Niederlanden, Nederlandse Reisopera, Premiere L’Orfeo – Monteverdi, 25.01.2020

Januar 22, 2020 by  
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Nederlandse Reisopera  

Nederlandse Reisopera / L’Orfeo Claudio Monteverdi © Marco Borggreve

Nederlandse Reisopera / L’Orfeo Claudio Monteverdi © Marco Borggreve

Nederlandse Reisopera

L’Orfeo – Claudio Monteverdi

Favola in musica, Libretto by Alessandro Striggio, World Premiere: 24 februari 1607, Palazzo Ducale, Mantua

Premiere 25.01.2020

Artistic team
Conductor – Hernán Schvartzman
Concept – Monique Wagemakers, Lonneke Gordijn (Studio DRIFT), Nanine Linning
Director – Monique Wagemakers
Choreographer – Nanine Linning
Installation ‘Ego’ – Lonneke Gordijn (Studio DRIFT)
Costume design – Marlou Breuls
Lighting design – Thomas C. Hase

La Musica / Messagiera / Proserpina – Luciana Mancini
Orfeo – Samuel Boden
Euridice / Speranza / Eco – Kristen Witmer
Caronte / Spirito – Alex Rosen
Plutone / Pastore / Spirito – Yannis François
Ninfa – Lucía Martín-Cartón
Apollo / Pastore / Spirito – Laurence Kilsby
Pastore / Spirito – Kevin Skelton
Pastore / Spirito – Nils Wanderer
Spirito – Damien Pass
Dancers Dance Company Nanine Linning – Demi-Carlin Aarts, Mirko de Campi, Luca Cappai, Kimmie Cumming, Milan van Ettekoven, Anna Suleyman Harms, Boglarka Heim, Sergio Indiveri, Hang-Ceng Lee, Kyle Patrick
Orchestra – La Sfera Armoniosa
The opera is sung in Italian with Dutch and English surtitels
The performance last 2 hrs and 20 minutes, including one interval.

Termine : Enschede (25 Jan, première), Leeuwarden (31 Jan), Maastricht (2 Feb), Utrecht (7 Feb), Amsterdam (9 + 11 Feb), Rotterdam (13 Feb), Zwolle (15 Feb), Arnhem (20 Feb), Den Haag (22 Feb).

Starting Saturday, 25 January 2020, Nederlandse Reisopera (Dutch National Touring Opera) will tour the Netherlands with a new opera production of L’Orfeo (1607, Claudio Monteverdi). The artistic team of this production has made this first ‘primal opera’ of Monteverdi into a contemporary Gesamtkunstwerk in which the artistic team blend together stage direction, choreography and design into a unique production from the very beginning.

There is no ‘set’ on the stage; instead, we see the moving installation Ego by artist Lonneke Gordijn (Studio DRIFT). The direction/choreography of Monique Wagemakers and Nanine Linning makes no distinction between singing and dancing scenes: the ten singers and ten dancers, together with Ego, form one single organism that retains the audience’s attention during the entire performance. The costumes of fashion designer Marlou Breuls accentuate and enhance the effect of homogeneity.
Hernán Schvartzman (OPERA2DAY) is the musical director of this production, conducting the Baroque ensemble La Sfera Armoniosa.

L’Orfeo Monteverdi
youtube Trailer Nederlandse Reisopera
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Director Monique Wagemakers, together with choreographer Nanine Linning and artist Lonneke Gordijn (Studio DRIFT), developed the concept for this opera as a contemporary Gesamtkunstwerk that fully integrates stage direction, choreography and design. Fashion designer Marlou Breuls was brought in to create the costumes. Right from the start, Wagemakers’ intention was to find a new way to make opera. This is why she deliberately sought collaborations with independent artists.

On working with Lonneke Gordijn, Monique Wagemakers says, ‘Lonneke has a fascination for nature; with her installations she operates at the edge between life and death, between day and night, between being frozen in rigidity and getting moving – exactly what Orpheus is about.’ Choreographer Nanine Linning incorporates her strongly personal and physical dance language into this concept. The ten dancers of her Dance Company are part of the cast. Because singers and dancers in this production form a single group and are always onstage, Linning was also involved in the casting of the singers.

Nederlandse Reisopera / L’Orfeo Claudio Monteverdi © Marco Borggreve

Nederlandse Reisopera / L’Orfeo Claudio Monteverdi © Marco Borggreve

On the day Orpheus and Eurydice get married, she is bitten by a snake and dies. Orpheus cannot accept her death. He decides to descend to the underworld, the kingdom of the dead, in a final attempt to retrieve her and thus recover his happiness. He convinces the gods of the underworld to let Eurydice return with him to the kingdom of the living. Pluto gives his permission but forbids Orpheus to look back at Euridice while on the way back to the upper world. Orpheus feels insecure and looks back towards Euridice anyway, losing her for a second time.

For this production artist Lonneke Gordijn (Studio DRIFT) developed the overwhelming installation Ego, a handwoven mobile sculpture made of nylon thread measuring 9 x 4.5 x 4.5 metres that fills almost the entire stage. Ego represents the perspective of man and shows how hope, truth and emotions are a direct result of either the rigidity or the dynamism of our thoughts.

Jointly with the interactions of singers and dancers, the sculpture takes us into Orpheus’ inner world. Orpheus is stuck in his own inflexible views about love and life. It is only when his world fully collapses – after he loses Euridice – that he rises above his own self. He has to face the laws of nature, and this new goal in his life completely changes his perspective, suddenly making him a strong figure.

Ego is steered by motors, algorithms and specially developed software. During the performances, Ego is also ‘conducted’ manually so it can react to the tempo of the music. The motions of the sculpture depict Orpheus’ emotions, fears and strength. Ego is therefore not only the stage decor but also a soloist in this production.

Nederlandse Reisopera / L’Orfeo Claudio Monteverdi © Marco Borggreve

Nederlandse Reisopera / L’Orfeo Claudio Monteverdi © Marco Borggreve

Director Monique Wagemakers and choreographer Nanine Linning chose to present the ten singers and ten dancers as a homogeneous group, and together with the installation Ego as asingle organism on the stage. Everyone in this opera is part of Orpheus’ inner world. Ego is his universe.

The other characters as such are not always recognisable as separate roles. All the singers and dancers remain onstage during the entire performance. The work process reflects this, as they always rehearse in a single studio. In this way, the theatrical direction and the choreography organically flow into each other.
The daily regime and rehearsals include strength training, exercises in energy awareness, the body’s architecture, spatial relationships with each other, carrying and lifting each other, relaxation and tension, breathing techniques for movement and singing, and forming one single body as a group.

Linning: By having the singers and dancers work physically together every day, the rough edges disappear. This results in a really exciting work process in which the entire cast is invited to see, feel and listen outside the beaten path. The dance language for this opera is eloquent without being anecdotic. As an artist and choreographer, this opera challenges me to create theatrical dance that integrates the poetic texts and fantastic atmospheric music. The bodies of the singers and dancers tell with and without words about Orpheus’ quest in search of happiness.’  The production’s dancers are part of Linning’s own Dance Company Nanine Linning, based in Germany.

Fashion designer Marlou Breuls further developed the concept in the costumes for the entire cast’s singers and dancers. She chose close-fitting, skin-coloured costumes made of gauze. PVC strips are integrated as lines into the costumes, following the bodies and movements of the singers and dancers. Each cast member wears a costume with a unique line pattern that tells a different story for each individual and produces different effects with the lighting and projections. For the scenes in the underworld, Breuls includes materials such as pleated jackets and skirts that accentuate the movements of the singers and dancers.

Conductor Hernán Schvartzman sees L’Orfeo as a timeless opera, ‘It is wonderful to see how an opera that is 400 years old can still be a contemporary work in each time period. Our making of a contemporary version, with its daring artistic choices, fully fits with the intentionof Claudio Monteverdi. Further elaborating on the work of his predecessors of the Camerata Fiorentina in 1607, he even created an entire new art form: opera.’

‘In general, composers of Monteverdi’s time were not that accurate when notating instrumental scores. By contrast, Monteverdi goes into great detail in this opera, with a rich palette of colours and strong symbolic connotations: flutes for the shepherd, organ and harp symbolising Orpheus’ harp, and trombones and regals for the underworld.’ ‘I am very pleased with the collaboration with Baroque ensemble La Sfera Armoniosa; they are specialised in 17th-century music, and their musicians have played with the best ensembles around the world.’

Nederlandse Reisopera / L’Orfeo Claudio Monteverdi © Marco Borggreve

Nederlandse Reisopera / L’Orfeo Claudio Monteverdi © Marco Borggreve

During his life, Monteverdi (1567-1643) was the greatest promoter of the brand-new genre of opera, and his musical fable L’Orfeo is the only work from that initial period that still manages to be both exciting and moving. The composer follows the tradition of his time by placing the music fully in service of the text, but what distinguishes him from his contemporaries is the outstanding inventiveness with which he does it.
For the declamation of the text, Monteverdi comes up with countless different musical formulas that never sound contrived. There are no arias such as those we hear in operas of later generations. Even the highlight of the opera, the long monologue Possente spirto, in which Orpheus has to deploy all his musical talents in order to enter the underworld, can hardly be considered melodic to our ears: it sounds more like a beautifully ornamented recitativo. Monteverdi alternates these deep and virtuoso moments with lighter scenes in which he uses his most beautiful melodies for choral and dance music.


Interview mit Monique Wagenakers 

Monteverdis „Uroper“ als zeitgenössisches Gesamtkunstwerk

„In uns allen steckt ein Orpheus“

Was Orpheus durchmacht, ist kein Trauerprozess laut den Machern von L’Orfeo. Regisseurin Monique Wagemakers: „Orpheus kann sich nicht von dem Schmerz der Vergangenheit lösen. Das hindert ihn daran, Glück zu erleben, wenn es da ist.“

Regisseurin Monique Wagenakers kommt gerade von einem Treffen mit dem Lichtdesigner und dem technischen Direktor von Nederlandse Reisopera (Niederländische Reiseoper). Diese außergewöhnliche Inszenierung von L’Orfeo (1607) erfordert viel Aufmerksamkeit. Die „Uroper“ von Monteverdi als zeitgenössisches Gesamtkunstwerk, mit Wagemakers, der Künstlerin Lonneke Gordijn vom Studio Drift und der Choreographin Nanine Linning als treibende Kraft. Gemeinsam entwickelten sie das Konzept. Später stieß noch die Modedesignerin Marlou Breuls hinzu. Jede einzelne von ihnen ist eine eigenständige Künstlerin mit internationalem Ruf. Ein intensiver Prozess, meint die Regisseurin, vor allem aber eine „wahnsinnig tolle“ Erfahrung.

Nederlandse Reisopera / L’Orfeo Claudio Monteverdi © Marco Borggreve

Nederlandse Reisopera / L’Orfeo Claudio Monteverdi © Marco Borggreve

Zwischen Leben und Tod

Das Designerduo Studio Drift verbindet Natur und Technik zu kuriosen Installationen. Lonneke Gordijn war vor allem mit Orpheus beschäftigt, denn während ihr Partner Ralph Nauta sich hauptsächlich auf die Technik konzentriert, widmet sie sich dem natürlichen Element. Monique Wagemakers: „Lonneke arbeitet mit ihren Installationen an der Grenze von Leben und Tod, von Tag und Nacht, von in Starre verharren und in Bewegung kommen. Genau das, worum es bei L‘Orfeo geht.“

Die Arbeit von Nanine Linning passt perfekt dazu. „Mich interessiert das Instinktive“, gab die Choreographin als den roten Faden in ihrem Werk an. Entgegen dem Schubladendenken kombiniert sie Tanz mit Design, Video, Technologie, bildender Kunst und Mode. Ihre Inszenierungen, wie Bacon und Khôra, werden für ihre Intensität gerühmt. „Sie hat eine deutliche, starke und sehr körperliche Tanzsprache, mit der sie wahnsinnig viel zum Ausdruck bringt“, sagt Wagemakers.

Nederlandse Reisopera / L’Orfeo Claudio Monteverdi © Marco Borggreve

Nederlandse Reisopera / L’Orfeo Claudio Monteverdi © Marco Borggreve


Das ist das „Dream-Team“, das eine Antwort auf die grundlegende Frage der Regisseurin finden musste. Wie ist es möglich, dass der mythische Sänger Orpheus bereits jahrhundertelang unzählige Künstler inspiriert hat? Wagemakers: „Was bewegt all diese Komponisten, Dichter, Maler, Schriftsteller und andere so sehr, dass sie seine Geschichte immer wieder erzählen wollen? Obwohl es im Grunde genommen eine sehr bescheidene Erzählung ist. Ovid widmet ihr in seinen Metamorphosen kaum ein paar Seiten.“ Sie wusste, sie brauchte Künstler(innen), um eine Antwort auf diese Frage zu finden.

Für die Kostüme wurde die junge Modedesignerin Marlou Breuls gewonnen. Während man die Charaktere in der Regel leicht an ihrer Kleidung erkennen kann, ist der Unterschied hier weniger prägnant, erläutert Monique Wagemakers. „Zehn Sänger und zehn Tänzer bilden eine homogene Gruppe, einen Organismus. Zusammen sind sie sozusagen der eine Körper, aus dem die Geschichte erzählt wird.

Nederlandse Reisopera / L’Orfeo Claudio Monteverdi © Marco Borggreve

Nederlandse Reisopera / L’Orfeo Claudio Monteverdi © Marco Borggreve

Kunstwerk spiegelt Emotionen

Die Sänger und Tänzer stehen ständig auf der Bühne, auf der sie in unterschiedlichen Zusammenstellungen mal Teil des Organismus sind, mal in ihrer Umgebung aufgehen oder zu einer Figur werden. So wie die Eurydikes, die auch nach ihrem Tod Teil des Gesamten bleibt. So ungewöhnlich die Gestaltung auch sein mag, es bleibt eine Oper, versichert uns die Regisseurin. „Es ist kein experimentelles Theater. Sie werden sofort in Orpheus Welt entführt.“ Die bewegende und sich ständig verändernde Installation von Studio Drift zeigt die Emotionen des mythischen Künstlers, der mit seinem Gesang versucht, seine geliebte Eurydike aus der Unterwelt zu retten.

Was hat Wagemakers angetrieben, die x-te Macherin dieser Geschichte zu sein? „Natürlich habe ich mich auf das Wesentliche der Musik und des Librettos konzentriert. Was passiert da genau? Der Kern ist: Orpheus bleibt in der Vergangenheit stecken. Selbst wenn das Glück da ist, ist er nicht in der Lage, dieses Glück zu fühlen. Selbst an seinem Hochzeitstag erinnert er sich an die Zeit, da er unglücklich und allein war. Unterdessen pflückt Eurydike Blumen; sie wird von einer Schlange gebissen und stirbt. Und wenn das Böse erst einmal geschehen ist, weigert er sich, dies zu akzeptieren.“

Zeit zurückdrehen

Womit der Spiegel direkt vor unserer Nase hängt. Wagemakers: „Wir alle haben etwas von Orpheus in uns. In katastrophalen Momenten wollen wir nur eines und zwar die Zeit zurückdrehen. „Hätte ich nur, wenn ich nur …“ Orpheus lässt Worten Taten folgen und holt seine Geliebte aus dem Schattenreich zurück. Aber er kann dabei nicht der Versuchung widerstehen, sie anzuschauen, woraufhin er sie dennoch für immer verliert. Warum schaut er zurück? Weil er mit dieser Richtung vertraut ist, ist darauf die einfache Antwort von Wagemakers. „In die Zukunft schauen, das hat er noch nie gemacht und das kann er auch nicht. Daher stammt auch seine Unsicherheit. Beim geringsten Anlass erschreckt er und blickt wieder zurück.“

Im Grunde spiegelt Monteverdis Musik auch den Übergang von Renaissance und Barock wider. Wagemakers: „Man hört, dass Orpheus noch in den alten Zeiten feststeckt, während sich die Zukunft sich bereits im Barock abspielt, wo es mehr Raum für Emotionen gibt.“ Für sie wird der fragmentarische Charakter der Musik eingehend durch ihre Tiefe kompensiert. „Die Musik berührt Sie in Ihrer Seele, ist sehr rein. Bei Striggios Libretto geht es auffallend häufig um „Das Glück“. Orpheus ist das Symbol für die Macht der Musik. Orpheus Suche, die alle immer wieder aufs Neue inspiriert… Die Musik lässt einen spüren, was er durchmacht und wie er damit umgeht. ”

Leben im Moment

Für Wagemakers und ihre Macherinnen-Kolleginnen ist klar: „Was Orpheus durchmacht, ist kein Trauerprozess.“ Für das Team geht es in dieser Oper viel mehr um die Unfähigkeit, im Moment zu leben und das Glück zu spüren, wenn es da ist. Und das gibt es zu allen Zeiten, obwohl es zu unseren Zeiten mehr oder weniger das ultimative Ziel ist. Es ist laut Wagemakers nach wie vor ziemlich

schwierig, sich das Leben zu greifen. „Nicht zu viel zurückschauen, sich nicht zu sehr auf die Zukunft konzentrieren. Glücklich sein im Moment.“

Sie verweist auf die Aussage Apollos gegenüber seinem Sohn Orpheus am Ende der Oper. „Warum hältst du weiter an deinen Ressentiments und deiner Trauer fest, weißt du denn nicht, dass irdisches Glück nie endlos lange andauert?“

Ingrid Bosman, 2019

—| Pressemeldung Nederlandse Reisopera |—

Düsseldorf, Robert Schumann Saal, Konzert Simone Kermes Sopran – Daniel Heide Klavier, 19.01.2019

November 29, 2019 by  
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Robert Schumann Saal   

Robert Schumann Saal im MPK Düsseldorf © Christoph Schuknecht

Robert Schumann Saal im MPK Düsseldorf © Christoph Schuknecht

Simone Kermes Sopran | Daniel Heide Klavier
Hautnah – von Monteverdi bis Hollaender

Konzertreihe erstKlassik!
So, 19.1.2020, 17 Uhr

Gefeiert auf den großen Opern- und Konzertbühnen der Welt, bringt die Star-Sopranistin Simone Kermes ein kammermusikalisches Programm auf die Bühne, das in keine Schublade passt. Nur vom Klavier begleitet, nimmt die große Virtuosin mit der einzigartigen Bühnenpräsenz das Publikum mit, wie sie sagt, auf eine „Reise durch alle Zeiten, alle Gefühle“ mit Liedern, Chansons und Arien von Monteverdi, Vivaldi, Rossini, Mendelssohn, Wolf, Fauré, Hollaender u. v. a. Mal zurückhaltend innig-zart, mal funkensprühend und über die Bühne fegend wie ein „Wirbelwind“ oder „Naturereignis“ (Süddeutsche Zeitung), zeigt sie in diesem Programm alle Facetten ihrer hohen Kunst.

Robert Schumann Saal / Simone Kermes © Sandra Ludewig

Robert Schumann Saal / Simone Kermes © Sandra Ludewig

Antonio Vivaldi (1678-1741)
Agitata da due venti – Arie der Costanza aus der Oper „La Griselda“
Giovanni Bononcini (1670-1747)
Ombra mai fu – Arie des Serse aus der Oper „Serse“
Giovanni Battista Pergolosi (1710-1736)
Tu me da me dividi – Arie der Aristea aus der Oper „L`Olimpiade“
Claudio Monteverdi (1567-1643)
Lamento della ninfa – Amor , Amor
Tarquinio Merula (1595-1665)
Folle é ben che si crede
Gioacchino Rossini (1792-1868)
La danza
Canzonetta spagnuola

Hugo Wolf (1860-1903)
Begegnung (Mörike)
Das verlassene Mägdelein (Mörike)
Felix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847)
Suleika (Gothe)
Gruß (Heine)
Andres Maienlied – Hexenlied (Hölty)
Reynaldo Hahn (1874-1947)
A Chloris (Théophile de Viau)
Gabriel Fauré (1845-1924)
En Sourdine op 58 Nr. 2
Prison op 83 Nr. 1
Leó Delibes (1836-1891)
Les Filles de cadiz (Alfred de Musset)
Philippe Sarde
Chanson du Helene
Friedrich Holländer (1896-1976)
Ich weiß nicht, zu wem ich gehöre
Gaetano Donizetti (1797-1848)
Ah tardei troppo … O luce di quest`anima
Arie der Linda aus der Oper „Linda di Charmounix“ Änderungen vorbehalten.

Simone Kermes
„Die aus Leipzig stammende Sopranistin Simone Kermes ist am treffendsten als Naturereignis zu bezeichnen. Im Gegensatz zu ihren Kollegen, die einen Liederabend über in der Ausbuchtung des Flügels verharren, fegt Kermes wie ein Wirbelwind über das Podium. Und bietet, was man sonst nur von Pop-Diven kennt. Visuell, wohlgemerkt, denn sängerisch spielt sie in der ersten Liga der Klassik- Stars.“ Süddeutsche Zeitung „Zu erleben, welche Lust diese Sängerin an ihrem Tun hat, ist schlicht überwältigend.“ SZ Simone Kermes wird für ihre einzigartige Bühnenpräsenz und enorme Virtuosität geschätzt.

Die Konzeptalben, die sie selbst entwickelt, werden zusammen mit ihrem Plattenlabel Sony produziert. Dort setzt sie keine Grenzen, sondern ist in allen Musikstilen zu Hause. Ihre Alben stürmen sogar die Pop-Charts.

Im Jahre 2017 hat Simone Kermes ihr eigenes Orchester kreiert mit dem Namen „Kermes e Amici Veneziani“. Basierend auf jahrelanger Erfahrung im Zusammenspiel mit ihren Musikern war es ihr ein Anliegen, „Qualität und Menschlichkeit gleichermaßen zusammenzubringen, zu erleben und weiter zu tragen“. Im selben Jahr gründete Simone Kermes ihre eigene Künstleragentur, Kermes Artists GmbH. Sie gibt erfolgreich Meisterkurse in der ganzen Welt. Die Jugend zu fördern, ihr eigenes musikalisches Wissen und ihre Erfahrungen weiterzugeben, liegen Simone Kermes besonders am Herzen. Simone Kermes gastiert weltweit an den bedeutenden Opern- und Konzerthäusern. Sie ist Mendelssohn- und Bachpreisträgerin und wurde mit zahlreichen Ausgezeichnungen geehrt, u. a. mit dem ECHO Klassik als „Sängerin des Jahres“ sowie einem ECHO für die Operneinspielung des Jahres und dem bedeutenden russischen Opernpreis „Die goldene Maske“ für Mozarts „Cosi fan tutte“.


—| Pressemeldung Robert Schumann Saal Düsseldorf |—

Baden-Baden, Festspielhaus, Hamburg Ballett – Orphée et Eurydice, 27.09.2019


Festspielhaus Baden – Baden

Festspielhaus Baden-Baden © Festspielhaus Baden-Baden

Festspielhaus Baden-Baden © Festspielhaus Baden-Baden

 John Neumeier / Hamburg Ballett – Orphée et Eurydice

 Saison 2019/2020 – Beginn mit Grundpfeiler europäischer Kulturgeschichte  

Im Festspielhaus Baden-Baden beginnt am 27. September 2019 um 19 Uhr eine neue Ära. Intendant Benedikt Stampa begrüßt das Publikum an diesem Abend als neuer Hausherr in Deutschlands größtem Opernhaus. Zur Eröffnung der Spielzeit 2019/2020 zeigen das Festspielhaus und das Hamburg Ballett John Neumeier die Oper Orphée et Eurydice von Christoph Willibald Gluck. Im Rahmen der Premierenfeier wird der neue Intendant an diesem Abend sein Publikum persönlich begrüßen.

Festspielhaus Baden-Baden / Orphée - © Kiran West

Festspielhaus Baden-Baden / Orphée – © Kiran West

Weitere Vorstellungen der Oper sind am Samstag, 28. September um 18 Uhr sowie am Sonntag, 29. September um 17 Uhr. Eintrittskarten gibt es unter oder Tel. 07221 / 30 13 101.

Der Salon des 21. Jahrhunderts in Baden-Baden
„Glucks ‚Orphée‘ ist eine Oper, die uns noch heute direkt ins Herz trifft“, sagt der neue Festspielhaus-Intendant Benedikt Stampa. Er möchte mit dem Publikum Meisterwerke neu entdecken und nachspüren, was Europa im Innersten zusammenhält. „Ich bin fest davon überzeugt, dass es Mythen wie diese sind, die maßgeblich dazu beitragen, dass wir so sind, wie wir sind“, sagt der Intendant. Den Sehnsuchtsort Baden-Baden zu einem Salon des 21. Jahrhunderts entwickeln – das hat sich Benedikt Stampa mit Künstlern aus aller Welt auf die Fahnen geschrieben. Zu ihnen zählen in den kommenden Monaten Dirigenten wie Teodor Currentzis, Yannick Nézet-Séguin, Sir Simon Rattle,

Thomas Hengelbrock, Kirill Petrenko und Andris Nelsons sowie Sängerinnen und Sänger wie Cecilia Bartoli, Marlis Petersen, Renée Fleming, Diana Damrau und Jonas Kaufmann. Orchester wie die Berliner Philharmoniker, die Wiener Philharmoniker, das London Symphony Orchestra und das Gewandhausorchester Leipzig kommen 2019/2020 in rascher Folge nach Baden-Baden, der wiedererwachenden Kulturstadt im Herzen Europas.

Orphée et Eurydice – Christoph Willibald Gluck
youtube Trailer des Hamburg Ballett _ John Neumeier
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Grundpfeiler der europäischen Kultur
Die Baden-Badener Premiere der ersten Opernarbeit von Jahrhundert- Choreograf John Neumeier nach langer Zeit trägt verschiedene Botschaften in sich: „Es ist mir wichtig, dass wir mit dem Orpheus-Mythos einen Grundpfeiler der europäischen Kultur neu betrachten“, so Benedikt Stampa. Er ist sich sicher: Die Kunst kann unser Leben verändern, ja, verbessern, wenn wir sie ernst nehmen.

Visionär im Dienste des Publikums
Die aus der griechischen Mythologie erwachsene Geschichte der Oper Orphée et Eurydice handelt vom besten Sänger der Welt, der den Tod seiner Frau beklagt. Durch die Musik gerührt, gestatten die Götter dem Künstler, ins Reich der Toten zu kommen, und geben ihm die Chance, seine Frau Eurydike zu befreien. Der Gesang, der die Herzen der Götter erweicht, steht dabei für die Kunst an sich.

Viele Komponisten wurden durch die Orpheus-Sage angeregt. Nach Claudio Monteverdi, einem der ersten Opernkomponisten überhaupt, schuf Christoph Willibald Gluck Mitte des 18. Jahrhunderts gleich mehrere Fassungen seiner „Orpheus-Oper“, darunter 1774 die nun in Baden-Baden aufgeführte Pariser Fassung. Christoph Willibald Gluck (1714–1787) war der einflussreichste unter den Komponisten, die versuchten, die Oper damals wieder zu dem zu machen, was sie 100 Jahre zuvor schon einmal war: eine Kunst, deren Erzählform  realistischen Prinzipien folgte und nicht allein den technischen Möglichkeiten der Sängerinnen und Sänger. Glucks Ziele waren dramatische Wahrhaftigkeit und die Anteilnahme des Publikums am Gefühlsleben und Schicksal der Charaktere. Die Oper sollte keine leere Rhetorik, sondern dramatische Handlung entwickeln, keine starren Charaktere auf die Bühne stellen, sondern Menschen und ihre Leidenschaften porträtieren.

John Neumeier © IOCO

John Neumeier © IOCO

Getreu der primären Intention des Komponisten, menschliche Gefühle intuitiv erfahrbar zu machen ohne sie hinter musikalischer oder gesangstechnischer Virtuosität zu verstecken, entwickelte der Hamburger Ballettintendant und Chefchoreograf ein „Gesamtkunstwerk“, das die unmittelbare Kommunikation mit dem Publikum mittels wiedererkennbarer, nahbarer Emotionen in den Vordergrund stellt: „Wir alle haben Verlusterfahrungen gemacht –auch wenn sie nicht die Dimension des Wahnsinns erreichen, wie sie meiner Ansicht nach in Orphée gezeigt werden“, so John Neumeier.

Hamburg Ballett trifft Freiburger Barockorchester
Zur Eröffnung der Festspielhaus-Saison 2019/2020 trifft das Hamburg Ballett John Neumeier in Baden-Baden auf ein eigens für diese Aufführungen zusammengestelltes Solistenensemble. Die Musikalische Leitung hat Alessandro De Marchi. Dmitry Korchak (27./29.9.) und Maxim Mironov (28.9.) singen die Partie des Orphée. Arianna Vendittelli ist Eurydice und Marie- Sophie Pollak übernimmt die Rolle des Amour. Im Baden-Badener Orchestergraben nimmt das Freiburger Barockorchester Platz. Das Vocalensemble Rastatt stellt den Chor dieser szenischen Aufführungen.

—| Pressemeldung Festspielhaus Baden-Baden |—

Hamburg, Philharmonisches Staatsorchester Hamburg, Philharmonische Akademie, August 2019

Staatsorchester Hamburg

 Elbphilharmonie Hamburg / Prominente Spielstätte _ Philharmonisches Staatsorchester Hamburg © Ralph Lehmann

Elbphilharmonie Hamburg / Prominente Spielstätte – Philharmonisches Staatsorchester Hamburg © Ralph Lehmann


Die Philharmonische Akademie 2019

Ein Open-Air-Konzert auf dem Hamburger Rathausmarkt und fünf Akademiekonzerte in der Elbphilharmonie stehen Ende August 2019 auf dem Programm. Ein großbesetztes oratorisches Konzertprojekt mit über 450 Hamburger Chorsängerinnen und Sängern präsentiert Kent Nagano an drei Abenden im Großen Saal der Elbphilharmonie. In zwei kammermusikalisch besetzten Konzerten im Kleinen Saal sind Musiker der Philharmoniker und das US-amerikanische Vokalensemble Chanticleer zu erleben.

Während die Philharmonischen Akademiekonzerte der vergangenen Jahre noch ganz im Zeichen der intimen musikalischen Arbeit innerhalb des Philharmonischen Staatsorchesters standen, öffnete sich 2018 mit dem „Rathausmarkt-Open-Air“ das Projekt bereits weit für das Hamburger Publikum. 2019 gehen Kent Nagano und die Philharmoniker noch einen Schritt weiter und laden Hamburger Chöre ein, gemeinsam ein großes oratorisches Programm in der Elbphilharmonie aufzuführen.

Das „Te Deum“ von Hector Berlioz zählt aufgrund seiner riesigen Chorbesetzung zu den selten zu erlebenden Werken der Musikliteratur. Grund genug für Kent Nagano, damit seine Reihe großdimensionierter oratorischer Werke in der Elbphilharmonie fortzuführen, zu denen in der Vergangenheit etwa Mahlers „Symphonie der Tausend“ zählte. Im Rahmen der Philharmonischen Akademie hat Hamburgs Generalmusikdirektor nun erstmals Hamburgerinnen und Hamburger eingeladen in einem Konzert des Philharmonischen Staatsorchesters mitzuwirken. Neben dem professionellen süddeutschen Chor „KlangVerwaltung“ sind elf weitere Chöre aus Hamburg und somit insgesamt über 450 Sängerinnen und Sänger an der Aufführung des „Te Deums“ beteiligt. Koordinativ unterstützt wird das Chorprojekt von der ehrenamtlich tätigen Hamburgerin Dr. Brigitte Mahn, die als begeisterte Chorsängerin ebenfalls mitsingt. Das Konzertprogramm, welches auch Mendelssohns „Walpurgisnacht“ umfasst, wird an drei Abenden vom 24.-26. August 2019 in der Elbphilharmonie zu erleben sein. Die drei Konzerte sind bereits ausverkauft (Restkarten ggf. an der Abendkasse).

Auch die beiden kammermusikalischen Akademieprogramme im Kleinen Saal der Elbphilharmonie am 25. und 27. August 2019 haben einen vokalen Schwerpunkt. Zu Gast ist das US-amerikanische Vokalensemble Chanticleer, das a-cappella-Repertoire von Hildegard von Bingen bis zu Tomás Luis de Victoria präsentiert und jeweils mit Kammermusikformationen des Philharmonischen Staatsorchesters im Wechsel auftritt.

Beschließen werden Kent Nagano und die Philharmoniker die diesjährige Philharmonische Akademie am 31. August 2019 wieder mit einem großen Open-Air-Konzert auf dem Hamburger Rathausmarkt. Bei freiem Eintritt präsentieren die Philharmoniker Gershwins populäre „Rhapsody in Blue“, Brahms erste Symphonie sowie weiteres Überraschungsprogramm. Die rund 2.500 Sitzplätze auf dem Rathausmarkt werden ab 19.00 Uhr freigeben.


Kent Nagano hat die „Philharmonische Akademie“ zu Beginn seiner Amtszeit als Hamburgischer Generalmusikdirektor und Chefdirigent des Philharmonischen Staatsorchesters im Jahr 2015 ins Leben gerufen. Seitdem bilden diese Konzerte den Auftakt zur jeweils neuen Opern- und Konzertsaison. Nagano und die Philharmoniker verstehen darunter ein „offenes“ Projekt, ebenso experimentell ausgerichtet wie immer auch bedeutenden Komponisten, wichtigen Themen und musikalisch-inhaltlichen Erkundungen gewidmet. Die Musiker des Orchesters ordnen sich zu kleinen und größeren Gruppen, Kollektiven und Ensembles und begeben sich an Spielorte wie die Hamburger Hauptkirche St. Michaelis, das Planetarium oder das Hamburger Rathaus. 2018 spielten die Philharmoniker unter Kent Nagano erstmals open-air auf dem Hamburger Rathausmarkt und begeisterten rund 7.000 Zuhörer mit diesem musikalischen Geschenk an ihre Stadt.

Philharmonische Akademie 2017
youtube Trailer Philharmonisches Staatsorchester Hamburg
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Übersicht über die Akademiekonzerte 2019

1. Akademiekonzert
Samstag, 24. August 2019, Elbphilharmonie, Großer Saal, 20.00 Uhr
Sonntag, 25. August 2019, Elbphilharmonie, Großer Saal, 19.00 Uhr
Montag, 26. August 2019, Elbphilharmonie, Großer Saal, 20.00 Uhr

Felix Mendelssohn Bartholdy: Die erste Walpurgisnacht op. 60
Hector Berlioz: Te Deum op. 22
Kent Nagano, Dirigent
Annika Schlicht, Alt
Pavel Cernoch, Tenor
Thomas E. Bauer, Bass
Alsterspatzen – Kinderchor der Hamburgischen Staatsoper
Jugendkantorei Volksdorf
Kinder- und Jugendsingschule St. Michaelis
Kinderkantorei Bergstedt und Volksdorf
Cappella Vocale Blankenese
Compagnia Vocale Hamburg
Franz-Schubert-Chor Hamburg
Hamburger Bachchor St. Petri
Kammerchor Cantico
stimmwerk hamburg
Vokalensemble conSonanz
Chor der KlangVerwaltung
Philharmonisches Staatsorchester Hamburg
ausverkauft (ggf. Restkarten an der AK zu € 83,00 / 65,00 / 51,00 / 36,00 / 14,00)

2. Akademiekonzert
Sonntag, 25. August 2019, Elbphilharmonie, Kleiner Saal, 11.00 Uhr
Hildegard von Bingen: O frondens virga
Josquin des Prez: Sanctus & Benedictus aus: Missa La Sol Fa Re Mi
Charles Gounod: Petite Symphonie B-Dur für Bläser
Felix Mendelssohn Bartholdy: Jubilate Deo op. 69,2
Johannes Brahms: Motette „Es ist das Heil uns kommen her“ op. 29,1
Antonín Dvorák: Serenade d-Moll op. 44
Mitglieder des Philharmonischen Staatsorchesters Hamburg
Karten € 35,00 / 28,00 / 21,00 / 12,00

3. Akademiekonzert
Dienstag, 27. August 2019, Elbphilharmonie, Kleiner Saal, 19.30 Uhr
Claudio Monteverdi: Madrigale
Carlo Gesualdo: Madrigale
Tomás Luis de Victoria: Motetten
Felix Mendelssohn Bartholdy: Oktett Es-Dur op. 20
Mitglieder des Philharmonischen Staatsorchesters Hamburg
Karten € 35,00 / 28,00 / 21,00 / 12,00

Samstag, 31. August 2019, Rathausmarkt, 20.00 Uhr
Johannes Brahms: Symphonie Nr. 1 c-Moll op. 68
George Gershwin: „Someone to watch over me“, „I got rhythm“, „Summertime“
George Gershwin: Rhapsody in Blue
sowie weiteres Überraschungsprogramm
Kent Nagano, Dirigent
Elbenita Kajtazi, Sopran
Oleksiy Palchykov, Tenor
Gilles Vonsattel, Klavier
Philharmonisches Staatsorchester Hamburg
Eintritt frei

Karten : Restkarten für die Konzerte im Großen Saal der Elbphilharmonie gibt es ggf. in der Woche vor den Konzertterminen beim Kartenservice der Hamburgischen Staatsoper, unter 040 35 68 68 sowie an der Abendkasse in der Elbphilharmonie.

Karten für die Konzerte im Kleinen Saal der Elbphilharmonie gibt es ebenfalls an den genannten Adressen sowie auch online unter

Der Eintritt für das Open-Air-Konzert ist frei. Die rund 2.500 Sitzplätze auf dem Rathausmarkt werden ab 19.00 Uhr freigeben.

—| Pressemeldung Staatsorchester Hamburg |—

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