Meiningen, Meininger Staatstheater, ERÖFFNUNG DER SPIELZEIT MIT ZWEI MATINEEN, 15.09.2019

Meininger Staatstheater 

Meininger Staatstheater © Marie Liebig

Meininger Staatstheater © Marie Liebig

VORHANG AUF – LICHT AN!

ERÖFFNUNG DER SPIELZEIT MIT ZWEI MATINEEN

MATINEE ZUR ERÖFFNUNG DER SPIELZEIT : Sonntag, 15. September 2019, 11.00 Uhr, Großes Haus & 14.30 Uhr, Kammerspiele für Kinder (Eintritt jeweils frei)

Was steht in dieser Saison auf dem Programm? Was sollten Sie auf keinen Fall verpassen? – Gleich zu Beginn sollten Sie schon mal die Matineen zum Saisonauftakt nicht verpassen!

Am Vormittag gehen die Lichter im Großen Haus an und werfen Spotlights auf Höhepunkte des Spielplans von Schauspiel, Musiktheater, Konzert und Ballett. Das Moderationsduo Corinna Jarosch und Tobias Rott präsentiert Ausschnitte aus den kommenden Produktionen und stellt neue Gesichter und Stimmen vor. Markieren Sie sich dabei am besten gleich im Kalender, wann Sie unbedingt ins Theater müssen – und stellen Sie sich darauf ein, dass wenig Zeit für andere Hobbies bleibt! Wir haben ein wunderbares, reichhaltiges Programm für Sie und freuen uns auf spannende, unterhaltsame und aufregende Theaterabende mit Ihnen!

Meininger Staatstheater/ Meininger Saal © Marie Liebig

Meininger Staatstheater/ Meininger Saal © Marie Liebig

Nach einer kleinen Stärkung, haben Sie Gelegenheit, einen Blick hinter die Kulissen zu werfen. Mitarbeiter*innen des Theaters führen durch das Haus und plaudern aus dem Nähkästchen und verraten so manchen Kniff aus der Theater-Trickkiste.

Am Nachmittag stellen dann Künstler des Meininger Staatstheaters in den Kammerspielen die neue Saison für Kinder von 3 bis 10 Jahren und Familien vor. In einer 1-stündigen Veranstaltung präsentieren das Puppentheater, die Junge Musik, das Musiktheater und das Junge Theater ihre neuen Produktionen. Die Neugier auf Geschichten wie RÄUBER HOTZENPLOTZ, musikalische Märchen wie PETER UND DER WOLF, Kinderopern wie GOLD! und Kinderkonzerte wie MIT CLARA UNTERWEGS soll geweckt werden.

Der Harlekin, der Pinguin und die Theatermaus, bereits besten bekannt, begrüßen die Kinder und Familien, laden zum Zuhören, Zuschauen, Basteln und Kakao-und Kaffeetrinken ein und dies alles ohne Reservierung und Eintrittskarten. Organisiert und moderiert wird das Programm von Gabriela Gillert und Susanne Tenner-Ketzer.

Um 16.00 Uhr geht es dann in den Kammerspielen auch schon mit der ersten Premiere los. Im Familienkonzert MIT CLARA UNTERWEGS steht der 200. Geburtstag der großartigen Komponistin Clara Schumann im Mittelpunkt für Kinder ab 6 Jahren. Karten dafür sind an der Theaterkasse erhältlich.

—| Pressemeldung Meininger Staatstheater |—

Mannheim, Nationaltheater Mannheim, Die Liebe zu den drei Orangen – Sergej Prokofjiew, IOCO Kritik, 02.03,2019

Nationaltheater Mannheim

Nationaltheater Mannheim

Nationaltheater Mannheim © Hans Jörg Michel

Nationaltheater Mannheim © Hans Jörg Michel

Die Liebe zu drei Orangen  – Sergei Prokofiew

– Ein Puppenspieler und andere fantastische Gestalten –

 von Uschi Reifenberg

Bühne frei für Sergei Prokofiews satirische Märchenoper Die Liebe zu drei Orangen, zur Zeit eine der originellsten Produktionen am Mannheimer Nationaltheater. Mit der Wiederaufnahme aus dem Jahr 2014 in der Inszenierung der fabelhaften Cordula Däuper, besitzt das Nationaltheater einen langjährigen Publikumsrenner in seinem umfangreichen Repertoire.

Sergei Prokofiews märchenhaftes Werk strotzt vor überraschendem Witz und skurrilen Charakteren. Parodie, Ironie und Groteske treffen auf Fantastisches, Komisches und Irreales und verschmelzen zu einem vielschichtigen und symbolhaften Spektakel, das gleichzeitig einen theaterästhetischen Diskurs thematisiert.

Die Oper geht zurück auf eine Fabel aus der Märchensammlung Pentamerone von Giambattista  Basile aus dem Jahr 1635, die hundert Jahre später der Dichter Carlo Gozzi aufgriff und daraus eine Komödie im Stil der Commedia dell’arte schuf.

Die Liebe zu den drei Orangen  –  Sergej Prokofjiew
Youtube Trailer des Nationaltheater Mannheim
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Gozzi wollte die Commedia  dell’arte, die in der Renaissance Ihre Blütezeit erlebte, vor dem Verfall retten, im Gegensatz zu seinem Widersacher Carlo Goldoni, der einen natürlichen bzw naturalistischen Theaterstil einforderte. Mit Gozzi und Goldoni trafen zwei unterschiedliche Positionen aufeinander, zum einen das improvisierte Masken- und Typentheater, zum anderen eine „an den Gedanken der Aufklärung orientierte realistische Wirklichkeitsreflexion“ (Programmheft).

1913 knüpfte der bedeutende russische Regisseur Wsewolod Meyerhold, einer der wichtigsten Vertreter des revolutionären russischen Theaters an Gozzis Ideen vom Theater aus dem Geist der Commedia dell’arte an und arbeitete dessen Stück Die Liebe zu den drei Orangen zu einem szenischen Divertissement um. Meyerhold beeinflusste mit seinen Thesen eines  antinaturalistischen Theaters beispielsweise auch Bertold Brecht, Erwin Piscator, Jerzy Grotowski oder Luigi Pirandello.

Der Komponist Sergei Prokofiew, als Musiker immer am Puls der Zeit, begegnete 1917 Meyerhold und beschloss, aus besagtem Stück eine Oper zu schaffen. Als Avantgardist wandte er sich bewusst gegen die Opernkonventionen des späten 19. Jahrhunderts mit ihrer Mystik und ihrem romantischen Pathos Wagnerscher Prägung. Die Liebe zu drei Orangen reizte Prokofiew nicht nur aufgrund seiner Mischung aus Scherz und Satire, sondern auch „wegen seiner szenischen Wirksamkeit“ (Prokofiew).

Nationaltheater Mannheim / Die Liebe zu den drei Orangen © Hans Joerg Michel

Nationaltheater Mannheim / Die Liebe zu den drei Orangen © Hans Joerg Michel

1918 verließ Prokofiew nach der Oktoberrevolution Russland und reiste in die USA, wo er von der Chicagoer Oper den Auftrag erhielt, ein Werk zu komponieren. Er bearbeitete Meyerholds Text als Libretto, versah es mit Bühnenanweisungen und beendete die Komposition 1919. Zwei Jahre später erfolgte die Uraufführung an der Oper Chicago mit großem Erfolg und läutete damit auch einen Richtungswechsel des modernen Musiktheaters ein.

Träger der märchenhaften Musikkomödie ist das farbenreiche Orchester, welches jede szenische Aktion bis ins feinste Detail hörbar macht. In atemlosen Tempo wechseln rhythmische, instrumentale und harmonische Einfälle. Dissonanzen und bohrende Motorik, spezielle Klangeffekte, filmmusikartige Schnitte, bizarre Charakterisierungen und leitmotivische Floskeln sorgen für Hochspannung. Auf Arien oder Ensembles wird bewusst verzichtet zugunsten eines deklamatorischen Gesangstils.

Der Verschmelzung von Surrealem und Realem sowie dem Ineinandergreifen der verschiedenen Schichten entsprechen die drei verwobenen Handlungsebenen der Oper, nämlich die Personen aus dem Märchen (Prinz, Truffaldino...), die der unterirdischen Mächte (Zauberer)  und die der Sonderlinge. Das sind die widerstreitenden Fraktionen, von denen jeder die eigene Vorliebe auf dem Theater verwirklicht sehen möchte, die Tragiker, die Komiker, die Lyriker, die Hohlköpfe, allesamt vom Komponisten geistreich karikiert.

Die Vermischung der Grenze zwischen Bühne und Zuschauerraum wird bereits vor Beginn des eigentlichen Stückes erfahrbar, wenn sich schwarz gekleidete Akteure auf der offenen Bühne einfinden und das Theaterpublikum spiegeln.

Bühnenbildner Ralf Zeger hat das Halbrund eines Amphitheaters geschaffen mit ansteigenden Treppensitzen, in dessen manegenartiger Mitte ein kleines Puppentheater steht. Der Chor, bzw das Publikum nimmt nach und nach auf den Stufen Platz und separiert sich in die erwähnten fünf Fraktionen, die immer wieder in das Geschehen eingreifen, kommentieren oder je nach Handlungsverlauf ihre eigenen Interessen einfordern.

Regisseurin Cordula Däuper beeindruckt mit einem Feuerwerk an Ideen, Puppentheater, Märchenspiel, Zirkusnummer, Commedia dell‘arte, alles gewürzt mit viel Situationskomik. Punktgenau werden die Figuren geführt, die unterschiedlichen Ebenen der Handlung präzise herausgearbeitet. Däuper bereichert ihre kunstvolle Inszenierung durch die eingefügte Figur des Puppenspielers, der alle Puppen auch selbst angefertigt hat und sie bespielt, sowohl die menschenähnlichen Marionetten als auch die riesige furchteinflössende Monsterpuppe der Zauberin Fata Morgana, die nebelumwabert, mit blutroten Glutaugen und riesigen Schaufelhänden für Gruseleffekte sorgt. Ein genialer Kunstgriff ist, einige Sänger durch Puppen zu verdoppeln, was einerseits Distanz schafft, aber auch die Gleichzeitigkeit verschiedener Bedeutungsebenen erlaubt. Das geschieht immer in perfekter Kongruenz mit den musikalischen Abläufen.

Der Puppenspieler kündigt die Aufführung von Goethes Faust an, beginnend mit dem „Vorspiel auf dem Theater“, aber die lächerliche Gruppe setzt das Stück Die Liebe zu drei Orangen durch. Das Puppentheater wird seitlich platziert, das Spiel kann beginnen.

Nationaltheater Mannheim / Die Liebe zu den drei Orangen - hier :  Bartosz Urbanowicz als der Zauberer Celio © Hans Joerg Michel

Nationaltheater Mannheim / Die Liebe zu den drei Orangen – hier :  Bartosz Urbanowicz als der Zauberer Celio © Hans Joerg Michel

Der König ist untröstlich, dass sein einziger Sohn, der Prinz, an schwer zu behandelnden seltsamen Symptomen leidet, und in diesem Zustand nicht die Regierungsgeschäfte zu übernehmen imstande ist. “Hypochondriotische Verschleimung“ diagnostiziert der Arzt dem Prinz, den man als Marionette im Krankenbett liegen sieht. Die traurige Prinz-Puppe leidet so täuschend echt, dass man vor Mitleid zerfließen möchte. Als alleiniges Heilmittel gegen Dekadenz, Depression, Antriebslosigkeit, Deprivation, um nur einige der Symptome zu nennen, soll das Lachen als befreiendes Heilmittel zum Einsatz kommen. Der „richtige“ Prinz im Schlafanzug entpuppt sich als heilloser Hypochonder. Er jammert und greint und zieht seinen ganzen Hofstaat mit in sein Elend. Der König befiehlt den Spaßmacher Truffaldino als geeignete Therapiemaßnahme herbei. Dieser – ganz im Stil der Commedia dell‘arte ausstaffiert, versucht sein Bestes, aber vergebens. Ein königliches Fest, als Spassbad ausgerichtet, garantiertes Lachen inbegriffen, soll Abhilfe schaffen.

Allerlei skurrile Gestalten tummeln sich in diesem bizarren Panoptikum, eine dämonische Zauberin, ein Windgeist, ein Spaßmacher, eine maskuline Köchin mit riesiger Kelle und attraktive durstige Prinzessinen, die Orangen entsteigen. Die Figuren hat die Kostümbildnerin Sophie du Vinage in spektakuläre leuchtend bunte Kostüme gesteckt, mal im Commedia-Stil, mal in schrillem Haute Couture Outfit oder einfach nur  märchenhaft-fantasievoll verkleidet.

Um den Thron und gegen den Prinzen streiten auch Clarice, der zwielichtige Leander, sowie die Sklavin Smeralda, denen die dämonische Zauberin Fata Morgana zur Seite steht. Auf der Seite der Guten für Prinz und König kämpfen der Magier Tschelio, Farfallone, der Windgeist, Pantalone und natürlich der Harlekino alias Truffaldino.

Auf dem Fest des Königs verliert Fata Morgana bei einem Streit mit Truffaldino ihren Rock und steht in der Unterhose da, was endlich dem Prinzen das befreiendste Gelächter entlockt, das je für die Opernbühne komponiert wurde. Schadenfreude ist eben die schönste Freude! Aber Fata Morgana wäre nicht die Zauberin, für die sie berüchtigt ist, würde sie diese Schmach auf sich sitzen lassen. Sie schleudert dem Prinzen einen Fluch entgegen, er müsse sich in drei Orangen verlieben, und sich sofort auf die Suche nach ihnen machen. Tatsächlich beginnt der Prinz sich nach den Orangen zu verzehren und zieht mit Truffaldino von dannen. Sie werden vom Windgeist mit Sturmfrisur zur furchtbaren Köchin mit der alles vernichtenden Kelle geblasen, die über die drei Orangen wacht. Wie das umgesetzt wird, zeigt die beeindruckende Bühnentechnik des Opernhauses, ein weiterer schöner Effekt epischen Theaters.

Nationaltheater Mannheim / Die Liebe zu den drei Orangen - hier :   Michael Pietsch als Puppenspieler, Jelena Kordic als verruchte Smeralda © Hans Joerg Michel

Nationaltheater Mannheim / Die Liebe zu den drei Orangen – hier :   Michael Pietsch als Puppenspieler, Jelena Kordic als verruchte Smeralda © Hans Joerg Michel

Die Köchin, eine hünenhafte, Bass- singende Matrone mit roten Haaren und überdimensionalem Kochlöffel kann überlistet werden und der Prinz entführt die Objekte seiner Begierde. Als die Orangen geöffnet werden, entsteigen den beiden ersten Früchten zunächst winzige Püppchen, die kurz vor dem Verdursten stehen, dann zwei wunderschöne Prinzessinnen, denen aber nicht mehr zu helfen ist. Es kommt wie es im Märchen kommen muss. In die dritte Prinzessin, Ninetta, verliebt sich der Prinz sogleich und will sie heiraten.

Bis es allerdings soweit ist, wird Ninetta erst noch in eine Ratte verwandelt, die man als Marionette bereits im ersten Akt bewundern durfte. Das Gute siegt, Ninetta wird wieder in ein hübsches Mädchen zurückverwandelt, die bösen Mächte werden verbannt und es kann Hochzeit im Königreich gefeiert werden. Ende gut, alles gut!

Der farbenfrohen, tempo- und effektreichen Szene entspricht das NTM Orchester unter der Leitung seines Dirigenten Matthew Toogood in idealer Weise. Den immens schwierigen Anforderungen der Partitur wird Toogood in jedem Moment gerecht und versteht es  darüberhinaus, alle Energien des hochmotiviert aufspielenden Klangkörpers zu entfesseln. Beeindruckend die präzisen und virtuosen Kapriolen der Holzbläser, die stringent peitschende Rhythmik, die genüsslich ausgestalteten Dissonanzen. Toogood lässt gekonnt den nötigen Raum für die Entfaltung von Kantilenen, um danach sofort wieder in den unerbittlichen Duktus der Prokofievschen Motorik zu wechseln. Dabei behält er in jeder Zeit die Kontrolle über die aktionsreichen Abfolgen von Orchester, Chor und Sänger.

Sung Ha verlieh dem Kreuz-König sowohl royale Würde als auch glaubhafte Verzweiflung über die Melancholie seines Sohnes und überzeugte in jedem Moment mit seinem prachtvollen weichen Bass. Juraj Holly war als Prinz mit nuancenreichem, tragfähigem Tenor nicht nur umwerfend komisch, er gestaltete auch die Entwicklung vom labilen Weichei zur selbstbestimmt liebenden Persönlichkeit mit großer Ausdruckskraft.

Als lustige Figur Truffaldino war Raphael Wittmer mit lebendigem Spiel, komödiantischem Eifer und viel tenoralen Glanzpunkten eine Idealbesetzung. Die Wandlungsfähigkeit von Thomas Jesatko ist immer wieder staunenswert. Den zwielichtigen  Leander stattete er mit baritonaler Belkanto-Dämonie aus, und gab der Figur auch ausreichend kriminelle Energie. Nikola Diskic sang den Pantalone mit klangschönem Bariton und Profilschärfe, als Zauberer Celio zog Bartosz Urbanowicz alle darstellerischen Register und überzeugte mit kultivieren Basstiefen.

Nationaltheater Mannheim / Die Liebe zu den drei Orangen - hier :  Natalija Cantrak als Prinzessin Ninetta, Puppenspieler Michael Pietsch, Juraj Holly als Prinz © Hans Joerg Michel

Nationaltheater Mannheim / Die Liebe zu den drei Orangen – hier : Natalija Cantrak als Prinzessin Ninetta, Puppenspieler Michael Pietsch, Juraj Holly als Prinz © Hans Joerg Michel

Die imposante Köchin von Patrik Zielke schwang ihren Kochlöffel bedrohlich wie einen Hammer, faszinierte aber auch mit heldischem Bass. Der Windgeist Farfarello von Ilya Lapich war stimmlich als auch darstellerisch absolut rollendeckend. Die Damenriege stand den Herren lediglich zahlenmäßig nach. Sorgte das Erscheinen der Riesenpuppe Fata Morgana für Gänsehauteffekt, so fand Ludovica Bello als Double zu ihrer dämonisch-suggestiven Darstellung mühelos auch die nötigen dramatischen Spitzentöne. Julia Faylenbogen war als Kontrahentin Clarice ideal im Spiel und wartete mit satten Mezzo- Farben auf, ebenso gefiel Jelena Kordic als verruchte Smeralda.

Die zarte Orangen Prinzessin Ninetta wurde von Natalija Cantrak mit silbernen Sopran Spitzen ausgestattet, auch Julia Müller-Wolthuis und Gudrun Hermanns als verdurstende Prinzessinen gaben ihren kleinen Rollen anrührende Innerlichkeit. Viel Applaus für Michael Pietsch, der als Puppenspieler von Anfang bis zum Ende alle Fäden in der Hand hielt. Hervorragend der von Danis Juris einstudierte Chor, dem nicht nur stimmlich, sondern auch darstellerisch eine Hauptrolle zukam!

Jubel und Begeisterung im ausverkauften Opernhaus, vor allem auch von den jüngeren Zuschauern.

Die Liebe zu den drei Orangen im NTM:  Die  Termine der laufenden Spielzeit 2.3.; 21.3.2019

 

Dresden, Semperoper, Ariadne auf Naxos – Richard Strauss, IOCO Kritik, 10.12.2018

Dezember 11, 2018 by  
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Semperoper

Dresden / Semperoper im Sonnenschein © Matthias Creutziger

Dresden / Semperoper im Sonnenschein © Matthias Creutziger

Ariadne auf Naxos – Richard Wagner

Gelungenes Debut für Regisseur David Hermann in Dresden

Von Thomas Thielemann

Nicht wenige Opernfreunde schätzen die Kammeroper Ariadne auf Naxos als das schönste und vor allem das gelungenste Bühnenwerk des Richard Strauss. Wenn dann noch David Hermann eine klare und direkte Inszenierung mit ausgefeilter Personenregie und raffinierten Verbindungslinien zwischen den heterogenen Teilen der Oper beisteuert, dann sind alle Voraussetzungen für einen gelungenen Premieren-Abend gegeben.

Mit dieser Verbindung aus musikalischer Komödie und „richtiger“ Oper, dem Gemenge aus Kunst und „wahrem Künstler-„ Leben bietet Hermann einen Cocktail aus mehreren Stilformen: Das Vorspiel als konkrete witzige dramatische Komödie mit scharfen Pointen.

Ariadne auf Naxos – Richard Strauss
Youtube Trailer der Semperoper – Einführung in Ariadne Produktion
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Dabei hatte David Hermann eine Anleihe bei Michael Frayn aufgenommen: An der Wand eines kahlen Ganges sind drei Türen angeordnet, die sich ständig öffnen und schließen. Und jedes Mal, wenn sich eine der Türen öffnet, passiert auch etwas, gibt es eine Überraschung. Gleichsam im Stil des „nackten Wahnsinns“ wird mit derber Komik die Tragik des Geschehens vorangetrieben. In der Oper trifft dann die etwas oberflächliche Welt der Zerbinetta auf die leidenschaftliche spritzig-schwitzende griechische Tragödie der Ariadne.

Todesangst und Todessehnsucht stehen gegenüber und versuchen mit einem opulenten, der Tragik der Situation eigentlich wiedersprechenden musikalischen Rokoko-Gemälde eine Annäherung. Das Bühnenbild von Paul Zoller und die Kostüme von Michaela Barth stützen das Konzept der kom-plexen Umsetzung des Librettos des Hugo von Hofmannsthal in die Musik von Richard Strauss.

Unterhaltsam und überraschend, wie die recht kleine Besetzung der Staatskapellen-Musiker unter Leitung Christian Thielemanns die Orchesterklänge opulent verströmen ließ, pointiert und schlank, aber immer Sänger-freundlich. Die Musiker folgten dem Dirigenten vom ersten Ton der Ouvertüre hingebungsvoll mit dem durchsichtigen und geschmeidigem Dresdner Klang. Dabei nahm sich der Musikalische Leiter ausreichend Zeit, um jede Nuance der Komposition auszu-kosten, jede Silbe, jede Kleinigkeit des Textes verwandelte sich in Klänge und gab damit der exquisiten Sängerbesetzung ein stabiles Gerüst.

Semperoper Dresden / Ariadne auf Naxos - hier :  Krassimira Stoyanova (Ariadne), Rafael Fingerlos (Harlekin) © Ludwig Olah

Semperoper Dresden / Ariadne auf Naxos – hier : Krassimira Stoyanova (Ariadne), Rafael Fingerlos (Harlekin) © Ludwig Olah

Als Primadonna brillierte mit makellosem Deutsch die Bulgarische Sopranistin Krassimira Stoyanova (Foto). Eine der prachtvollsten Sopranstimmen unserer Zeit gab der Titelrolle ein vokales und darstellerisch kräftiges Profil. Die grandiose Kombination von Klangkultur und Gestaltungsvermögen machte den Premierenabend zu einem unvergesslichen Abend.
Gegenüber diesem Schwergewicht konnte der Bacchus von Stephen Gould mit seinem heldisch inzwischen etwas schwerer gewordenen Tenor mühelos insbesondere in den lyrischen Passagen bestehen und sich dem belkantesken Anspruch der Sopranistin anpassen.

Dass Daniela Fally mit ihrem immensen Bühnentemperament und ihrer tollen Koloraturstimme eine außergewöhnliche Zerbinetta bieten kann, ist spätestens seit der Wiener Bechtolf-Inszenierung bekannt. Ohne diese ihre hervorragenden Möglichkeiten zu vernachlässigen, wurde ihr Temperament von der Regie stilisiert und schlüssig zur Entwicklung ihrer Nachdenklichkeit geführt. Der idealistische Komponist war von der klangprächtigen Mezzosopranistin Daniela Sindram, abseits von oft kabarettistischen Ausdeutungen, als sympathische und leidenschaftliche Person geboten.

Eine Überraschung war, dass der Haushofmeister am Premierenabend vom Intendanten des Skala Alexander Pereira übernommen worden war. Das Trio , das die Trauer der Ariadne und die Ankunft des Gottes auf Naxos kommentiert, war mit den Sopranistinnen Evelin Novak (Najade), Tuuli Takala (Echo) und der Altistin Simone Schröder (Dryade) stimmlich sowie darstellerisch sehr ordentlich aufeinander abgestimmt , so dass ihre Passagen eindringlich, gefühlvoll vom Orchester unterstützt, gestaltet worden waren.

Semperoper Dresden / Ariadne auf Naxos - hier :  Joseph Dennis (Brighella), Torben Jürgens (Truffaldin), Daniela Fally (Zerbinetta), Carlos Osuna (Scaramuccio), Rafael Fingerlos (Harlekin) © Ludwig Olah

Semperoper Dresden / Ariadne auf Naxos – hier : Joseph Dennis (Brighella), Torben Jürgens (Truffaldin), Daniela Fally (Zerbinetta), Carlos Osuna (Scaramuccio), Rafael Fingerlos (Harlekin) © Ludwig Olah

Albert Dohmen gefiel vor allem mit seiner Bühnenpräsenz als Musiklehrer. Mit schönen Höhen gefiel der Harlekin des Österreicher Bariton Rafael Fingerlos. Nach mehrfachen Gastauftritten an der Wiener Staatsoper bestritt der mexikanische Tenor Carlos Osuna mit der Partie des Scaramuccio sein Hausdebüt an der Semperoper. Der Bassist Torben Jürgens, ansonsten seit Saisonbeginn als Don Fernando im Fidelio eingesetzt, hatte die Partie des Truffaldin übernommen.

In den weiteren Rollen demonstrierten Sänger aus dem Ensemble und dem Jungen Ensemble der Semperoper die Leistungsfähigkeit der Haussänger: Der amerikanische Tenor Aaron Pegram, seit 2009 im Haus und in der bisherigen Inszenierung als Brighella, nunmehr als Tanzmeister eingesetzt; der Tenor Joseph Dennis als neuer Brighella; der tschechische Bariton Jiri Rajniš (seit 2017 im Jungen Ensemble) als Perückenmacher; der koreanische Tenor Beomjin Kim (seit 2018 im Jungen Ensemble) als Offizier und der Bariton Bernhard Hansky (2017/18 im Ensemble) als Lakai.

Die Regie wäre unvollkommen, wenn sie das Publikum mit dem Klangrausch entlassen würde: Bereits vor dem Beginn der Vorstellung waren hinter dem ersten Rang die Besucher von einer hochmütigen Tischgesellschaft inclusive Tafelmusik empfangen worden. Und diese „Mäzen- Gesellschaft“ zerstörte mit ihrem Huschen über die Bühne in den letzten Takten der Musik, führte zur Selbstreflexion der Schöpfer der Oper zurück und zwingt damit zu einem nachdenklichen Schluss.

Eine gelungene, schlüssige Regiearbeit von David Hermann und eine durchweg gelungene Aufführung mit Gesang und Orchestermusik auf höchstem Niveau. Der frenetische langanhaltende Beifall bestätigten die Besonderheit des Abends.

Ariadne auf Naxos an der Semperoper; weitere Vorstellungen 12.12.; 14.12.2018

—| IOCO Kritik Semperoper Dresden |—

Köln, Oper Köln, Der Kaiser von Atlantis von Viktor Ullmann, IOCO Kritik, 28.02.2018

März 1, 2018 by  
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Oper Köln

Oper Köln / Außenspielstätte am Offenbachplatz © Bühnen Köln

Oper Köln / Außenspielstätte am Offenbachplatz © Bühnen Köln

„Der Kaiser von Atlantis“ von Viktor Ullmann

„Du sollst den Namen Tod nicht eitel beschwören“

Von Viktor Jarosch

Victor Ullmann Stolperstein in .... © IOCO

Victor Ullmann Stolperstein in …. © IOCO

Die Kammeroper Der Kaiser von Atlantis oder die Tod-Verweigerung besitzt eine ungewöhnlich schmerzliche Historie: Viktor Ullmann (*1898 – 1944), von Arnold Schönberg, Alexander von Zemlinsky wie Rudolf Steiner geformt, vollendete sie, den eigenen Tod vor Augen, 1944 im Konzentrationslager Theresienstadt.

Theresienstadt, die „Wartehalle des Todes“ für Juden aus dem Protektorat Böhmen und Mähren, hatte eine lebhafte Musikkultur, welche die dort Gefangenen, auch Viktor Ullmann, zum geistigen Überleben und für kompositorisches Schaffen nutzten. Das Libretto zum Kaiser von Atlantis schrieb der ebenfalls in Theresienstadt internierte Peter Kien (*1919 – 1944). Im Herbst 1944 wurde noch für die Uraufführung des Stückes geprobt, doch sie fand nicht mehr statt. Am 16. Oktober 1944, in demselben Transport, wurden Viktor Ullmann, dessen Versuch in die USA zu fliehen scheiterte, und Peter Kien nach Auschwitz transportiert und von den NAZIS umgebracht. Ihr Werk Der Kaiser von Atlantis überlebte: Es gelangte auf verschlungenen Wege nach Amsterdam, 1975 zur Uraufführung.

Oper Köln / Der Kaiser von Atlantis - hier Tod und Harlekin © Paul Leclaire

Oper Köln / Der Kaiser von Atlantis – hier Tod und Harlekin © Paul Leclaire

Die Oper Köln zeigt in der kleinen Außenspielstätte am Offenbachplatz mit dem Kaiser von Atlantis oder die Tod-Verweigerung, ein Werk, welches sich gerade für dessen kleine  Bühne bestens eignet. Die Bühne des Hauses ist (Inszenierung Eike Ecker) in einer 8  geformt, zweigeteilt, in den Mitten vertieft, worin jeweils sieben Orchestermusiker spielen. Das Ensemble spielt, singt auf der Bühne zwischen, neben dem Orchester.

Der Kaiser von Atlantis ist 60 Minuten reinste Chiffre; das Subtile, Kryptische der Oper deutlich zu machen ist schwer; es stellt hohe Ansprüche an Regie wie Darsteller der Produktion. In Köln hängt ein riesiger Lautsprecher von der Decke herab; er kündigt im Prolog die Handlung, die handelnden Figuren als eine „Art Oper in vier Bildern“ an: Kaiser Overall von Atlantis, Der Trommler, Der Lautsprecher, Ein Soldat und ein Mädchen, Der Tod und Harlekin. In jenen vier Bildern spiegeln sich nicht Satire. Es ist pure Hybris, Größenwahn und Realitätsverlust der Spezies Mensch erkennbar. Ullmann verschwor sich so gegen den Wahnsinn der vielen Akteure im Dritten Reich; doch Der Kaiser von Atlantis geht weiter; er spiegelt den Realitätsverlust von Menschen zu allen Zeiten. Lebende Staatslenker glaubt man in Kaiser Overall ebenso erkennen, wie natürlich Hitler oder auch Caligula.

Oper Köln / Der Kaiser von Atlantis - hier Kaiser Overall und Tod © Paul Leclaire

Oper Köln / Der Kaiser von Atlantis – hier Kaiser Overall und Tod © Paul Leclaire

Die Handlung beginnt mit dem auf einer Sichel vom Himmel herab schwebenden bleichen Tod, Partner in Dialogen des Harlekin, einem der Commedia dell´arte entsprungenen, fast schelmischen Clown. Tod: „Was haben wir heut für einen Tag“,  Harlekin:Ich wechsle die Tage nicht mehr täglich..“. Kostüme (Darko Petrovic) und Bewegungschoreographie (Athol Farmer) malen die kryptische Handlung des Stückes sichtbar, mitfühlbar aus. Schattenhafte Figurinen, plastisch wirkende Gestalten bilden im Halbdunkel der Bühne das willenlose, entmündigte Volk. Kaiser Overall will eine neue Weltordnung, Naturgesetze aushebeln, die menschliche Ordnung stürzen. Der Trommler erklärt, im Namen seiner Majestät des Kaiser Overall den „großen, segensreichen Krieg aller gegen alle zu verhängen. Jedes Kind, ob Knäblein, Gattin, Mutter, jeder Mann ob krumm oder grad wird die Waffe führen in diesem heiligen Kampf… der mit der Vernichtung des Bösen enden wird.“  Doch der Tod fühlt sich nun entehrt, zerbricht sein Schwert und verweigert jeden Dienst „Ich mache die Zukunft der Menschen groß… und lang… lang…“,  Menschen können plötzlich nicht mehr sterben. Der Lautsprecher:Eine seltsame Krankheit ist ausgebrochen. Die Soldaten können nicht sterben.“ Kaiser Overall ist entsetzt; niemand wird ihn noch fürchten: „Wer wird dem Imperator von Atlantis noch gehorchen?!“ und stellt sich gleichzeitig als Erfinder der Unsterblichkeit dar. Und doch geht in den ausgehebelten Grundwerten (Menschen müssen einmal sterben) letztlich auch Kaiser Overall zugrunde: Damit der Tod, als zentrales Element wieder in der Weltordnung zurückkehrt, willigt Kaiser Overall ein, als erster wieder zu sterben. Alles im Stück ist Chiffre, alles ist kryptisch; doch über allem ist die Todesichel von Theresienstadt immer spürbar.

Die Partitur erinnert in rhythmischen Parametern und Instrumentation an große Meister des Abendlandes, Gustav Mahler, Kurt Weill, Johann Reichardt; doch auch der Blues und der Shimmy klingen durch. Das kleine Orchester um Rainer Mühlbach begleitet die facettenreiche Sprache und Handlung auf der kleinen Bühne warm, sensibel, subtil.

Oper Köln / Der Kaiser von Atlantis - hier Kaiser und Harlekin © Paul Leclaire

Oper Köln / Der Kaiser von Atlantis – hier Kaiser und Harlekin © Paul Leclaire

Lucas Singer gibt dem Tod, kahlköpfig in langem Ledermantel auf der Sichel stehend, mit Beginn sichtbaren Charakter, mit jungem Bass zeichnete er  die „Gefühle“ des Tod merkwürdig empfindsam. Martin Koch spielte den von den Umständen getriebenen, lieben Harlekin („Dir selber kannst Dir nicht entlaufen, bleibst immer Harlekin“) mit belcantisch tenoraler Stimme. Nikolay Borchev dominiert mit wohl timbriertem Bariton in weißer Uniform mit Krone als präsenter wenn auch gelegentlich „wirrer“ Kaiser Overall die Produktion.

Doch hatte der Premierenabend einen weiteren, wenn auch unangekündigten Haupt- Darsteller: Georg Kehren, Chefdramaturg der Oper Köln. Kehren vermittelte in der folgenden Premierenfeier in emotional lebhaften Ausführungen den dankbaren Besuchern Tiefen wie Untiefen der kryptischen und selten gespielten Kammeroper.

Der Zuspruch des Publikums in der ausverkauften kleinen Spielstätte war groß für Darsteller, Regie und Georg Kehrens abschließende wie vollendende Ausführungen. Interessenten raten wir dringend, sich rechtzeitig um Karten für die verbleibenden Vorstellungen zu bemühen.

Der Kaiser von Atlantis der Oper Köln: Weitere Vorstellungen am 2.3.2018; 6.3.2018; 10.3.2018

—| IOCO Kritik Oper Köln |—

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