farbigen Hintergrund, mit tanzendem Bären, Drehorgel und mehr.

Die Uraufführung als Ballett fand 1911 in Paris durch das Ballett Russe von Sergei Diaghilew statt. Der große Erfolg veranlasste Strawinsky, aus den interessantesten Nummern eine Konzertsuite zu erstellen. 1947 gab er eine revidierte Fassung heraus. Diese, die die Instrumentation etwas auflichtet, wird heute allgemein gespielt. So auch hier beim Gastspiel der Venezolaner.

Dudamel und sein großartiges Orchester vermittelten eindringlich diese farbige, effektvolle Musik. Glänzend waren die Streicher, die in dieser Partitur dominieren. Kraftvoll klangen die Blechbläser und der Schlagzeuger (immer mit lächelndem Gesicht) leistete Schwerstarbeit. Verblüffend gut war die Korrespondenz zwischen den einzelnen Gruppen. Schon jetzt zeigte sich das Publikum begeistert.

Nach der Pause ging es weiter mit Le Sacre du Printemps, Bilder aus dem heidnische Russland. Archaisch, gewaltig, mit peitschenden Rhythmen kommt diese Musik daher und fasziniert sofort. Das zweiteilige, zirka halbstündige Werk, wurde auch in Paris beim Ballett Russe, zwei Jahre nach Petruschka, uraufgeführt.

Im ersten Teil Anbetung der Erde sind tanzende junge Mädchen die Vorboten des Frühlings. Frühlingsreigen folgen, Stämme rivalisieren miteinander. Höhepunkt des ersten Teils ist das Finale, der Tanz der Erde. Dazu schrieb Strawinsky eine Musik, die hart an die Schmerzgrenze geht. Sie ist ein Pandämonium an brutalen, den Orchesterapparat fordernden Klängen.

Doch auch der zweite Teil Das Opfer hat es in sich. Hier findet Strawinsky zu einer bohrenden, motorischen Rhythmik, sowohl für die heidnischen Riten und die barbarischen Stimmungen, wie den finalen Opfertanz.

Für Gustavo Dudamel und sein außerordentliches, hoch motiviertes Orchester gab es keine Probleme. Dudamel hatte den Riesenapparat fest im Griff. Wunderbar brachte er es fertig, selbst die dichtesten und härtesten Klangballungen ohne knallig zu werden, rüber zu bringen. Das war eine exemplarische Leistung. Der ganze Abend war ein Ereignis und wurde von den Besuchern einhellig honoriert.

Das Publikum im sehr gut besuchten Haus, spendete frenetischen, nicht enden wollenden Beifall. Fähnchen mit dem venezolanischen Wappen wurden geschwenkt und man jubelte lautstark.  Natürlich gab es Zugaben, wie etwa das Finale aus Strawinskys  Feuervogel. Dieser Abend wird in Erinnerung bleiben.

IOCO / UGK / 23.01.2016

—| IOCO Kritik Philharmonie Essen |—

Hagen, Theater Hagen, Die Großherzogin von Gerolstein – Geistreiche Satire mit Biss, IOCO Kritik, 12.01.2013

Januar 16, 2013 by  
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Kritik

Theater Hagen

Geistreiche Satire mit Biss

Jacques Offenbach und  Die Großherzogin von Gerolstein im Theater Hagen

Premiere am 12. Januar  2013  

Theater Hagen / Die Großherzogin von Gerolstein / Dagmar Hesse (Großherzogin von Gerolstein), Ensemble © Kühle

Theater Hagen / Die Großherzogin von Gerolstein / Dagmar Hesse (Großherzogin von Gerolstein), Ensemble © Kühle

Offenbachs köstliche, bissige Satire auf  Kleinstaaterei, Vetternwirtschaft und Militarismus, hatte am vergangenen Samstag eine durchaus gelungene Premiere am Hagener Theater. Das im Jahre 1867 in Paris uraufgeführte Werk ist eine sehr witzige doppeldeutige Melange mit Zutaten aus “Grand Operette“ und “ Bouffe de Chambre“.

Das war auch der Ansatz des Regisseurs Roman Hovenbitzer, der das Werk hier in Szene setzte. Seine Inszenierung ist gespickt mit vielen gelungenen Einfällen, über die Story der mannstollen, militäruniformgeilen Regentin eines fiktiven Kleinstaates. Diese Großherzogin macht einen einfachen aber attraktiven Schützen kurzerhand zum General. Das bringt die Bürger und die Regierung des Kleinstaates, wie auch Schütze Fritzens Freundin Wanda, in helle Aufregung.

Theater Hagen / Die Großherzogin von Gerolstein / Jeffery Krueger (Fritz), Dagmar Hesse (Großherzogin von Gerolstein) © Kühle

Theater Hagen / Die Großherzogin von Gerolstein / Jeffery Krueger (Fritz), Dagmar Hesse (Großherzogin von Gerolstein) © Kühle

Theater Hagen / Die Großherzogin von Gerolstein / Ks. Horst Fiehl (Nepomuk), Dagmar Hesse (Großherzogin von Gerolstein) © Kühle

Theater Hagen / Die Großherzogin von Gerolstein / Ks. Horst Fiehl (Nepomuk), Dagmar Hesse (Großherzogin von Gerolstein) © Kühle

Theater Hagen / Die Großherzogin von Gerolstein / Dagmar Hesse (Großherzogin von Gerolstein), Jeffery Krueger (Fritz), Ensemble © Kühle

Theater Hagen / Die Großherzogin von Gerolstein / Dagmar Hesse (Großherzogin von Gerolstein), Jeffery Krueger (Fritz), Ensemble © Kühle

 Die Proteste des General Bumm und des Regierungschefs Graf Puck fruchten nichts. Madame möchte ihren Fritz haben und nicht den ihr lästigen Verehrer Prinz Paul, Spross einer Dynastie aus einem anderen Zwergstaat. Aber Fritz möchte nicht, er bekennt sich zu seiner Wanda.

Fazit: Der also Sture muss weg, muss eliminiert werden. Puck und Bumm schmieden ein Komplott. Die Großherzogin stimmt zähneknirschend zu und traut das Paar Fritz und Wanda. Inzwischen kommt ein neuer attraktiver Mann ins Spiel. Baron Grog ist Brautwerber für den Prinzen Paul. Madams Begehrlichkeit ist geweckt. Sie erhofft sich viel von ihm, willigt in die Heirat mit Prinz Paul ein und sagt das Mordkomplott ab.

Bumm und Puck sind empört über diese Wankelmütigkeit. Inzwischen ist aber Fritz einer Finte zum Opfer gefallen. Er kommt ziemlich lädiert aus einer Schlacht zurück. Die Regentin degradiert ihn kurzerhand. Fritz nimmt seinen Abschied vom Kriegshandwerk und lässt sich von seiner Wanda in die Arme nehmen.

Theater Hagen / Die Großherzogin von Gerolstein / Rainer Zaun (General Bumm), Richard van Gemert (Prinz Paul), Andreas Lettowsky (Graf Pück), Dagmar Hesse (Großherzogin von Gerolstein) © Kühle

Theater Hagen / Die Großherzogin von Gerolstein / Rainer Zaun (General Bumm), Richard van Gemert (Prinz Paul), Andreas Lettowsky (Graf Pück), Dagmar Hesse (Großherzogin von Gerolstein) © Kühle

Theater Hagen / Die Großherzogin von Gerolstein / Tanja Schun (Wanda), Jeffery Krueger (Fritz) © Kühle

Theater Hagen / Die Großherzogin von Gerolstein / Tanja Schun (Wanda), Jeffery Krueger (Fritz) © Kühle

Theater Hagen / Die Großherzogin von Gerolstein / Dagmar Hesse (Großherzogin von Gerolstein), Ensemble © Kühle

Theater Hagen / Die Großherzogin von Gerolstein / Dagmar Hesse (Großherzogin von Gerolstein), Ensemble © Kühle

 Die Großherzogin bleibt allein mit ihrem ungeliebten, unattraktiven Paul. Aber wie lange noch? Man macht sich so seine Gedanken angesichts der Methoden der sich die Vorfahren derer von Gerolstein bedienten.

Sehr schön war Hovenbitzers Einfall, eine kleine Militärkapelle (4 Musiker) auf die Bühne zu bringen, die aber immer zur falschen Zeit “bliesen“ und dadurch eine sehr schöne Situationskomik erzeugten. Trotz aller Begeisterung für die aktions- und einfallsreiche Inszenierung, sie hatte einen Schönheitsfehler: Sie war einfach zu lang. Allein der erste Teil dauerte fast zwei Stunden. Behutsame Kürzungen in den Dialogen wären zweckdienlich gewesen.

Einhellige Begeisterung fanden die wunderbare Bühnenausstattung von Hermann Feuchter, wie auch die adretten, zeitbezogenen Kostüme von Anna Siegrot. Recht hübsch war auch die Choreographie der Tanzeinlagen (Ricardo Fernando).

Theater Hagen / Die Großherzogin von Gerolstein / Jeffery Krueger (Fritz), Dagmar Hesse (Großherzogin von Gerolstein) © Kühle

Theater Hagen / Die Großherzogin von Gerolstein / Jeffery Krueger (Fritz), Dagmar Hesse (Großherzogin von Gerolstein) © Kühle

Die musikalische Komponente geriet nicht so schwungvoll und präzise, wie die Inszenierung. Die fabelhaften Chöre, von Wolfgang Müller-Salow einstudiert, hatten vielfach Kontaktschwierigkeiten mit den Einsätzen. Mal war man zu früh, mal zu spät. Natürlich war der Dirigent Steffen Müller-Gabriel stark darum bemüht, alles beisammen zu halten, konnte aber einige Wackelkontakte nicht vermeiden.

Die Schmissigkeit der rhythmisch prägnanten Musik geriet akkurat und auf den Punkt genau durch das Hagener Philharmonische Orchester. Aber es fehlte der letzte zündende Funke, der aus Jacques Offenbachs melodienseliger Musik ein orchestrales Feuerwerk hätte werden lassen können.

Durchweg hervorragend besetzt waren die Sänger. Die Wanda von Tanja Schunwar kein süßes Dummchen, sondern ein zielstrebiges Mädel, das ihren Fritz fest an der Kandare hielt (angenehm klang ihr feiner Soubrettensopran).

Dieser Vielgeliebte wurde von Jeffery Krueger charmant gespielt und gesprochen. Bedingt durch eine Viruserkrankung konnte er nicht singen. Den Gesang (aus dem Graben) übernahm als Gast aus Gelsenkirchen, William Saetre.

Mit schlankem Bass und großer Textverständlichkeit gestaltete Andreas Lettowsky den Premierminister Graf Puck. Richard van Gemert war mit seinem kräftigen Tenor und dezenter Komik ein überzeugender Prinz Paul.

Mit Distinktion und Noblesse verkörperte Hagens Urgestein Horst Fiehl den Kammerherrn Nepomuk. Tillmann Schnieders war mit angenehmer Stimme und elegantem Auftreten ein distinguierter Baron Grog.

Zwei der vielseitigsten Sänger der Hagener Bühne, Dagmar Hesse und Rainer Zaun gestalteten ihre Rollen wie maßgeschneidert. Dagmar Hesse genoss die Partie geradezu. Mit sanfter und manchmal auch autoritärer Stimme (im Dialog) umgirrte sie ihre Soldaten (charmantes Lächeln, Begehrlichkeit im Blick), kapriziös nervte sie ihren Hofstaat und ihre engen Mitarbeiter Nepomuk, Puck und Bumm. Was  sie gesanglich an diesem Abend leistete, wie sie sich die für sie doch fachfremde Partie einrichtete, ist nur zu bewundern.

Der General Bumm wurde durch Rainer Zaun zu einer saftigen Type. Er ist ein Möchtegern-Napoleon, den es an die Volme verschlagen hat. Sein Führungstalent ist, ebenso wie seine vis comica, so herausragend wie seine markige Stimme.

Große Zustimmung seitens des Publikums, dessen ältere Mitglieder hocherfreut waren, nach 24 Jahren mal wieder eine “Großherzogin“ zu erleben.

IOCO / UGK / 12.01.2013

Die nächsten Vorstellungstermine für Die Großherzogin von Gerolstein: 18.1.2013, 25.1.2013, 3.2.2013, 15.2.2013, 24.2.2013 und mehr  …….

 

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