Bielefeld, Theater Bielefeld, Premiere FAUST – Charles Gounod, 29.02.2020

Februar 5, 2020 by  
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Theater Bielefeld

Theater Bielefeld / Fassade © Theater Bielefeld

Theater Bielefeld / Fassade © Theater Bielefeld

  FAUST  –  Charles Gounod

Premiere Samstag 29.02.20, 19:30 Uhr, weitere Termine  04.03., 19.03., 22.03., 27.03., 12.04., 21.05., 31.05.2020

Libretto von Jules Barbier und Michel Florentin Carré nach Carrés Drame fantastique Faust et Marguerite und Johann Wolfgang Goethes Faust.  Der Tragödie erster Teil / In französischer Sprache mit deutschen Übertiteln

Wenn sich am Ende eines Lebens das Gefühl einstellt, das Wesentliche verpasst zu haben, seine Energie und Lebenszeit einfach für die falschen Dinge verschwendet zu haben, wäre es dann nicht verlockend, eine zweite Chance angeboten zu bekommen? Einen Neustart des Lebens, im vollen Bewusstsein dessen, was man beim ersten Mal falsch gemacht hat? Der alte Faust muss nicht lange überlegen, als der Teufel Méphistophélès ihm die Erfüllung seines sehnlichsten Wunsches verspricht: Im Austausch für erneute Jugend ist Faust sofort bereit, seine Seele zu verpfänden. War sein erstes Leben ganz der geistigen Erkenntnis gewidmet, will er nun sinnlichen Rausch und pure Leidenschaft erleben. Mit der Unterstützung seines teuflischen Begleiters gelingt es dem verjüngten Faust leicht, die gutgläubige Marguerite zu umgarnen. Doch als sie schwanger wird, ist sein Interesse an ihr längst erloschen. Während er bereits auf neuen Rausch aus ist, beginnt für sie ein existentieller Kampf.

Johann Wolfgang von Goethe Leipzig © IOCO / HGallee

Johann Wolfgang von Goethe Leipzig © IOCO / HGallee

Kaum ein anderes Theaterstück hat im deutschen Sprachraum wohl so eine Wirkungsmacht entwickelt wie Goethes Faust. Jede Veränderung, jede Adaption wurde hierzulande mit Argusaugen beobachtet, so dass sich lange Zeit fast niemand daran wagte, diese Tragödie (mit Ausnahme fragmentarischer Annäherungen wie einzelner Liedvertonungen) als Quelle eigener Inspiration zu nutzen. So verwundert es wenig, dass die bedeutendsten Faust-Opern außerhalb Deutschlands entstanden. In den zwanziger Jahren des 19. Jahrhunderts wuchs in Frankreich das Interesse an den Werken Shakespeares, E. T. A. Hoffmanns und Goethes, welche die französische Romantik beflügelten. Mehrfach wurde Goethes Faust ins Französische übersetzt und diente – unbeeinträchtigt von der lähmenden Verehrung des deutschen Nationaldichters – auch als Ideen-Steinbruch für höchst bühnenwirksame Spektakel, wozu ein Teufelspakt ja beste Gelegenheiten bietet. Das Schauspiel Faust et Marguerite von Michel Florentin Carré, welches Charles Gounod für seine 1859 uraufgeführte Oper als Vorlage wählte, hält sich da im Handlungsverlauf geradezu eng an den ersten Teil der Goethe’schen Tragödie. Doch wie der um Marguerite ergänzte Titel schon nahelegt, rückt die Liebesthematik in den Fokus. Aus Respekt vor der Vorlage, aber nicht ganz zu Unrecht wurde im Heimatland des Faust die neu entstandene Opernadaption daher zunächst in Margarethe umbenannt. Der Siegeszug dieser französischen Faust-Variante ließ sich davon aber nicht aufhalten. Kein Wunder, dass sogar die Metropolitan Opera in New York mit Faust eröffnet wurde, schuf Gounod doch hier Paraderollen für gleich vier Stimmfächer und reiht sich schier ein Hit an den anderen – von Valentins Abschied über Marguerites »Juwelenarie « und Fausts berühmter Kavatine »Salut! Demeure chaste et pure« bis hin zu Méphistophélès’ »Rondo vom Goldenen Kalb« sowie natürlich den schmissigen und ohrwurmverdächtigen Chornummern.

Das Motiv des Erkenntnissuchens und des Grenzüberschreitens zum Metaphysischen wird in Gounods Faust nur kurz gestreift, denn dieses gelebte und unbefriedigende Leben möchte Faust zurücklassen. So ist es auch weniger eine Wette, die er mit Méphistophélès eingeht, denn ein klar formulierter Pakt. Faust fordert die Jugend ein und alle damit verbundenen, besonders erotischen Freuden. Dass der Teufel in der Lage ist, ihm diesen vergänglichen Rausch zu verschaffen, daran herrscht kein Zweifel. Und damit beginnt die große Vergnügungsmaschinerie des Méphistophélès, die gleichermaßen Faust wie Marguerite einlullen und ins Verderben stürzen soll.

Der japanische Regisseur Tomo Sugao und das in Bielefeld bereits bestens bekannte Ausstattungsteam Timo Dentler und Okarina Peter ziehen den alten Faust aus seinem kargen Studierzimmer in ein bildmächtiges Delirium. Wie von Faust gewünscht, scheint sich alles nur noch um ihn zu drehen – teuflische Verführungsshow oder pure Einbildung?

Alle Moral über Bord werfend, lässt sich Daniel Pataky als Faust von der Todessehnsucht des Alters hin zu wilden Jugendsünden verlocken. Alternierend setzen Yoshiaki Kimura und Moon Soo Park ihre dunklen Stimmen und schwarze Magie ein, um als Méphistophélès die menschlichen Seelen in die Verdammnis zu reißen. Auch die unschuldige Marguerite zeigt sich verführbar, Dušica Bijelics Stimme brilliert mit den geschenkten Juwelen um die Wette. Weder Marguerites Bruder Valentin, dargestellt von Evgueniy Alexiev, noch die ehrliche Liebe des jungen Siebel, alternierend gesungen von Hasti Molavian und Marija Jokovic, können der teuflisch unterstützen Anziehungskraft Fausts auf Marguerite etwas entgegensetzen. Als Nachbarin Marthe und als Wagner geraten auch Katja Starke und Enrico Wenzel in das Netz Méphistophélès’.

Unter der Leitung von GMD Alexander Kalajdzic vereinigen sich Mitglieder von EMotion, die Herren des Extrachors, der Bielefelder Opernchor und die Bielefelder Philharmoniker zu einem teuflischen Spektakel.

Musikalische Leitung Alexander Kalajdzic / Inszenierung Tomo Sugao / Bühne und Kostüme Timo Dentler, Okarina Peter / Choreografische Mitarbeit Gianni Cuccaro / Dramaturgie Anne Christine Oppermann / Choreinstudierung Hagen Enke / Mit Evgueniy Alexiev / Dušica Bijelic / Yoshiaki Kimura / Hasti Molavian / Moon Soo Park / Daniel Pataky / Katja Starke / Enrico Wenzel / Mitglieder von E-Motion / Herren des Extrachores / Bielefelder Opernchor / Bielefelder Philharmoniker

Nächste Termine 04.03., 19.03., 22.03., 27.03., 12.04., 21.05., 31.05.20
Karten 0521 / 51-5454 // www.theater-bielefeld.de

INSZENIERUNG
1979 in Sapporo geboren, wuchs Tomo Sugao in Chicago, Michigan, Amsterdam, Düsseldorf und Tokio auf, wo er an der International Christian University studierte. Mit 19 Jahren gab er bereits sein Regiedebüt mit einer Inszenierung der Zauberflöte. 2004–2008 war er als Spielleiter und Regieassistent am New National Theatre Tokyo engagiert, 2008–2012 in gleicher Funktion an der Komischen Oper Berlin. Seit Herbst 2012 ist er freischaffender Regisseur. Neben diversen Uraufführungen (darunter The Firmiana Rain am National Theatre Taiwan sowie Ghost Love am Hong Kong City Hall Theatre) inszenierte er unter anderem Robin Hood (2014) am Züricher Opernhaus, Norma (2015) an der Prager Staatsoper, Le Nozze di Figaro (2012), Don Giovanni (2015) und Così Fan Tutte (2018) am Nissay Theatre in Tokyo, Les Huguenots (2016), Nixon in China (2018) und Götterdämmerung (2019) am Mainfranken Theater Würzburg, Der Freischütz (2017) und Das Märchen vom Zaren Saltan (2018) am Hyogo Performing Arts Center, The Hogboon (2017) und Momotaro (2019) in der Philharmonie Luxembourg, Die Zauberflöte für Kinder (2018) bei den Salzburger Festspielen und zuletzt am Theater Dortmund Turandot (2019) und Madama Butterfly (2019).

Er war Stipendiat des Kulturministeriums Japans (2008) und des Richard Wagner Verbandes Würzburg (2009). Außerdem wurde er für seine Inszenierung von Le Nozze di Figaro (2012) mit dem Gotoh Cultural Award ausgezeichnet. Im Jahr 2013 listete die Zeitschrift Bungei Shunju 108 herausragende Persönlichkeiten auf, die Japans Zukunft repräsentieren und zählt zu diesen auch Tomo Sugao. Seine Deutung von Nixon in China (2018) wurde vom Bayerischen Rundfunk als eine der »10 wichtigsten Inszenierungen 2018« gekürt.

BÜHNE UND KOSTÜME
Timo Dentler, geboren in Ulm, studierte von 1990 bis 2000 Bühnenbild an der Kunstakademie Düsseldorf bei Karl Kneidl, dessen Meisterschüler er 1999 wurde. 1996 erhielt er den Markus-Lüpertz-Preis der Kunstakademie Düsseldorf. Erste Engagements führten ihn von 1992 bis 1998 als Bühnenbild- und Kostümbildassistent ans Berliner Ensemble, an die Oper Frankfurt, die Wiener Festwochen und die Münchner Kammerspiele. Er arbeitete in der Zeit u. a. eng mit Peter Zadek und Peter Palitzsch zusammen. Seit 1999 arbeitet Timo Dentler international als Bühnen- und Kostümbildner für Häuser wie die Staatsoper Stuttgart, das Zürcher Schauspielhaus, die Bregenzer Festspiele, das Nationaltheater Mannheim, das Staatstheater Nürnberg, das Badische Staatstheater Karlsruhe, das Düsseldorfer Schauspielhaus, das Kölner Schauspielhaus, das Staatstheater am Gärtnerplatz München, das Centraltheater Leipzig, das Staatstheater Mainz, das Staatstheater Wiesbaden sowie die Theater in Darmstadt, Magdeburg, Augsburg, Bremen, Bern, Luzern, Freiburg, Cottbus und Osnabrück.

Seit 2002 verbindet ihn eine enge Zusammenarbeit mit Okarina Peter, mit der er gemeinsam 2009, 2011, 2013 und 2016 von der Fachzeitschrift Opernwelt als bester Bühnenbildner und 2011 und 2016 als bester Kostümbildner nominiert wurde. An der Staatsoper Stuttgart unter Klaus Zehelein stattete er Moskau Tscherjomuschki von Schostakowitsch, Mario und der Zauberer, Die Reisende Ceres von Haydn sowie Aeneas in Kartago aus. Am Theater Bielefeld entstanden u. a. die Bilder zu Viaggio a Reims, Oedipe von Enescu, Tristan und Isolde, Le nozze di Figaro, L’arbore di Diana, Don Pasquale, Falstaff sowie Ruslan und Ludmilla, am Theater Freiburg Le Negres, für die Bregenzer Festspiele Brittens Paul Bunyan sowie für das Staatstheater Mannheim Catone in Utica. Für den Regisseur Immo Karaman entwarf er Bühnenbilder und Kostüme für die Produktionen Die Bestmannoper (Theater Osnabrück), Prova di Orchestra (Oper Bern), Nabucco (Staatstheater Nürnberg), Aida (Staatstheater Wiesbaden) sowie Die Liebe zu den drei Orangen (Staatstheater am Gärtnerplatz und Theater Klagenfurt). Im Team von Walter Sutcliffe entstanden Don Giovanni, Orpheus in der Unterwelt, Zar und Zimmermann, Manon Lescaut und Der Zwerg, mit der Regisseurin Petra Luisa Meyer Peter Grimes und Violanta. Timo Dentler arbeitet auch erfolgreich als Bühnen- und Kostümbildner für Schauspielproduktionen. Diese Tätigkeit führte ihn an Häuser wie das Deutsche Theater Berlin, das Schauspielhaus Zürich, das Düsseldorfer Schauspielhaus, das Schauspiel Köln, das Staatstheater Mainz, das Staatstheater Karlsruhe, das Theater Bremen, das Staatstheater Darmstadt, das Nationaltheater Mannheim sowie zu den Mühlheimer Theatertagen. Musical-Produktionen in seiner Ausstattung waren u. a. Hair und Blues Brothers am Theater Augsburg, Company am Nationaltheater Mannheim/Theater Bielefeld, Die Hexen von Eastwick am Theater Bielefeld, Titanic bei den Bad Hersfelder Festspiele und Next to Normal am Theater Dortmund. Zuletzt entwarf er Bühne und Kostüme für La Forza del Destino am Staatstheater Wiesbaden und für Händels Siore bei den Internationalen Händelfestspielen Göttingen. Die aktuellsten Arbeiten führten ihn u. a. zusammen mit Peter Konwitschny an die Königliche Oper nach Kopenhagen. An der Semperoper Dresden debütierte er gemeinsam mit Okarina Peter 2011 mit der Ausstattung für Simplicius Simplicissimus. 2012 folgten dort Bühnenbild und Kostüme für Die Prinzessin auf der Erbse sowie 2013 für Ernst Kreneks Das geheime Königreich und 2014 für die Uraufführung Karl May, Raum der Wahrheit von Manos Tsangaris und Marcel Beyer. In der Saison 2014/15 entwarf er an der Semperoper gemeinsam mit Okarina Peter das Bühnenbild und die Kostüme für Die Brüder Löwenherz. Als Team zeichnen sie 2015/16 für die Ausstattung von R.Hot bzw. Die Hitze von Friedrich Goldmann verantwortlich, 2016/17 für die Uraufführung The Killer in me is the Killer in you my darling. Weitere Projekte mit Okarina Peter führten ihn in jüngster Zeit an die Oper Graz (Il Barbiere di Siviglia / R: Axel Köhler), an das Theater Chemnitz (Der Zwerg / R: Walter Sutcliffe), ans Theater Dortmund (Next to Normal / R: Stefan Huber) sowie zu den Maifestspielen ans Staatstheater Wiesbaden (Forza del Destino / R: Immo Karaman). In Zusammenarbeit mit Peter Konwitschny entstanden Boris Godunov für die Oper Nürnberg, die Oper Göteborg, das Theater Lübeck und die Volksoper Wien sowie Lady Macbeth von Mzensk für das Theater Augsburg und Königliche Oper Kopenhagen.

Am Theater Bielefeld stattetet er gemeinsam mit Okarina Peter zuletzt Jaques Offenbachs Orpheus in der Unterwelt und Jugendliebe aus. Okarina Peter, geboren in Konstanz, studierte von 1994 bis 2000 Bühnen- und Kostümbild an der Kunstakademie Düsseldorf bei Karl Kreidl, dessen Meisterschülerin sie 1999 wurde. Als Bühnen- und Kostümbildassistentin arbeitete sie bereits während ihres Studiums am Düsseldorfer Schauspielhaus, am Theater Bremen, an den Münchner Kammerspielen und bei den Wiener Festwochen u. a. bei Karl Kneidl und Peter Zadek. Seit 1999 ist Okarina Peter als freischaffende Bühnen- und Kostümbildnerin tätig und hat sich seitdem als eine der interessantesten Ausstatterinnen ihrer Generation etabliert. Sie arbeitet für Schauspiel und Oper, wobei das Musiktheater in den letzten Jahren zu einem Schwerpunkt geworden ist. Die von ihr ausgestatteten Werke gehören häufig nicht zu den Standardwerken des Repertoires und zeugen vom großen Phantasiereichtum und der Neugier von Okarina Peter: Händels Siroe (Händelfestspiele Göttingen 2013, Rezniceks Ritter Blaubart (Augsburg 2012), K. A. Hartmanns Simplicius Simplicissimus (Semperoper 2011), Prokofjews Liebe zu den drei Orangen (Staatstheater am Gärtnerplatz 2011) sind ebenso darunter wie eine Reihe Uraufführungen. »Klassikern« wie Aida und La Forza del Destino (Wiesbaden 2012 bzw. 2014), Die Zauberflöte (Leipzig 2010) und Tristan und Isolde (Bielefeld 2008), Otello (Augsburg 2017) weiß sie dabei ebenso ein modernes Bild zu verleihen. Seit 2002 verbindet sie eine enge Zusammenarbeit mit Timo Dentler, mit dem sie gemeinsam 2009, 2013 und 2016 von der Fachzeitschrift Opernwelt als beste Bühnenbildnerin sowie 2011 und 2016 als beste Kostümbildnerin nominiert wurde. Zu ihren bisherigen Auftraggebern zählen Häuser wie die Staatsoper Stuttgart, das Zürcher Schauspielhaus, die Bregenzer Festspiele, das Nationaltheater Mannheim, das Staatstheater Nürnberg, das Staatsschauspiel Dresden, das Opernhaus Halle, das Badische Staatstheater Karlsruhe, das Staatstheater am Gärtnerplatz München, das Centraltheater Leipzig, das Kölner Schauspielhaus, das Staatstheater Wiesbaden sowie die Theater von Luzern, Magdeburg, Freiburg, Augsburg und Bielefeld.

Weitere Produktionen führten sie unter anderem an die Oper Graz (Il Barbiere di Siviglia / R: Axel Köhler), an das Theater Chemnitz (Der Zwerg / R: Walter Sutcliffe), ans Theater Osnabrück (Manon Lescaut / R: Walter Sutcliff) und ans Theater Dortmund (Next to Normal / R: Stefan Huber). Mit vielen Häusern, darunter die Semperoper Dresden, verbindet Okarina Peter mittlerweile eine regelmäßige Zusammenarbeit: Hier gab sie gemeinsam mit Timo Dentler 2011 ihr Debüt mit der Ausstattung für Simplicius Simplicissimus. Es folgten 2012 Bühnenbild und Kostüme für Die Prinzessin auf der Erbse sowie 2013 für Ernst Kreneks Das geheime Königreich und 2014 für die Uraufführung Karl May, Raum der Wahrheit von Manos Tsangaris und Marcel Beyer. In der Saison 2014/15 entwarf sie gemeinsam mit Timo Dentler Bühnenbild und Kostüme für die Auftragskomposition Die Brüder Löwenherz. 2015/16 zeichneten sie als Team für die Ausstattung von R.Hot bzw. Die Hitze von Friedrich Goldmann verantwortlich, 2016/17 für die Uraufführung The Killer in me is the Killer in You My Darling. In Zusammenarbeit mit Peter Konwitschny entstanden Lady Macbeth von Mzensk an der Königlichen Oper Kopenhagen und am Theater Augsburg, sowie Boris Godunow am Staatstheater Nürnberg. Diese Produktion wird auch an der Oper Göteborg sowie am Theater Lübeck und an der Volksoper Wien zu sehen sein. Am Theater Bielefeld stattetet sie gemeinsam mit Timo Dentler zuletzt Jaques Offenbachs Orpheus in der Unterwelt und Jugendliebe aus.

BESETZUNG
Faust Daniel Pataky
Méphistophélès Yoshiaki Kimura / Moon Soo Park
Marguerite Dusica Bijeli?
Valentin Evgueniy Alexiev
Siebel Hasti Molavian
Marthe Katja Starke
Wagner Enrico Wenzel

—| Pressemeldung Theater Bielefeld |—

Ludwigsburg, Ludwigsburger Schlossfestspiele, Der Freischütz – ganz französisch, 12.07.2019

Juli 1, 2019 by  
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Ludwigsburger Schlossfestspiele

Ludwigsburger Schlossfestspiele / Der Freischütz © Julien Benhamou

Ludwigsburger Schlossfestspiele / Der Freischütz © Julien Benhamou

Der Freischütz – Carl Maria von Weber

Französische Neuinszenierung bei den Schlossfestspielen

Am Freitag, 12. Juli 2019 feiert Der Freischütz in der Neuinszenierung von Clément Debailleul und Raphaël Navarro seine Deutschlandpremiere im Rahmen der Ludwigsburger Schlossfestspiele. Die deutsch-französische Koproduktion der Schlossfestspiele mit Insula orchestra, dem Chor accentus und der Compagnie 14:20 besticht durch ihre poetisch-nachdenkliche Interpretation eines Stoffes, der bei seiner Uraufführung 1821 den Nerv des deutschen Publikums und der gerade entstehenden deutschen Nationalbewegung traf.

Während Webers Freischütz auf den Bühnen des deutschsprachigen Raumes zum Standardrepertoire gehört, wagen sich ausländische Ensembles eher selten an die »deutsche Nationaloper«. Dabei, das wurde bereits bei der Premiere der Koproduktion deutlich, eröffnet der Blick von außen einmal ganz andere Sichtweisen auf den altbekannten Opernstoff. Das junge französische Regieteam legt das Augenmerk seiner Inszenierung auf die dunkle Seite der Romantik, die in den handelnden Figuren der Oper zum Ausdruck kommt. Feinfühlig geben die beiden Regisseure den subtilen, ungreifbaren Ängsten und den übernatürlichen Kräften, die die Protagonisten umtreiben, in ihrer Interpretation Raum und legen die Rituale und Mythen der Jagdgemeinschaft offen. Im Zentrum ihrer Betrachtung steht weniger die ernsthafte oder ironische Auseinandersetzung mit der deutschen Identität, sondern die Frage, inwiefern eines jeden individuelle Ängste sein Handeln bestimmen.

Ludwigsburger Schlossfestspiele / Der Freischütz © Julien Benhamou

Ludwigsburger Schlossfestspiele / Der Freischütz © Julien Benhamou

Markenzeichen der beiden Regisseure, die neben der Arbeit an der künstlerischen Bewegung der Magie Nouvelle mit ihrer Compagnie 14:20 auch schon für den Cirque du Soleil tätig waren, ist der Einsatz spezieller Hologrammtechnik. Mit den Mitteln des Bühnenzaubers werden Akteure von ihren Körpern gelöst und Bewegungen in Zeitlupe sichtbar gemacht, ätherische Szenen kreiert und die Grenzen von Realität und Illusion aufgehoben. So entstehen innerhalb der Inszenierung immer wieder verblüffende Bilder, die die geheimnisvollen und übernatürlichen Elemente der Freischütz-Erzählung um eine magische Ebene erweitern. Mit dem Artisten und Jongleur Clément Dazin, der die Rolle des schwarzen Jägers Samiel verkörpert, lassen die Regisseure in ihre Inszenierung auch Elemente der Zirkuskunst einfließen.

Ludwigsburger Schlossfestspiele / Der Freischütz © Julien Benhamou

Ludwigsburger Schlossfestspiele / Der Freischütz © Julien Benhamou

Die Musikalische Leitung der Produktion hat die französische Dirigentin Laurence Equilbey. Als Gründerin und künstlerische Leiterin des Chores accentus und des Insula orchestras hat sie sich in den letzten Jahren an der Spitze der Experten für Chorsinfonik und

A-cappella-Musik positioniert. Das Zusammenwirken von historisch informiertem Orchester und Chor mit einem Ensemble aus hochkarätigen jungen Gesangssolisten, darunter Tuomas Katajala als Max, Vladimir Baykov als Kaspar und Johanni van Oostrum als Agathe, rückt diesen Freischütz auch klanglich in ein besonderes Licht: »Eine Offenbarung«, schreibt Jonathan Sutherland auf Operawire.

Ludwigsburger Schlossfestspiele / Der Freischütz © Julien Benhamou

Ludwigsburger Schlossfestspiele / Der Freischütz © Julien Benhamou

Dem Ludwigsburger Festspielpublikum ist Equilbey, die u.a. bei Eric Ericson, Denise Ham, Colin Metters und Jorma Panula studierte, bereits aus dem Jahr 2017 bekannt, als sie die gefeierte Inszenierung von La Fura Dels Baus: Haydns Schöpfung dirigierte. Darüber hinaus stand die vielseitige Künstlerin beispielsweise am Pult des hr-Sinfonieorchesters, des BBC National Orchestra und des Collegium Vocale Gent. Sie ist regelmäßige Gastdirigentin am Grand Théâtre de Provence und der Philharmonie Paris. Im 2017 eingeweihten Pariser Kulturzentrum La Seine Musicale ist Equilbey regelmäßig mit dem Insula orchestra zu erleben, das dort als Orchestra in Residence wirkt.

Clément Debailleul und Raphaël Navarro lernten sich als Jugendliche 1996 beim Festival Circa kennen. Im Jahr 2000 gründeten sie gemeinsam mit Valentine Losseau die Compagnie 14:20. Das Künstlerkollektiv verfasste das Manifest der »Magie Nouvelle« und begründete damit einen wichtigen Zweig der zeitgenössischen französischen Kunst- bzw. Theaterszene. Die Magie Nouvelle vereint u.a. Einflüsse aus Tanz, Theater, Zirkus und Malerei miteinander und macht sich die Unausgewogenheit der menschlichen Sinne zu Nutze. Zu ihren Projekten gehören unter anderem ein selbstverwaltetes Labor für magische Experimente, sowie die Forschung über Praktiken der Magie auf der ganzen Welt. Raphaël Navarro erhielt 2018 gemeinsam mit Valentine Losseau den Preis »Autor des Jahres« für die Zirkuskünste in ihrer Inszenierung von Goethes »Faust« an der Comédie Française. Ihre Inszenierungen, Installationen, Ausstellungen und Performances führten das Kollektiv bereits in die Dansehallern Kopenhagen, das Invisible Dog Arts Center in New York sowie an das Centre Pompidou in Paris.

—| Pressemeldung Ludwigsburger Schlossfestspiele |—

Stuttgart, Staatsoper Stuttgart, Mefistofele – Arrigo Boito, IOCO Kritik, 23.06.2019

Juni 23, 2019 by  
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Staatsoper Stuttgart

Oper Stuttgart © Matthias Baus

Oper Stuttgart ©Matthias Baus

Mefistofele – Arrigo Boito

– nach Labor und Disco – die Erlösung im Himmel  –

von Peter Schlang

Als achte und letzte Premiere in der ersten Spielzeit ihres neuen Intendanten Viktor Schoner kam der Stuttgarter Staatsoper am 16. Juni  Mefistofele auf die Bühne. Es ist die einzig vollendete Oper von Arrigo Boito, 1842 – 1918; Opernfreunden vor allem als Librettist des Spätwerks Giuseppe Verdis bekannt. Mit diesem Werk  wollte man in Stuttgart nicht nur die Auseinandersetzung mit verschiedenen Fassungen des Fauststoffes fortsetzen, sondern (vielleicht) auch den Beweis antreten, dass die sich hartnäckig haltende Meinung, Boitos Begabung läge mehr im literarischen als im musikalischen Bereich, ein Vorurteil ist. Um es vorweg zu nehmen: Dieses Ziel wurde nicht (ganz) erreicht, was auf gar keinen Fall den musikalisch Beteiligten angelastet werden darf, die allesamt am Premierenabend eine respektable bis vorzügliche Leistung boten.

Arrigo Boito, begeisterterer  Anhänger Richard Wagners, was in seiner Oper an vielen Stellen heraushört, versucht in Mefistofele, das Bewährte der Italienischen Belcanto-Oper mit dem (deutschen) Musikdrama zu einer neuen Form zu verschmelzen. Dazu verknüpft er klangmächtige Vor- und Zwischenspiele, zum Dahinschmelzen schöne Arioso, die den transparenten Parlando-Stil Puccinis genauso vorwegnehmen wie sie das Kraftvoll-Italienische seines großen Kollegen Verdi nachahmen, mit wirkmächtigen, groß besetzten Chorszenen. Außerdem zeigt Boito, dass er als Komponist um die musikalischen Wurzeln und Ursprünge weiß, denn sein Mefistofele offenbart zahlreiche Anleihen aus früheren musikalischen Epochen.

Mefistofele – Arrigo Boito
youtube Trailer Staatsoper Stuttgart
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All dies ist handwerklich gut gemacht, anfangs recht unterhaltsam und leicht und angenehm zu hören, auf Dauer aber häufig schnell durchschaubar und lässt die musikalisch-dramatische Zuspitzung und Abwechslung vermissen.

Daniele Callegari, für diese Neu- Produktion aus Mailand nach Stuttgart geholter Spezialist für das italienische Ouevre, versucht alles, um aus Boitos Musik einen fesselnden, Opernabend zu machen und animiert das Staatsorchester Stuttgart zum veritablen Klangsurfen auf Boitos Klangwellen, wobei er deren Wucht bei den eher seltenen Stellen intimen Innehaltens nicht immer entschieden  zu drosseln vermag. Für den ebenfalls kraftvoll auftrumpfenden Staatsopernchor sind Callegari und sein Orchester ein sicherer, kongenialer Begleiter, die mit dazu beitragen, das von Manuel Pujol wieder hervorragend präparierte (erwachsene) Gesangskollektiv wie so häufig in Stuttgart zu einem Star des Abends werden zu lassen. Dass einem in Stuttgart auch um den Chornachwuchs nicht Angst werden muss, bewies der Kinderchor, den Bernhard Moncado  stimmlich wie darstellerisch bestens auf seine frischen, nicht selten wirbelnden Einsätze vorbereitet hatte.

Staatsoper Stuttgart / Mefistofele - hier :  Mika Kares als Mefistofele © Thomas Aurin

Staatsoper Stuttgart / Mefistofele – hier : Mika Kares als Mefistofele © Thomas Aurin

Als weiterer stimmlicher Leuchtturm des Abends entpuppte sich der finnische Bass Mika Kares, welcher für die Titelfigur nicht nur stimmlich das Dämonisch-Abgründige mitbringt und seinen tief grundierten Bass wunderbar durch die zweieinhalbstündige Aufführung gleiten lässt, sondern auch darstellerisch alles an Dämonischem und Teuflischem bereithält, das man von seiner Rolle nun einmal erwarten darf. Dennoch sind dem Mefistofele Kares‘ auch menschliche Züge nicht fremd, etwa wenn er mit Verzweiflung  und Abscheu und Stöhnen und Jammern auf die sphärischen Klänge der himmlischen Heerscharen reagiert und sich ostentativ die Ohren zuhält.

Gegen diese Vollblut-Theaterfigur hat es der Faust Antonello Palombis, der mitten in den Proben für den erkrankten, ursprünglich vorgesehenen Gianluca Terranova einsprang, naturgemäß schwer. Der Sänger gibt jedoch sein Bestes und überwindet im Verlauf des Abends anfängliche leichte Unsicherheiten und Schärfen in den Höhen. Ansonsten wird er im Gegensatz zu seinem teuflischen Widerpart von der Regie ziemlich allein gelassen, worüber noch zu schreiben sein wird.

In der Doppelrolle Margheritas und Elenas liefert die junge, zu Beginn der Spielzeit ans Haus gekommene Sopranistin Olga Busuioc (Foto) ein begeisterndes, zu größten Belcanto-Hoffnungen  berechtigendes Rollendebüt und meistert klangschön und scheinbar federleicht alle stimmlichen Herausforderungen, auch ihre teilweise gewagten Koloraturen.

Staatsoper Stuttgart / Mefistofele - hier :  Olga Busuioc als Margherita © Thomas Aurin

Staatsoper Stuttgart / Mefistofele – hier : Olga Busuioc als Margherita © Thomas Aurin

Ebenfalls ohne Einschränkung überzeugten die beiden übrigen, (noch)  zum Internationalen Opernstudio der Stuttgarter Oper gehörenden Protagonisten, die aus Kolumbien stammende Mezzo-Sopranistin Fiorella Hincapié in der Doppelrolle der Marta und der Pantalis sowie der junge amerikanische Tenor Christopher Sokolowski als Wagner bzw. Nerèo. Dieses Solisten-Quintett beweist auch, solistisch wie in den zahlreichen, unterschiedlich besetzten Ensemble-Szenen, die Richtigkeit des nach wie vor in Stuttgart praktizierten Ansatzes, so häufig wie möglich auf hauseigene Kräfte statt auf große Namen zu setzen und dabei auch dem Sängernachwuchs so früh wie möglich seine Chancen zu geben.

Bleibt zum nicht ganz so guten Schluss dieser letzten Stuttgarter IOCO – Premieren-Besprechung dieser Spielzeit ein Blick auf die Arbeit des Regieteams. Als dieses hatte man den Regisseur Àlex Ollé vom so hoch gepriesenen katalanischen Theater-Kollektiv La Fura dels Baus, den  Bühnenbildner Alfons Flores und den Kostümbildner Lluc Castells verpflichtet. Das war sicherlich nicht nur ein bemerkenswerter Marketing-Coup, sondern sorgt in der Aufführung – vor allem anfänglich – für manches Staunen und einige äußerst spektakuläre und  theaterwirksame Momente.

Diese waren aber in erster Linie das Verdienst der beiden Ausstatter, bei denen Lluc Castells mit seinen aufwändigen, äußerst abwechslungsreichen und sehr auffallenden  Kostümen zumindest optisch die Nase vorne hatte. Dafür, dass sich diese und ihre Träger wirkmächtig in Szene setzen konnten, sorgte – technisch und theater-architektonisch eine Meisterleistung –  Alfons Flores mit einer in allen Richtungen verschiebbaren Gerüst-Konstruktion. Mit ihren unterschiedlich zu bespielenden drei Ebenen verkörperte sie, völlig naturfern und etwas zu zeitgeistig, die Unterwelt wie den Himmel und bot auch den von diesen umschlossenen verschiedenen irdischen Spielstätten eine regie-freundliche, äußerst theaterwirksame Basis, die durch zwei seitliche Treppen ein weiteres dramaturgisch äußerst wirkungsvolles Element erhielt, das für imposante Auf- und Abtritte genutzt wird. Anfänglich ist sie ein steriler Laborraum, an dem in einer Art  Versuchsanordnung 36 in aseptisches Weiß gekleidete und mit Forschungs-, genauer Sezier-, vielleicht auch Manipulationsarbeiten beschäftige Wissenschaftler (siehe youtube Trailer) zu sehen sind. Deren Arbeit wird durch Mefistofeles beendet, der anschließend alle Laborplätze, auch Fausts erst sehr spät geräumten, desinfiziert. Später ist die Bühnenkonstruktion abwechselnd mal Diskothek, mal Schauplatz der Walpurgisnacht, dann Kerker und Hinrichtungsort Margaretes und schließlich wieder der Himmel, in den der hilflose, sich verladen vor-kommende Mefisto seine sicher geglaubte Beute Faust entschwinden lassen muss.

Staatsoper Stuttgart / Mefistofele - hier :  Olga Busuioc als Margherita, Mika Kares als Mefistofele, Antonello Palombi als Faust © Thomas Aurin

Staatsoper Stuttgart / Mefistofele – hier : Olga Busuioc als Margherita, Mika Kares als Mefistofele, Antonello Palombi als Faust © Thomas Aurin

Die meisten dieser Szenen entfachen – zumindest zunächst – einiges an   theatralischem Aufsehen und besitzen durchaus dramaturgische Sogkraft, reichen aber nicht aus, um daraus einen dramaturgisch dichten und ideenhaft nachhaltig wirkenden Theaterabend zu machen und eine über optische Reize hinausgehende Wirkung zu erzielen.

Zum offensichtlichen Manko dieser Neuinszenierung, die als Ko-Produktion  mit der Opéra de Lyon dort schon am 11. Oktober des vergangenen Jahres Premiere gefeiert hatte,  trägt nicht nur bei, dass die Möglichkeiten der geschilderten Theaterlandschaft begrenzt und nach nicht allzu vielen Bildern ausgereizt sind. Als Hauptverantwortlichen dafür, dass die eigentliche Botschaft des Stücks eher diffus bleibt und nur in Ansätzen wahrnehmbar wird, muss der kritische Betrachter den  Regisseur Àlex Ollé und seine in Stuttgart mit der szenischen Einstudierung betrauten Kolleginnen bzw. Assistentinnen Susana Gómez und Tine Buyse ansehen und benennen. Sie schaffen es nicht, eine schlüssige, den Kern treffende Personen-führung und –zeichnung einzubringen; belassen es bei allgemeingültigen, sich häufig wiederholenden, schnell abnützenden Bewegungsabläufen und Anordnungen – gerade auch in den großen Ensembleszenen. So stellt sich vor dem Auge des Betrachters und in dessen Denk- und Fühlzentrum spätestens nach dem zweiten Akt eine gewisse dramaturgisch-optische Langeweile ein, die vor allem wegen der ausführlich gelobten musikalischen Ebene nicht dazu führt, dass man ein baldiges, vorgezogenes Ende dieses Opernabends herbeisehnt.

Da hat man in Stuttgart schon häufig – und das auch und gerade in dieser ersten Saison unter der neuen Leitung – besseres, aufregenderes und unterhaltsameres Opern-Regie-Theater erlebt. So gesehen wurden die so hochgesteckten und  durch entsprechend medienwirksamen Einsatz geweckten Erwartungen, die mit dem Namen  La Fura dels Baus verbunden sind, doch erheblich enttäuscht. Ein gewichtiger Grund, sich diese Opernausgrabung nicht anzusehen und anzuhören, ist dies allerdings dann doch nicht.

Ob der Verfasser dieser Zeilen mit seinen Beobachtungen allein war oder ob andere Premierengäste es ähnlich empfanden, ließ sich am Ende des Abends nicht eindeutig feststellen. Das  Regieteam befand sich nämlich am Premierentag, wie es im Besetzungszettel entschuldigend zu lesen war, bereits zur Vorbereitung einer Neu-Inszenierung in Tokio und fehlte daher beim Schluss-Applaus. So gab es einmütigen, lang anhaltenden Beifall für die musikalische Seite dieses Stuttgarter Mefistofele, der berechtigterweise gleichermaßen den Solistinnen und Solisten wie den drei Kollektiven  galt.

Medistofele an der Staatsoper Stuttgart; die weiteren Vorstellungen 22., 24., 29. Juni sowie 04., 07., 12. Juli  2019

—| IOCO Kritik Staatsoper Stuttgart |—

Lüttich, Opéra Royal de Wallonie-Liège, Faust – Charles Gounod, IOCO Kritik, 29.01.2019

Opéra Royal de Wallonie-Liège © Opéra Royal de Wallonie-Liège.

Opéra Royal de Wallonie-Liège © Opéra Royal de Wallonie-Liège

Opéra Royal de Wallonie-Liège

FAUST (Margarethe)  –  Charles Gounod

Margarethe – „Ich bin wie in einem eisernen Ring gefangen!“

von Ingo Hamacher

22 bekannte FAUST – Opern bestehen in der Musikgeschichte. FAUST von Charles Gounod ist davon die berühmteste. Uraufführung am 19. März 1859 im Théâtre-Lyrique, Paris. In Deutschland wird Gounods FAUST meist als MARGARETHE aufgeführt. 1883 wurde die Metropolitan Opera, New York mit diesem Werk eröffnet.


„Ich bin wie in einem eisernen Ring gefangen!“ – Diesen Ausruf Margarethes im 4. Akt auf dem Gipfel ihrer Leiden, hat Stefano Poda als Thema seiner Lütticher FAUST-Inszenierung aufgegriffen, und platziert einen 10 Meter hohen und 2 Meter breiten eisernen Ring in die Mitte des Bühnengeschehens.

Um die ästhetische Einheit seiner Arbeiten für das Musiktheater zu gewährleisten, zeichnet der Italiener Stefano Poda (*1973) stets für die Inszenierung, Bühne, Kostüme, Licht und auch Choreographie verantwortlich, was seinen Inszenierungen ein ganz eigenes, gesamtkünstlerisches Gepräge verleiht. Dreh- und Schwenkbar wird dieser riesige Ring immer neue Blickwinkel und Perspektiven eröffnen, und so in größter Schlichtheit eine geradezu festspielwürdige Aufführung ermöglichen.

FAUST (Margarethe) –  Charles Gounod
youtube Trailer der Opéra Royal de Wallonie-Liège
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Der Bühnenboden ist kreisförmig mit deutschsprachigen Textauszügen des Goetheschen FAUST beschrieben, und wirkt wie ein Zauberbuch. Im Hintergrund und an den Seiten großblöckiges weißes Mauerwerk, dass bei Bedarf angehoben werden kann um dahinter schwarze Mauern zu zeigen.

Akt 1

Faust ist verzweifelt. Seine Bibliothek ist nichts mehr als ein riesiger Haufen Altpapier. Dutzende von Stundengläsern, deren Sand gnadenlos verrieselt, erinnert ihn daran, dass auch seine Zeit abläuft. Was er bisher nicht geschafft hat, wird ihm wohl nicht mehr gelingen. Er will sein Leben beenden; sieht er doch kaum auf mehr als auf ein ungelebtes Leben zurück. Wissenschaft und Glauben verfluchend, ruft er den Teufel an. Prompt erscheint dieser auch. Das Angebot ist verlockend: Als Gegenleistung für Jugend und Liebe soll er seine Seele verschreiben. Faust willigt ein.

Die anspruchsvolle Partie des FAUST wird von Marc Laho gesungen. Der 54 jährige belgische Tenor, der in Lüttich und Italien Gesang studiert hat und in weit über 30 Rollen auf zahlreichen internationalen Bühnen zu hören ist, singt einen großartigen Faust. Daran ändert auch nichts, dass er sich auf dem Höhepunkt der berühmten Kavatine „Salut! De meure chaste et pure“ („Hallo! Vom keuschen und reinem Morgen“) völlig versingt und lediglich einen schrillen, kaum zu ertragenen Ton herausbringt. Das Publikum reagiert mit verständnisvollem Gelächter. Die Partie ist schwierig, und Sänger sind auch nur Menschen. Versungen, aber nicht vertan, wird die Gesamtleistung der Arie mit reichlichem Applaus (!) belohnt.

Ildebrando D’Arcangelo, ein 50 jähriger italienischer Bass-Bariton, der weltweit vor allem klassische Rollen singt, ist erstmalig in Lüttich zu erleben. Er singt den Méphistophélès mit einer nachtschwärze, das seine Herkunft aus der Hölle auch akustisch mehr als glaubhaft wird.

Opéra Royal de Wallonie-Liège / FAUST - Charles Gounod hier A-C. GILLET als Margarethe M. LAHO als Faust © Opéra Royal de Wallonie-Liège

Opéra Royal de Wallonie-Liège / FAUST – Charles Gounod hier A-C. GILLET als Margarethe M. LAHO als Faust © Opéra Royal de Wallonie-Liège

Akt 2

Wir wissen: In der Stadt herrscht Trubel. Bürger feiern; Soldaten ziehen in den Krieg. Sehen können wir auf der Einheitsbühne den seine Position veränderten Eisenring und eine große Menschenmenge in Einheitskostümen. Männer in roten Anzügen, Frauen in gleichfarbigen Kleidern, jedoch mit schwarzen Hüten. Valentin, Bruder von Margarethe, vertraut seine Schwester seinem Freund Siebel an, da er selbst in den Krieg ziehen muss. Mephisto gesellt sich zu ihnen und gibt ein Lied zum Besten: Er weissagt Valentin und dessen Freund einen frühen Tod, Siebel aber, dass jede Blume in seiner Hand verwelken werde.

Valentin: Lionel Lhote – Der belgische Barintion, der in Mons und in Brüssel studiert hat, singt seit vielen Jahren große Partien im französisch- und deutschsprachigen Raum. In der laufenden Spielzeit wird er in Lüttich noch in AIDA von Verdi zu erleben sein. Na‘ama Goldman, israelischer Mezzosopran, singt die Hosenrolle des Siebel. Goldman ist seit 2011 festes Mitglied der Israeli Opera, tritt jedoch auch regelmäßig auf den internationalen Bühnen auf.

Nach allerlei Zauberkunststücken merken die Umstehenden, dass der Teufel seine Hand im Spiel hat und gehen fort. Faust wünscht sich von Mephisto, Margarethe zu sehen. Faust spricht Margarethe an und bittet, sie begleiten zu dürfen, während Mephisto Siebel, der das Mädchen ebenfalls liebt, wegdrängt. Faust wird zunächst von Margarethe abgewiesen, bleibt aber wie verzaubert zurück.

Margarethe: Anna-Catherine Gillet – Der 44-jährige belgische Sopran ist bereits in jungen Jahren von der Königlichen Oper der Wallonie-Liege entdeckt und ins Hausensemble aufgenommen worden. Von hier aus hat sie sich die großen Rollen und die großen Bühnen ersungen, wobei sie einen besonderen Bezug zum französischen Repertoire des 19. Jahrhundert hat. Gillet hat schönes dunkelblondes, langes Haar und entspricht vom Typ exakt dem, wie sich ein Deutscher eine Margarete vorstellt. Warum sie die Rolle mit einer pariserischen schwarzen Kurzhaarfrisur singt, wird wohl das Geheimnis des französischen Regisseurs bleiben.

Akt 3

Der eiserne Ring beherbergt inzwischen in seinem Inneren zwei abgestorbene, weiße Baumskelette. Eiserne Kugeln mit deutschsprachiger Beschriftung deuten tiefergehende Geheimnisse an, die zu entschlüsseln den Sterblichen nicht gegeben ist. Siebel bringt Margarethe Blumen, die ständig welken, bis er sie mit Weihwasser benetzt. Mephisto führt Faust vor Margarethes Wohnung und stellt ein Kästchen Juwelen vor die Tür.

Als das Mädchen von der Kirche zurückkehrt und die Kostbarkeiten sieht, sind Siebels Blumen (hier in Form eines reich besetzten Blumenmantels) rasch vergessen. Marguerite probiert die prächtigen Juwelen an und verliebt sich in sie. Dem musikalischen Höhepunkt der Oper, die „Juwelenarie“ wird Anna-Catherine Gillet in vollem Umfang gerecht, wofür sie mit verdientem Applaus und Ovationen gefeiert wird. Faust und Mephisto kommen wieder und gehen mit den Frauen in den Garten. Mephisto flirtet mit Marthe, der er berichtet, dass ihr Mann tot ist. Marthe wird stimmschön von der belgischen Mezzosopranistin Angélique Noldus gesungen. Faust findet Gelegenheit, Margarethe seine Liebe zu gestehen. Von der Reinheit des Mädchens beeindruckt, will Faust fliehen. Mephisto hält ihn zurück und führt ihn in die Nähe ihres Zimmers, wo er sie sehnsüchtig singen hört. Faust kann sich nicht mehr zurückhalten und stürzt in die Arme der Geliebten. Mephisto eilt triumphierend davon.

Opéra Royal de Wallonie-Liège / FAUST - Charles Gounod - hier : Ensemble © Opéra Royal de Wallonie-Liège

Opéra Royal de Wallonie-Liège / FAUST – Charles Gounod – hier : Ensemble © Opéra Royal de Wallonie-Liège

Akt 4

Faust hat Margarethe, die ein Kind erwartet, verlassen. Das Mädchen wird von allen verspottet, nur Siebel steht ihr bei. In der Kirche sucht sie Trost im Gebet. Eine Scheibe hatte sich wie eine Schablone hinter den aufgerichteten Eisenring geschoben, und ließ das lichtdurchflutende Kreuzzeichen als letztes Zeichen der Hoffnung aufscheinen. Aber Mephisto, die Stimme ihres Gewissens, lässt ihr auch hier keine Ruhe. Margarethe bricht ohnmächtig zusammen. Valentin kehrt mit seinen Kameraden zurück. Sie tragen bodenlange Soldatenmäntel und Dornenkronen als Zeichen des durchlittenen Leides. Margarethes Zustand bleibt ihm nicht lange verborgen, auch Siebel kann ihn nicht beruhigen.

Mephisto singt eine anzügliche Serenade, zu der zehn schwarz gekleidete, ebenfalls schwangere Frauen die Bühne betreten. Nacheinander lässt Mephisto die Luftballons, die unter den Gewändern versteckt die Schwangerschaften andeuten, unter höhnischem Gelächter zerplatzen. Faust will Margarethe sehen; Valentin stürzt davon.

Er wird von Faust, dessen Degen Mephisto lenkt, getötet. Während Faust und Mephisto fliehen, verflucht Valentin vor allen nun in Schwarz gekleideten Menschen sterbend seine Schwester, die von Siebel weggeführt wird.

Akt 5

Mephisto führt Faust zum Hexensabbat und der Walpurgisnacht auf den Brocken. Ein berauschendes Bacchanal wird von nackten Männern und Frauen getanzt, die von Kopf bis Fuß mit eisengrauer Farbe angemalt sind. Faust erscheint eine Vision Gretchens, die im Kerker ihre Hinrichtung erwartet, weil sie im Wahn ihr Kind getötet hat. Faust drängt Mephisto, seine Geliebte zu retten; beide eilen davon. Margarethe liegt phantasierend und von Gesichtern gequält auf dem Boden; an dem riesigen Einsenring abgespannte Seile deuten die Kerkerstäbe an. Die Stimme Fausts weckt das Mädchen, das ihn freudig begrüsst.

Opéra Royal de Wallonie-Liège / FAUST - Charles Gounod - hier D'ARCANGELO als Mephisto © Opéra Royal de Wallonie-Liège

Opéra Royal de Wallonie-Liège / FAUST – Charles Gounod – hier D’ARCANGELO als Mephisto © Opéra Royal de Wallonie-Liège

Beide erinnern sich der vergangenen schönen Tage und ihrer Liebe, doch Margarethe kann Faust nicht mehr folgen und fleht Gott um Erbarmen an. Vergebens sind Fausts Bitten. Margarethe wendet sich schaudernd von ihm und Mephisto ab. Sie sinkt tot zu Boden. Mephistos »Gerichtet« beantwortet der Himmel mit »Gerettet«. Weitere gesanglichen Höhepunkte: Abschiedsarie Valentins, das Rondo Mephistos und der Chor der Soldaten wurden ebenfalls großartig gesungen.

Langanhaltender Applaus für eine äußerst gelungene Vorstellung – Ovationen für die großartige Leistung von Stefano Poda

Für Lütticher Verhältnisse, die ihren Schwerpunkt auf klassische Inszenierungen im klassischen Dekor setzten, ein ungewöhnlich modern inszeniertes Werk. Es handelt sich hier um eine Übernahme aus dem Theatro Regio Torino in Zusammenarbeit mit der Opéra de Lausanne und der New Israeli Opera de Tel Aviv.

Musikalische Leitung: Patrick Davin. Der 1962 geborene Belgier hat mit zahlreichen großen Regisseuren und Komponisten zusammen gearbeitet, und führt das Orchester durch alle Feinheiten der Partitur. Inszenierung, Bühne, Kostüme, Choreographie und Beleuchtung: Stefano Poda, Choreinstudierung: Pierre Iodice, Orchester, Chor und Technik:, Opéra Royal de Wallonie-Liège

FAUST von Charles Gounod an der Opéra Royal de Wallonie-Liège:  Die weiteren Termine in Lüttich: 25.01.; 27.01.; 29.01.; 31.01.; 02.02.2019.  Im Palais des Beaux-Arts de Charleroi wird das Stück am 08.02.2019 zu sehen sein.

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