Nationaltheater-Orchester Mannheim – Turangalila-Symphonie von Olivier Messiaen, IOCO CD-Rezension, 20.10.2020

OEHMS Classics OC 472 / Turangalia-Sinfonie gespielt vom Nationaltheater-Orchester Mannheim © OEHMS Classics

OEHMS Classics OC 472 / Turangalia-Sinfonie mit dem Nationaltheater-Orchester Mannheim © OEHMS Classics

Nationaltheater-Orchester Mannheim  –  Turangalila-Symphonie – Olivier Messiaen

 CD  OehmsClassics OC 472

 von Uschi Reifenberg

Der französische Komponist Olivier Messiaen, 1908 Avignon – 1992 Clichy ebi Paris, Frankreich, war eine der faszinierendsten und schillerndsten Musikerpersönlichkeiten des 20.Jahrhunderts und hat zweifellos die Neue Musik nach 1945 ganz entscheidend mitgeprägt. Er war nicht nur Orgelvirtuose, musiktheoretischer Erneuerer, Klangfarbenmystiker, Synästhet und ein begnadeter Kompositionslehrer. Messiaen widmete sich auch mit Passion dem Studium der Natur und der Vögel, deren unterschiedliche Gesänge er detailliert analysierte, aufschrieb und in seine Kompositionen integrierte. Seine Inspiration bezog er unter anderem aus fernöstlichen Kulturen, indischen Rhythmen, dem Studium der Sterne und vor allem aus seinem tief im Katholizismus verwurzelten Glauben: „Es ist unbestreitbar, dass ich in den Wahrheiten des katholischen Glaubens diese Verführung durch das Wunderbare hundertfach, tausendfach multipliziert wiedergefunden habe, und es handelte sich nicht mehr um eine theatralische Fiktion, sondern um etwas Wahres“, so Messiaen.

In seiner Turangalîla-Sinfonie, eine der monumentalsten und anspruchsvollsten Tonschöpfungen der europäischen Nachkriegszeit, sind diese vielgestaltigen und zum Teil widersprüchlichen Themen in einzigartiger Weise verarbeitet. Sie bildet in ihrer Komplexität, den 10 Sätzen und den rund 80 Minuten Spieldauer nicht nur für die ca 100 ausführenden Musiker, sondern auch für die Zuhörer eine ganz besondere Herausforderung.

Die Musikalische Akademie des Nationaltheater Orchesters Mannheim unter der Leitung von GMD Alexander Soddy hat nun mit einer CD Live Einspielung der Turangalîla-Sinfonie vom November 2019 im Mannheimer Rosengarten, in der Vor- Coronazeit, als die Konzert- und Opernwelt noch weitestgehend in Ordnung war, für Oehms-Classics diese Herausforderung mit Bravour bestanden und eine eindrucksvolle Interpretation geliefert.

Nationaltheater-Orchester Mannheim hier mit Alexander Soddy © Christian Kleiner

Nationaltheater-Orchester Mannheim hier mit Alexander Soddy © Christian Kleiner

In diesem 2. Akademiekonzert stand ein Herzensprojekt von GMD Alexander Soddy auf dem Programm – die Turangalîla-Symphonie von Messiaen. Über hundert Musiker bringen das monumentale Werk zur Aufführung; Teil dieser großen Besetzung sind unter anderem elf Schlagwerker, ein Flügel und Ondes Martenot.

Das Wort Turangalîla stammt aus dem Sanskrit und umfasst zwei Begriffe, deren weit gefächerte Bedeutungsebenen auf die vielfältige Ausdruckswelt des Werkes verweisen. Turanga bezeichnet die verrinnende Zeit, die davoneilt, sie ist Rhythmus und gleichzeitig Bewegung. Lîla bedeutet Spiel, sowohl das Spiel der Schöpfung als auch der Zerstörung, das Eingreifen der göttlichen Macht in das kosmische Geschehen. Lîla bedeutet aber auch die Liebe in ihrer leidenschaftlichen, sinnlichen und geistigen Ausprägung. „… Turangalîla schließt somit gleichzeitig die Bedeutungen Liebesgesang, Freudenhymne, Zeit, Bewegung, Rhythmus, Leben und Tod ein“, so  Messiaen.

Diese allumfassende Liebe ist Teil von Messiaens persönlicher Auseinandersetzung mit dem Tristan Mythos, jenem mittelalterlichen Epos über die grenzensprengende Liebe von Tristan und Isolde, der nicht nur Richard Wagner in seinem Musikdrama ein Denkmal setzte. Die Turangalîla-Sinfonie bildet das Mittelstück von Messiaens Tristan-Trilogie und thematisiert in ihrer Satzfolge die Entwicklung der Liebeszustände vom zarten Liebeslied über die kontemplative Seelenruhe im Liebesgarten bis hin zum ekstatisch-dionysischen Freudentaumel des Finalsatzes.

Messiaen komponierte seine einzige Sinfonie kurz nach Ende des 2. Weltkriegs in den Jahren 1946 bis 1948, und setzte nach den eigenen Erfahrungen als Kriegsgefangener in seiner Komposition mit der Verherrlichung der Liebe und der Freude einen Kontrapunkt zum Leid des Krieges: „Die Turangalila-Sinfonie ist eine Hymne an die Freude, […] jene Freude, wie sie nur der ermessen kann, dem in tiefem Elend Ahnung von ihr zuteil geworden ist“, Messiaen.

Als Auftragswerk des Dirigenten Sergej Koussevitzky für das Boston Symphonie Orchestra wurde die Turangalîla-Sinfonie 1949 von Leonard Bernstein uraufgeführt und gilt mittlerweile als einer der populärsten Klassiker der Sinfonik in der zweiten Hälfte des 20.Jahrhunderts.

Generalmusikdirektor Alexander Soddy © Christian Kleiner

Generalmusikdirektor Alexander Soddy © Christian Kleiner

So exotisch, monumental und ausgefallen wie die inhaltliche Ausrichtung, ist auch die Orchesterbesetzung, die Messiaen vorschreibt. Der Streichersatz ist auf 70 Streichinstrumente erweitert, die teilweise solistisch aufgeteilt sind, dazu kommt ausgedehntes opulentes Schlagwerk, das allein 10 Spieler fordert. Hinzugefügt ist ein kleines Gamelan Ensemble, das mit Celesta, Glockenspiel und Vibraphon nach indonesischem Vorbild besetzt ist.

Dem Soloklavier kommt eine zentrale Bedeutung zu. Der Klavierpart ist extrem virtuos, oft perkussiv eingesetzt und erinnert mit seinen ausgedehnten und schwierigen Kadenzen an ein Klavierkonzert, es übernimmt aber auch die für Messiaen stets bedeutsamen Vogelstimmen. Als besonderes Highlight kann man die selten zu hörenden Ondes Martenot (musikalische Wellen) erleben, ein früher Vorläufer des Synthesizer. Dieses in den 1920-er Jahren entwickelte und von Messiaen sehr geschätzte einstimmige elektronische Musikinstrument erzeugt irisierende, sphärische Klänge, Glissando und Vibrato.

Alexander Soddy,dem Nationaltheater-Orchester Mannheim,sowie den Solisten Tamara Stefanovich am Klavier und Thomas Bloch an den Ondes Martenot gelingt es in beeindruckender Weise, das ganze Klanguniversum der Messiaenschen Partitur zutage zu fördern mit ihrer Polystilistik, den übereinander gelagerten Rhythmen, dem Klangfarbenrausch und der sinnlich-süßlichen Melodienseligkeit. Das Spannungsverhältnis von „Zartheit und Heftigkeit, Liebe und Ungestüm“ (Messiaen), sowie Transparenz und Wucht der Klangmassen werden von Alexander Soddy – vor allem im Aufbau der großen Architektur – detailliert ausgelotet und perfekt ausbalanciert.

Das Ondes Martenot - hier Thomas Bloch am Ondes Martenot © Musikalische Akademie

Das Ondes Martenot – hier Thomas Bloch am Ondes Martenot © Musikalische Akademie

Der Zuhörer wird in eine Klangwelt hineingezogen, welche „die Begrenzungen der Zeit und ihre Allgegenwart spürbar“werden lassen will, in der die gewohnten Ordnungsprinzipien außer Kraft gesetzt sind und wo „übernatürliche Mysterien“ neue Erfahrungshorizonte erschließen. Da werden Klangblöcke aufeinander geschichtet und Strukturen gemeißelt, vertrackte Rhythmen in aberwitzigen Tempi gegeneinander gestellt, Schmerz und Tod werden durch unerbittliche Tam-Tam Schläge zur tragischen Gewissheit. In impressionistisch grundierte Klangflächen tröpfeln kristalline, zarte Klavierfiguren. Die Ondes Martenot mit ihren oszillierenden Effekten fügen dem Gesamtklang eine exotische Qualität hinzu, die betörende und zugleich verstörende Wirkung hat. Immer wieder hört man Vogelstimmen oder jazzige Themen, die an Gershwin erinnern. Derbe Tanzrhythmen peitschen in furioser Manier dazwischen, Stillstand und Versunkenheit wechseln sich ab mit einem dionysisch-stampfenden Gestus à la Sacre du printemps von Strawinsky. Ein Spiel der Farben und Formen in grellen Wechseln und überraschenden Wendungen, von Soddy und den hervorragenden Solisten und Musiker*innen des Nationaltheater Orchesters glänzend zum Ausdruck gebracht.

Aber auch traditionelle Formaspekte sind konstituierender Bestandteil dieser Komposition wie beispielsweise vier Leitmotive, die das ganze Werk durchziehen. Gleich in der Einleitung (Introduction) werden zwei Themen vorgestellt, zuerst das mächtige „Statuen-Thema“, hier von Posaunen und Tuba mit eherner Wucht in den Raum gestellt, dann das Blumenthema, von den Klarinetten sensibel und anmutig kontrastiert. Das Klavier besticht mit einer hochvirtuosen Kadenz, die Schlaginstrumente des Gamelan Ensembles sorgen für exotische Klangfarben. Später hinzu kommen das choralartige „Liebesthema“ und das in vielfachen und harmonisch wechselnden Schattierungen erscheinende „Akkordthema“.

Wunderbar atmosphärisch gelingen vor allem auch die ruhigen Passagen in den „Liebesgesängen“ l und ll („Chant d‘amour l und ll“), mit zart nuancierten Englischhorn- und Oboenphrasen und samtweichen Streicherteppichen. Man wird in den geheimnisvoll – romantischen „Garten der Liebe“ (Jardin du sommeil d‘amour,) geführt, in dem die Liebenden in die überirdisch schönen Gesänge der Ondes Martenot eintauchen, und umgeben von Vogelstimmen weltentrückt im Dämmerschlaf verweilen, „…wecken wir sie nicht“, so Olivier Messiaen.

—| IOCO CD-Rezension |—

Düsseldorf, Deutsche Oper am Rhein, Spielplan November 2020

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Deutsche Oper am Rhein

Deutsche Oper am Rhein / Oper am Rhein fuer alle Opernhaus © Hans Joerg Michel - www.foto-drama.de

Deutsche Oper am Rhein / Oper am Rhein für alle Opernhaus © Hans Joerg Michel – www.foto-drama.de


Spielplan November 2020 Oper am Rhein


Dienstag, 03.11.
18.00 Uhr
Theater Duisburg
 
Montag, 07.12.
18.00 Uhr
Opernhaus Düsseldorf

Opernwerkstatt
Romeo und Julia

Schon einige Tage vor der Premiere stellen die Dramaturginnen und Dramaturgen der Deutschen Oper am Rhein die neuen Produktionen vor und geben Einblicke in den künstlerischen Arbeitsprozess. In Podiumsgesprächen sprechen Mitwirkende über das Werk, geben interessante Informationen über Hintergründe und künstlerische Zusammenhänge und stellen die Grundzüge der Inszenierung vor.


Freitag, 06.11.
19.30 Uhr
Theater Duisburg
 
Samstag, 19.12.
19.30 Uhr
Opernhaus Düsseldorf

PREMIERE
Romeo und Julia
von Boris Blacher

Während drinnen ein rauschender Ball die Gemüter erhitzt, treffen sich Romeo und Julia am Rande des Geschehens – und wissen sofort: Es ist Liebe auf den ersten Blick. Weil sie aber tödlich verfeindeten Familien angehören und Julia am nächsten Morgen eigentlich Paris heiraten soll, ist ihre Liebe zwar unsterblich, aber vor allem verboten. Das Schicksal nimmt seinen tragischen Lauf.

Boris Blacher hat 1943 mit seiner Vertonung der Tragödie William Shakespeares eine Kammeroper geschaffen, die in ihrer Ausgespartheit ein kleines Wunder ist. Er konzentrierte und verdichtete den Stoff auf seine Essenz: das Schicksal von Romeo und Julia. Eine tragende Rolle übernehmen dabei der Solistenchor sowie Chansons, die das Scheitern dieser großen Liebe immer wieder humorvoll und untergangstrunken brechen und kommentieren.

Regisseur Manuel Schmitt, der u.a. bereits bei den Opernfestspielen der Bayerischen Staatsoper, dem Staatstheater Nürnberg, dem Theater Trier und dem Musiktheater im Revier inszenierte, erarbeitet mit „Romeo und Julia“ erstmals eine Produktion für die Deutsche Oper am Rhein.


Samstag, 07.11.
18.00 Uhr
Opernhaus Düsseldorf

PREMIERE
Meister Pedros Puppenspiel
von Manuel de Falla

Drei Sängerinnen und Sänger, zwei Puppenspieler, ein Orchester und ein Live-Video: In dieser ungewöhnlichen Verbindung präsentiert die Deutsche Oper am Rhein Manuel de Fallas phantasievollen Operneinakter „Meister Pedros Puppenspiel“. Mit glutvollen spanischen Klängen hat de Falla ein Motiv aus Cervantes? „Don Quijote“ zum Leben erweckt: Dem berühmten Ritter von der traurigen Gestalt geht während einer Puppenspielaufführung dermaßen die Fantasie durch, dass er mit blanker Waffe die Bühne stürmt…

Die luftschlosshafte Wirklichkeit, die Don Quijote irgendwo zwischen Traum und Realität bewohnt, wird von Filmemacher Torge Möller (fettFilm), Ilaria Lanzino und dem Düsseldorfer Marionetten-Theater mit Live-Video in Szene gesetzt. Mit ihrer phantasievollen Umsetzung und einer Spieldauer von 45 Minuten eignet sie sich auch hervorragend für junge Besucher ab 6 Jahren.


Mittwoch, 11.11.
19.30 Uhr
Opernhaus Düsseldorf
 
Donnerstag, 19.11. 19.30 Uhr
Theater Duisburg

Chorkonzert
mit dem Chor der Deutschen Oper am Rhein

Unverzichtbar für die großen und kleineren Choropern im Repertoire der Deutschen Oper am Rhein, zeigt sich der Opernchor in dieser Spielzeit überraschend anders: Auf dem Programm der insgesamt vier Chorkonzerte in Duisburg und Düsseldorf stehen Johannes Brahms? „Schicksalslied“ op. 54, Strawinskys „Psalmensinfonie“, Edward Elgars „Lux Aeterna“ und Leonard Bernsteins mitreißende „Chichester Psalms“ in einer Kammerfassung für kleine Chor- und Instrumentalbesetzung.


Freitag, 13.11.
19.30 Uhr
Opernhaus Düsseldorf
 
Samstag, 21.11. und
Mittwoch, 02.12.
19.30 Uhr
Theater Duisburg

Rendezvous um halb 8
Ein musikalisches Blind Date

Ein Rendezvous mit Solistinnen und Solisten aus dem Ensemble der Deutschen Oper am Rhein erwartet die Besucher beim Blind Date im Düsseldorfer Opernhaus und im Theater Duisburg. Zu erleben ist ein moderiertes Programm, dessen Inhalt natürlich vorab nicht verraten wird.


Samstag, 14.11. 15.00 Uhr
Opernhaus Düsseldorf,
Rangfoyer

Meisterklasse Unter der Leitung von Helmut Deutsch

Fester Bestandteil des Opernstudio-Programms sind Meisterklassen bei international renommierten Künstlerinnen und Künstlern, die jeweils eine Woche lang täglich intensiv mit dem Opernstudio arbeiten und ihr Wissen an die junge Generation weitergeben. Erstmals ist in dieser Spielzeit Helmut Deutsch, einer der international renommiertesten Liedbegleiter, für eine Meisterklasse zu Gast beim Opernstudio der Deutschen Oper am Rhein. In den beliebten Meisterklasse-Konzerten kann das Publikum die Entwicklung der jungen Talente mitverfolgen und einen Einblick in die Arbeit des Opernstudios bekommen.


Sonntag, 15.11.
11.00 Uhr
Opernhaus Düsseldorf, Rangfoyer

Symphoniker im Foyer
Bei Schumanns

Auch in dieser Saison ergänzt die beliebte Kammermusikreihe der Düsseldorfer Symphoniker den Spielplan des Düsseldorfer Opernhauses wieder um ein erlesenes Angebot kammermusikalischer Ohrenfreuden. Zu erleben sind das Klavierquintett Es-Dur für 2 Violinen, Viola, Violoncello und Klavier op.44, sowie Lieder von Clara Schumann, Fanny Hensel, Pauline Viardot-García und weitere Werke von Schumann und Mendelssohn Bartholdy, interpretiert von Anna Harvey.


Samstag, 21.11.
18.00 Uhr
Opernhaus Düsseldorf
 
Donnerstag, 10.12.
18.00 Uhr
Theater Duisburg

Opernwerkstatt
Tristan und Isolde

Schon einige Tage vor der Premiere stellen die Dramaturginnen und Dramaturgen der Deutschen Oper am Rhein die neuen Produktionen vor und geben Einblicke in den künstlerischen Arbeitsprozess. In Podiumsgesprächen sprechen Mitwirkende über das Werk, geben interessante Informationen über Hintergründe und künstlerische Zusammenhänge und stellen die Grundzüge ihrer Inszenierung vor.

Der Eintritt ist frei, und es ist keine Anmeldung erforderlich.


Sonntag, 22.11.
11.00 Uhr
Opernhaus Düsseldorf
Rangfoyer

Liedmatinee Mit Bogdan Talo? und Stephen Harrison

In Liedmatineen präsentieren Ensemblemitglieder gemeinsam mit Pianistinnen und Pianisten im Foyer der Deutschen Oper am Rhein die aufregende musikalische Vielfalt der Liedkunst.


Donnerstag, 26.11.
19.30 Uhr
Theater Duisburg
PREMIERE

Vissi d’Arte – Eine Liebeserklärung an die Opernbühne

Die szenische Collage von Johannes Erath erzählt von der Wiedereroberung des Bühnenraums, von Spielarten der Nähe, Möglichkeiten des Bühnenkusses, Stolper­kanten der abständigen Bühnenhygiene, dem Zauber des ersten Tons. Zu Musik von Puccini, Verdi, Wagner, Strauss, Offenbach und Nat King Cole entwirft Johannes Erath mit Sänger*innen und Orchestermusiker*innen einen Abend über die große Liebe Oper.


Ballett am Rhein
Mittwoch, 04.11.
18.00 Uhr
Theater Duisburg

BALLETTWERKSTATT
Entfernte Verwandte
Ein Ballettabend mit Choreographien von Hans van Manen und Sharon Eyal

Schon einige Tage vor der Premiere stellen die Dramaturginnen und Dramaturgen des Ballett am Rhein das Programm vor und geben Einblicke in die künstlerische Arbeit im Probenprozess. Mitwirkende sprechen über die Choreographien, geben interessante Informationen über Hintergründe und künstlerische Zusammenhänge und stellen die Stücke vor.

Der Eintritt ist frei, und es ist keine Anmeldung erforderlich.


Freitag, 13.11.
19.30 Uhr
Theater Duisburg

Freitag, 20.11.
19.30 Uhr
Opernhaus Düsseldorf

PREMIERE Entfernte Verwandte

Ein Ballettabend mit Choreographien von Hans van Manen und Sharon Eyal

Die Arbeiten von Hans van Manen und Sharon Eyal würde man auf den ersten Blick nicht als blutsverwandt bezeichnen. Man muss einerseits genauer hinschauen, um das Gemeinsame und Verbindende zu sehen, und andererseits ein paar Schritte zurücktreten, Distanz einnehmen wie zu zwei Gemälden, die stilistisch unterschiedlich scheinen, aber auf unerklärliche Weise miteinander in Dialog treten, wenn man sie nebeneinander platziert. Die Verwandtschaft liegt in der Präzision, in der schneidenden Schärfe und der akkuraten, kompromisslosen Geste – für beide bleibt das klassische Ballett Kern und Bezugspunkt. Während van Manen über Jahrzehnte hinweg einen Stil etabliert hat, der in seiner Eleganz und Großzügigkeit nach der Weite der klassischen Linien sucht, begibt sich die israelische Choreographin Sharon Eyal ins Innere: mit ihrer unheimlich anmutenden Bewegungssprache aus grotesk verkrümmten, repetitiv disziplinierten Körpern baut sie Trancezustände, die uns in die Abgründe des Tanzes führen.

 

—| Pressemeldung Deutsche Oper am Rhein Düsseldorf |—

Boris Papandopulo – Rijeka – zwischen Tradition und Moderne, IOCO Portrait, 18.07.2020

Boris Papandopulo CD @ cpo - das exklusive Klassiklabel

Boris Papandopulo CD @ cpo – das exklusive Klassiklabel

Boris Papandopulo – Komponist zwischen Tradition und Moderne

Rijeka – Kulturhaupstadt  2020, ein Theaterjuwel, ein großer Komponist

von  Ljerka Oreskovic Herrmann

Vieles in diesem eigenartigen Jahr 2020 kann man getrost auf die Corona-Pandemie zurückzuführen: So auch, daß die beiden Kulturhauptstädte Europas, Galway in Irland und Rijeka in Kroatien, ihre Festivals absagen mussten. Beide Städte liegen am Wasser: Galway im Westen Irlands an der Galway Bay, Rijeka im nördlichen Teil der kroatischen Adria. Beide Städte haben eine wechselvolle Geschichte und hatten ein ambitioniertes Programm am Jahresanfang 2020 vorgestellt – doch dann kam eine andere „Welle“, die nicht nur dort zum Stillstand führte. Übrigens steht die neue Kulturhauptstadt für das Jahr 2021 bereits fest: Parma; angesichts des gebeutelten Nordens Italiens keine schlechte Wahl. Nach Galway muss man fliegen, nach Rijeka ist eine Autofahrt möglich. Und nach Rijeka – im Italienischen heißt die Stadt Fiume, was ebenso wie im Kroatischen einfach „Fluss“ bedeutet – haben sich Oliver Triendl und Dan Zhu 2016 aufgemacht. Dort im Theater HNK Ivan pl. Zajc (dem Kroatischen Nationaltheater) nahm cpo das Klavierkonzert Nr. 3 und das Violinkonzert op. 125 von Boris Papandopulo auf.

cpo  CD 5892046  –  Papandopulo – Klavierkonzert Nr 3 – Violin Konzert

Boris Papandopulo © Boris Papandopulo

Boris Papandopulo © Boris Papandopulo

Das Musik-Label cpo hat sich einen Namen mit „Neu- oder Wieder-Entdeckungen“ gemacht – dazu gehört auch die Veröffentlichungen von CDs mit Werken des kroatischen Komponisten Boris Papandopulo. „Wer bitte soll das sein, Papandopulo?„, mag sich der eine oder andere Leser fragen. Die Antwort: Papandopulo war der bedeutendste Komponist des 20. Jahrhunderts in Kroatien – und vor der Staatsgründung 1991/92 war er das auch im damaligen Jugoslawien. Dies markiert gleichsam auch seine Epoche. Das Leben von Boris Papandopulo (*1906 Bad Honnef – 1991 Zagreb) umfasst nicht nur historisch nicht mehr bestehende Staaten und Kaiserreiche, es bildet zugleich eine ungewöhnliche europäische Biographie ab.

Boris Papandopulo – ein stilistisches Chamäleon

An einem Ort, Zagreb, in dem der Komponist als Intendant und Dirigent noch 1959 engagiert war, in diese Zeit fiel wohl auch die Komposition des Klavierkonzerts. Seine Uraufführung erlebte es allerdings erst 1961 bei der ersten Zagreber Biennale (Music Biennale Zagreb), einem bis heute wichtigen Festival für zeitgenössische Musik. Papandopulos Wirkungsstätte in der Hafenstadt statten Giacomo Puccini und Pietro Mascagni, der seine Oper Il piccolo Marat sogar selbst dirigierte, einen Besuch ab. 1898 hatte der damals noch nicht in aller Welt gefeierte Tenor Enrico Caruso einen Gastauftritt, 1941 auch der nicht minder berühmte Beniamino Gigli. Das Theater kann mit architektonischen und künstlerischen Kostbarkeiten aufwarten: Konzipiert wurde es als Nachfolgebau von den Wiener Theater-Architekten Hermann Helmer und Ferdinand Fellner, das Decken- sowie die Wandgemälde (Foto unten) stammen von Ernst und Gustav Klimt und ihrem Künstlerfreund Franz Matsch – übrigens eine der ersten Arbeiten, die Gustav Klimt nach seinem Studium an der Kunstakademie schuf.

Kroatisches Nationaltheater Rijeka @ Matsch _ Klimt Medaillons in der Deckenkuppel @ HNK IVAN pl ZAJC

Kroatisches Nationaltheater Rijeka @ Matsch _ Klimt Medaillons in der Deckenkuppel @ HNK IVAN pl ZAJC

Auf der Suche nach der Partitur

Stellen diese Gemälde einen künstlerischen Aufbruch in die Moderne dar, so lässt sich Boris  Papandopulos Musik als ein Brückenschlag zwischen der herbeigesehnten neuen Epoche Ende des 19. Jahrhunderts und den musikalischen Strömungen nach dem 2. Weltkrieg verorten. Die Freude am Spiel mit den Stilen und Möglichkeiten zeichnen seine Musik aus. Und noch etwas ist für ihn „typisch“: Sein Humor war sprichwörtlich, im Leben wie in der Musik, und er war ein großzügiger Mensch; seine autographischen Arbeiten verteilte er oftmals, ohne sie jemals zurückzufordern, so dass sich nicht eindeutig bestimmen lässt, welchen Umfang sein Werk tatsächlich umfasst. Für das Klavierkonzert Nr. 3 erforderte das eine Rekonstruktion, denn bis heute bleibt die autographe Partitur unauffindbar; der Solist der Uraufführung, Stjepan Radic, besaß aber die Klavierstimme und zusammen mit dem Orchestermaterial gelang vor mehr als einem Jahrzehnt die Wiedereinrichtung der Partitur. Dank dieser Arbeit ist es möglich geworden, das Klavierkonzert wieder auf die Konzertbühnen zu bringen, und auch der Pianist dieser Aufnahme, Oliver Triendl sowie das ihn begleitende Orchester des Staatstheaters Rijeka konnten darauf zurückgreifen.

Vom dekadenten Produkt zur wirklichen Musik

In seinem Roman Der Lärm der Zeit beschreibt Julian Barnes wie Dmitri Schostakowitsch seine Musik immer wieder Vorwürfen von Stalin und der Partei ausgesetzt sah: „Er sei vom wahren Weg eines sowjetischen Komponisten abgewichen, von den großen Themen und zeitgemäßen Bildern. Er habe den Kontakt zu den Massen verloren und nur einer dünnen Schicht von überfeinerten Musikern gefallen wollen.“ Spiegelbildlich verhielt es sich mit Papandopulo und seinem dritten Klavierkonzert, das als nicht „zeitgemäß“ bewertet wurde: Jazz galt im damaligen Kroatien und ganz Jugoslawien eher als eine für die Massen bestimmte „Unterhaltungsmusik“, die nichts in der „ernsten“ Musik verloren hatte. Zudem symbolisierte sie ein „westliches dekadentes Produkt“, das erst nach Titos Bruch mit Stalin 1948 nur langsam Eingang in die Konzertsäle fand. Papandopulo hat sich selbst nicht für Weltanschauungen oder akademische Gepflogenheiten besonders interessiert, nahm dagegen jede musikalische Richtung und Entwicklung mit „offenen Ohren“ auf und hielt beharrlich an seinen kompositorischen Vorstellungen fest. „Was konnte man dem Lärm der Zeit entgegensetzen? Nur die Musik, die wir in uns tragen – die Musik unseres Seins –, die von einigen in wirkliche Musik verwandelt wird.“ So jedenfalls lässt Barnes seinen Protagonisten Schostakowitsch es sagen – Papandopulo hätte ihm ohne Zweifel beigepflichtet, hat sich aber im Gegensatz zu diesem seinen Optimismus immer bewahrt.

Zwischen allen Stühlen

Kroatisches Nationakltheater Rijeka @ Matsch - Klimt Medaillons in der Deckenkuppel @ HNK IVAN pl ZAJC

Kroatisches Nationakltheater Rijeka @ Matsch – Klimt Medaillons in der Deckenkuppel @ HNK IVAN pl ZAJC

Der vielgeschmähte Jazz, den Papandopulo ungeachtet aller Kritik einsetzte, erinnert (vielleicht nicht ohne Hintersinn) stellenweise an amerikanische Zeichentrickfilme, die genauso in die Kategorie verpönter westlich, dekadent-überkommener Lebensart fielen. Übrigens: Kein geringerer als Leopold Stokowski hat mit dem Philadelphia Orchestra für Walt Disneys 1940 entstandenen Zeichentrickfilm Fantasia die Musik eingespielt – von Bach und Beethoven bis hin zu Mussorgski und Strawinsky wird die klassische Musik geradezu zelebriert. Vielleicht schwebte Papandopulo ein ähnliches Feuerwerk an Stil- und Musikrichtungen für sein Klavierkonzert vor. Neben der jazzigen Grundstimmung lassen sich Anspielungen auf Folklore – Franz Liszts’ Fantasie über ungarische Volkslieder könnte Pate gestanden haben –, den Impressionismus und sogar eine Zwölftonreihe ausmachen. Kernmerkmal bleibt aber trotz lyrischer Momente im Mittelteil der Jazz, den Papandopulo damals intensiv und ausgiebig im Radio hörte, was das Konzert mit seinem großartigen und meisterhaften Klavierpart in die Nähe von George Gershwins und Leonard Bernsteins Werke rückt.

Oliver Triendl, Dirigent Rijeka Opera Symphony Orchestra © Christine Tröger

Oliver Triendl, Dirigent Rijeka Opera Symphony Orchestra © Christine Tröger

Oliver Triendl beschreibt Papandopulo als „stilistisches Chamäleon“ und führt weiter aus: „Seine Musik befindet sich ein wenig zwischen allen Stühlen, scheint von vielen Komponisten beeinflusst, findet aber trotzdem eine ganz eigene Sprache, die auch Elemente des Jazz oder Pop nicht meidet. Die Stücke sind sehr effektvoll geschrieben – durchaus anspruchsvoll, aber nicht ‚gegen‘ das Instrument.“ Und Triendl macht es sichtlich Vergnügen diese Musik zum Klingen zu bringen, ihre Entstehungszeit mitschwingen und sie jung und frisch wirken zu lassen. Seine gelungene Darbietung, die große Vertrautheit mit Papandopulos Klavierwerk (das zweite Klavierkonzert hat er ebenfalls eingespielt), zeichnen seine erstrangigen Interpretationen aus: schnörkellos, „mit“ dem Instrument, brillant-klar, einnehmend und „effektvoll“ jedoch ohne Effekthascherei.

Mit Schwung

Auch das Konzert für Violine und Orchester op. 125 weist eine Verbindung zur Küstenstadt Rijeka auf. Papandopulo dirigierte das Opernorchester, als 1969 erst zum zweiten Mal und ein Vierteljahrhundert nach der Uraufführung in Zagreb – die Partitur war in Berlin verlegt worden und verblieb dort – das Violinkonzert gegeben wurde. Papandopulo orientierte sich an Vorbildern aus der spätromantischen Zeit, worauf die Sonatenform des ersten Satzes verweist. Doch nicht nur die Romantik wird beschworen, auch Bach, dem er später eine kompositorische Hommage widmen wird, steht am Anfang des Satzes mit einem choralartigen Prolog die Johannes-Passion evozierend; es folgen, wiederum charakteristisch für den Komponisten, Volksmusik und ein rhythmisch (fast wie ein Militärmarsch) geprägter Teil. Der zweite Satz ist elegischer, das Zusammenspiel von Orchester und Geige überaus erhaben und spannungsreich gestaltet, wobei dem Solisten die Gelegenheit geboten wird, die „subtile melodische Substanz optimal auszugestalten“; Dan Zhu zeigt dabei sein ganzes technisches Können, seine Feinfühligkeit und Virtuosität. Zu Recht zählt er heute zu den international wichtigsten Musikern aus China. Rondoartig mit Schwung und Energie lässt Papandopulo den dritten Satz ausklingen – erneut dringt sein ansteckender Optimismus musikalisch durch. Unter der Leitung des finnischen Dirigenten Ville Matvejeff  spielte das Opernorchester die beiden Konzerte für diese Aufnahme ein. Mittlerweile gehört der international erfolgreiche Dirigent, Pianist und Komponist zum Main Guest Conductor des HNK Ivan pl. Zajc Rijeka und wird dort mit der Auftaktveranstaltung – Ville Matvejeff and Friends – ein eigenes Kammermusik-Festival ins Leben rufen. Zu hoffen bleibt, dass es im September 2020  tatsächlich stattfinden kann.

Reisen bedeutet nicht unbedingt nur, sich von A nach B zu fortzubewegen, es kann gleichwohl ein zeitliches Aufmachen bedeuten, und wer diese Form der – zugeben – eher geistigen Positionsänderung schätzt, dem sei die CD empfohlen – sie ist eine Reise in die unerschöpfliche Welt der Musik, die immer wieder von Neuem gestartet werden kann.

Kroatisches Nationaltheater Ivan pl Zajc in Rijeka @ Theatre of Ivan pl. Zajc, Rijeka / Djoko

Das malerische Kroatische Nationaltheater Ivan pl Zajc in Rijeka @ Theatre of Ivan pl. Zajc, Rijeka / Djoko

Ivan pl. Zajc –   Kroatisches Nationaltheater in Rijeka / Fiume

ein Theaterjuwel – mitgestaltet von Gustav und Ernst Klimt, Franz Matsch

Rijeka, Fiume – zwei Namen und doch dieselbe Stadt, die an der Flussmündung Rijecina liegt und den Stadtnamen begründet. Eine Hafenstadt, von vielen Herrschern begehrt – die Geschichte bezeugt es nachdrücklich. Aber es gibt auch die schönen Seiten der Historie, so z.B. das Theater Ivan pl. Zajc. Der etwas ungewöhnlich anmutende Name geht auf den Komponisten Ivan pl. Zajc (pl. steht für „adelig“) – auch Giovanni von Zaytz genannt – zurück. Er wurde 1832 in der Stadt geboren und gilt als prägende Gestalt des dortigen Musiktheaters. Zajc fühlte sich zeitlebens seiner Heimatstadt verbunden und dirigierte – im wahrhaftigsten Wortsinn schließlich erwarb er sich als Dirigent große Meriten – das Musikleben nicht nur in Rijeka, sondern über vierzig Jahre in ganz Kroatien. Er war zudem ein „echtes“ k.u.k.-Gemisch: Sein Vater, Jan Nepomuk kam aus Bratislava, war jedoch Tscheche, seine Mutter, Anna Bodensteiner, Deutsche. Zajc studierte in Italien und begeisterte sich nach seiner Rückkehr (1855) für die illyrische Bewegung, die im 19. Jahrhundert mehr Mitbestimmung oder vielmehr die Befreiung der südslawischen Bevölkerung forderte. Nichtsdestotrotz feierte er gerade in Wien, wo er von 1862 bis 1870 lebte, mit seinem unverwechselbaren musikalischen Stil – insbesondere mit den beiden Operetten Der Junge auf dem Boot  (1863) und Die Hexe von Boisy (1886) – außerordentliche Erfolge; eine internationale Karriere schien vorprogrammiert. Doch er verzichtete darauf und ließ sich in Zagreb dauerhaft nieder. Das Ende des 1. Weltkriegs und damit den Zerfall des Vielvölkerstaats Österreich-Ungarn erlebte er allerdings nicht mehr. Zajc starb im Dezember 1914, Kaiser Franz Joseph I. im November 1916 und zwei Jahre später war die vielgeschmähte Doppelmonarchie tatsächlich Geschichte. (Als es sie nicht mehr gab, stellte sich für nicht wenige Wehmut ein, ein Phantomschmerz über das zerbrochene k.u.k. Kulturkonglomerat wurde künstlerisch überhöht und verarbeitet, doch letztendlich bildet es bis heute eine gemeinsame kulturelle Klammer für die Nachfolgestaaten.)

In Sankt Veit am Flaum – so hieß die Stadt auf Deutsch – wurde 1765 das erste Theater errichtet, dieses aber bald von einem erweiterten Bau 1805 abgelöst, das der Kaufmann und prominenter Bürger der Stadt Andrija Ljudevit Adamic finanzierte und seinen Namen lieh: das Theater Adamic. Nachdem es in den1880er Jahren europaweit mehrere Theaterbrände gegeben hatte, beschlossen die Stadtoberen unter der Federführung von Bürgermeister Giovanni Clotto, Adamics Enkel, einen Neubau, der den modernen Anforderungen und Ansprüchen des innovativen 19. Jahrhunderts entsprechen sollte. Dafür verpflichteten sie das renommierte Wiener Architektenduo Hermann Helmer und Ferdinand Fellner, die als Theaterarchitekten weit über die k.u.k.-Grenzen enormes Ansehen genossen. In Wiesbaden kann eines ihrer Theater-Bauwerke besichtigt werden: das heute als Staatstheater der hessischen Landeshauptstadt firmierende Dreispartenhaus. Doch zurück nach Rijeka, wo das neue Theatergebäude (außen Neorenaissance, innen Neobarock) 1885 als „Teatro comunale“ eingeweiht wurde. Zur Eröffnung wurden Giuseppe Verdis Oper Aida und Amilcare Ponchiellis La Gioconda gegeben – zwei Werke, die bis dahin noch nicht in Rijeka zu erleben waren. 1913 wurde das Haus in Teatro comunale Giuseppe Verdi umbenannt. 1953 folgte die letzte Namensänderung – das nach Zajc benannte Staatstheater. Er fungierte nicht einfach nur als Verdi-Ersatz, die Namensänderung durfte, neben der zentralen politischen Dimension der Entscheidung aufgrund der verheerenden Kriegszeit, gleichwohl als Reverenz an den großen Sohn der Stadt verstanden werden. Und zudem hatte sich kein geringerer als Zajc um das Opernwerk seine Komponistenkollegen besondere Verdienste erworben.1857 dirigierte er dort Verdis Nabucco, weitere Verdi-Opern sollten folgen. Mit seinen 700 Plätzen zählt „sein“ Theater bis heute zu einem der schönsten Häuser in Europa.

Kroatisches Nationakltheater Rijeka @ Matsch - Klimt Medaillons in der Deckenkuppel @ HNK IVAN pl ZAJC

Kroatisches Nationakltheater Rijeka @ Matsch – Klimt Medaillons in der Deckenkuppel @ HNK IVAN pl ZAJC

Das neue, aufsehenerregende Gebäude glänzte mit künstlerischen Kostbarkeiten: Die figürlichen und ornamentalen Arbeiten erschuf der venezianische Bildhauer Augusto Benvenuti, die Decken- und Seitengemälde (auf dem Proszenium) stammen von Franz Matsch in Zusammenarbeit mit Gustav und Ernst Klimt. Unter dem Namen Künstler-Compagnie bildeten die drei etwa ab 1879 eine Arbeitsgemeinschaft, die gemeinsam Decken- und Wandbilder ausführte – neben denen bereits erwähnten in Rijeka auch in den Theatern von Karlovy Vary (Karlsbad) und Liberec (Reichenberg). Der Tod von Ernst Klimt 1892 setzte der Künstlergemeinschaft ein Ende, acht Jahre später kam es zum endgültigen Bruch zwischen Gustav Klimt und Franz Matsch. Ihre gemeinsamen Werke sind aber bis heute in Rijeka zu bewundern. Die Decke über dem Zuschauerraum zeigt sechs Medaillons-Gemälde, deren Bezeichnungen die Geschichte der Musik und des Theaters versinnbildlichen: Von der „Konzert- und Kriegsmusik“, der „religiösen Musik“ bis hin zur „Operette“, dem „Tanz“, und natürlich der „Liebe“ sind alle Themen abgedeckt, die in einem Theater präsentiert werden; nicht nur Poetisches und Schönes, Wahres und Gutes, sondern auch Feindschaft und Gewalt, Intrige und Verrat – kurzum Komödie und Dramatik. Und Drama wird neben Oper, Ballett und Schauspiel in einer weiteren Sparte geboten: dem Sprechtheater auf Italienisch. Die italienische Bevölkerungsgruppe umfasst etwa zwei Prozent der 130.000 Menschen zählenden Stadt Rijeka, doch sehr viel mehr beherrschen die italienische Sprache – Italien liegt ja schließlich auf der anderen Adriaseite und Venedig ist nur 167 km Luftlinie entfernt. Das Theater in Rijeka erweist sich als ein Ort, in dem sich Geschichte und Kultur bündelt, als Bewahrer des Alten und Schöpfer von neuen Geschichten ist es bis heute ein kreativer Mittelpunkt der Stadt geblieben.

—| IOCO CD-Rezension |—

Karlsruhe, Badisches Staatstheater, GMD Justin Brown verabschiedet sich – Musikalisch, IOCO Aktuell, 04.07.2020

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Badisches Staatstheater Karlsruhe

 

Badisches Staatstheater Karlsruhe © Jochen Klenk

Badisches Staatstheater Karlsruhe © Jochen Klenk

Generalmusikdirektor Justin Brown lädt ein

Musikalische Höhepunkte zum Abschied und zur Wiederkehr

„Annäherung an Karlsruhe, Annäherung an das Amt des Generalmusikdirektors eines traditionsreichen Orchesters und Theaters – wer alles vor mir hat diesen spannenden Weg des Kennenlernens in der langen Geschichte von BADISCHER STAATSKAPELLE und BADISCHEM STAATSTHEATER schon erleben dürfen!“, begeisterte sich im Mai 2020 der designierte Generalmusikdirektor Georg Fritzsch, Nachfolger des langjährigen GMD Justin Brown  bei der Vorstellung der Konzertsaison 2020/21 in Karlsruhe.

 Badische Staatskapelle / GMD Jusitn Brown verabschiedet sich musikalisch © Badische Staatskapelle / Arno Kohlem

Badische Staatskapelle / GMD Jusitn Brown verabschiedet sich musikalisch © Badische Staatskapelle / Arno Kohlem

GMD Justin Bown verabschiedet sich – 12 Jahre Karlsruhe enden …

Klavier mit Flöte, Horn, Klarinette oder Bassklarinette und natürlich solistisch: Zum Abschied von Karlsruhe setzte sich GMD Justin Brown an den Flügel, um gemeinsam mit einigen seiner Kammermusikpartner*innen zu musizieren. Es erklangen Werke von Paul Dukas (Villanelle), Paul Hindemith (Sonate für Flöte und Klavier), Francis Poulenc (Sonate pour Clarinette), Igor Strawinsky (Sonate pour Piano), Jules Semler-Collery (Legende et Divertissement) und Florent Schmitt (Sonatine en Trio op. 85). Tamar Romach spielte Flöte, Frank Nebl Klarinette, Leonie Gerlach Bassklarinette und Dominik Zinsstag Horn.

„Kammermusik mit den hervorragenden Musiker*innen der STAATSKAPELLE zu spielen hat mir seit zwölf Jahren immer erneut große Freude bereitet. Dieses letzte Kammerkonzert hat daher einen gewissen bittersüßen Geschmack hinterlassen. Dafür freue ich mich umso mehr auf das kommende Wochenende mit Mahler, sowie auf meine eigentlichen Abschiedskonzerte im März 2021 mit Werken von Mozart und Beethoven“, so Brown.

Generalintendant Peter Spuhler betonte: „Mit großer Dankbarkeit blicke ich auf die zahlreichen musikalischen Sternstunden zurück, die Generalmusikdirektor Justin Brown dem STAATSTHEATER und seinem Publikum bescherte. Seine Wiederkehr ins GROSSE HAUS in der nächsten Spielzeit, in der wir ihn gebührend verabschieden werden, ist uns allen sehr wichtig.“

Generalmusikdirektor Justin Brown steht aktuell zu mehreren Anlässen im Mittelpunkt des Karlsruher Sonderfahrplans: Am 5. Juli erklingt Mahlers Sinfonie Nr. 4 G-Dur im GROSSEN HAUS. Für Sopran und Ensemble arrangiert bringen Musiker*innen der BADISCHEN STAATSKAPELLE zusammen mit Sopranistin Uliana Alexyuk unter der Leitung des GMD diese Sinfonie, die im 6. Sinfoniekonzert in der Originalfassung hätte erklingen sollen, auf die Bühne. Am 28. Juni feiert die Erfolgsproduktion Wahnfried am Uraufführungsort online eine Streaming-Premiere und wird als Public Viewing mit einer Live-Einführung von Generalintendant Peter Spuhler und GMD Justin Brown im GROSSEN HAUS übertragen.  Virtuell musizieren in einem großangelegten Filmprojekt die STAATSKAPELLE, STAATSOPERNCHOR und Mitglieder der OPER unter der Leitung von Justin Brown Beethovens Chorfantasie, die am 11. Juli online auf den Kanälen des STAATSTHEATERS Premiere feiert. In der Spielzeit 20/21 wird Justin Brown am 7. und 8. März mit Wolfgang Amadeus Mozarts Klavierkonzert Nr. 24 c-Moll und Ludwig van Beethovens Sinfonie Nr. 3 Es-Dur op. 55, Eroica, sein Abschiedskonzert am STAATSTHEATER geben. Außerdem wird Brown die Musikalische Leitung der Neuproduktion Wozzeck übernehmen (Premiere 26.6.21).

Der Brite Justin Brown studierte an der Cambridge University sowie in Tanglewood bei Seiji Ozawa und Leonard Bernstein und debütierte mit der britischen Erstaufführung von Bernsteins Mass. Er leitete Uraufführungen und dirigierte wichtige Werke bedeutender Zeitgenossen wie Luciano Berio, Elliott Carter oder George Crumb. Gastengagements führten ihn an so renommierte Opernhäuser wie Lissabon, Genf und Frankfurt am Main sowie zur Uraufführung von Elena Langers Figaro Gets A Divorce an die Welsh National Opera.

Die Badische Staatskapelle packt aus: Sandor Szabo stellt die Posaune vor
youtube Video Badische Staatskapelle – Badisches Staatstheater
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2008 wurde er Generalmusikdirektor des STAATSTHEATERS KARLSRUHE, wo er vor allem für seine Dirigate von Wagners Ring sowie der Werke Berlioz’ und Verdis gefeiert wird. Insgesamt setzte er mit einem breiten Opernrepertoire, unter anderem mit einem     vollständigen Wagner-Zyklus und dem Auftragswerk Wahnfried von Avner Dorman Akzente. Unter seiner Leitung entstehen facettenreiche Konzertspielpläne, für die er und sein Team 2012 /13 die Auszeichnung „Bestes Konzertprogramm“ erhielten.

In der Spielzeit 2019/20 dirigierte Brown zwei Sinfoniekonzerte sowie die Wiederaufnahmen Das schlaue Füchslein von Leoš Janácek und Richard Wagners Tristan und Isolde. Mit dem Ende der Saison verabschiedet sich Brown nach zwölf Jahren als Generalmusikdirektor von seiner STAATSKAPELLE, dem STAATSTHEATER und dem Karlsruher Publikum um dann in der kommenden Spielzeit für sein großes Abschiedskonzert im März wiederzukehren und für Musiktheaterproduktion Wozzeck von Alban Berg am Pult zu stehen. In der langen Geschichte der STAATSKAPELLE ist Brown der Generalmusikdirektor, der sie mit seinen zwölf Jahren Amtszeit am längsten leitete.

Als eines der ältesten Orchester der Welt kann die BADISCHE STAATSKAPELLE auf eine überaus reiche und gleichzeitig gegenwärtige Tradition zurückblicken. 1662 als Hofkapelle des damals noch in Durlach residierenden badischen Fürstenhofes gegründet, entwickelte sich aus dieser Keimzelle ein Klangkörper mit großer nationaler und internationaler Ausstrahlung.

—| IOCO Aktuell Badisches Staatstheater Karlsruhe |—

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