Wiesbaden, Hessisches Staatstheater, My Fair Lady – Frederick Loewe, IOCO Kritik, 30.10.2018

Hessisches Staatstheater Wiesbaden

Hessisches Staatstheater Wiesbaden © Martin Kaufhold

Hessisches Staatstheater Wiesbaden © Martin Kaufhold

  My Fair Lady  – Musical von Frederick Loewe

– Uwe Eric Laufenberg ist Higgins – Mira Benser ist Eliza Doolittle –

von Ingrid Freiberg

My Fair Lady ist die Urmutter, das Schmuckstück aller Musicals – ein Dauerbrenner voller Evergreens, den fast jeder mindestens einmal gesehen hat. Es soll eines der meistgespielten Stücke aller Zeiten sein. Insbesondere im deutschsprachigen Raum bedeutete sein Erfolg den Durchbruch dieser Musikgattung. Die Songs wurden zu Ohrwürmern und sind unverwechselbare musikalische Charakterporträts der Figuren. Der Sprachwitz des Stückes hat an szenischer Schwungkraft und pointiertem Humor wenig eingebüßt.

Nobelpreisträger erhält Oscar 

Für den Dramatiker und Nobelpreisträger George Bernard Shaw war Professor Henry Higgins ein Zyniker und Frauenfeind. Das 1913 mit großem Erfolg in London uraufgeführte Stück verursachte allerdings einen Skandal, weil Eliza exzessive Schimpfwörter benutzte. Für die Verfilmung Pygmalion – Der Roman eines Blumenmädchens mit Leslie Howard und Wendy Hiller in den Hauptrollen wurde Shaw als Drehbuchautor mit dem Oscar ausgezeichnet.

Hessisches Staatstheater Wiesbaden / May fair Lady - hier : Uwe Eric Laufenberg als Henry Higgins und Mira Benser als Eliza Doolittle © Monika Forster

Hessisches Staatstheater Wiesbaden / May fair Lady – hier : Uwe Eric Laufenberg als Henry Higgins und Mira Benser als Eliza Doolittle © Monika Forster

Doch hat die erst nach seinem Tod entstandene Musical-Version My Fair Lady von Frederick Loewe und Alan Jay Lerner, mit gesellschaftssatirischem Grundton und menschlicheren Zügen, hat den Stoff weltberühmt gemacht. Grundlage ist ein alter Mythos: Ein Mann schafft sich ein weibliches Idealbild nach seinen Vorstellungen…  Die Uraufführung von My Fair Lady fand 1956 in einer Produktion von Herman Levin unter der Regie von Moss Hart in New York statt und brachte es auf insgesamt 2.717 Vorstellungen in den ersten sechs Jahren. Die unvergessene deutschsprachige Erstaufführung fand 1961 im Theater des Westens in Berlin statt.

Vorzüglich gelungene Regiearbeit

Die 30er Jahre-Inszenierung von Beka Savic lässt das England der literarischen Vorlage aufleben und wählt für das Londoner Cockney den bewährten Berliner Dialekt. Das lässt das breitgefächerte Großstadtmilieu mit Proletariat, Mittel- und Oberschicht aufleben. Tänzer als Straßenartisten und Gaukler verstärken die Emotionen und bilden einen bezaubernden Farbtupfer.

Während Professor Higgins seine Logier-Schülerin Eliza stundenlang mit Vokal-Konsonant-Übungen und Grammatik-Drill quält, ist Oberst Pickering Ruhepol und vollendeter Gentleman im Dauer-Tornado. Die Rinnstein-Göre Eliza reift zu einem zauberhaften Geschöpf, zu einer Dame mit korrekter Ausdrucksweise und Selbstvertrauen. Erst als sie sich enttäuscht und tränenüberströmt entschließt, ihren selbstverliebten Lehrer zu verlassen, erkennt dieser seine Zuneigung zu ihr und versucht, sie zurückzugewinnen. Das Zauberwesen  kommt zurück, nicht ganz nachvollziehbar, und erhört den eitlen Schnösel.

Wenn Eliza in Ascot der feinen Gesellschaft erzählt, dass ihre Tante abgemurkst worden sei, und sie einem lahmen Gaul Pfeffer in’nen Arsch streuen will, flieht die blasierte Hautevolee schockiert über Bühne und Zuschauerraum dem Ausgang entgegen… Die gelungene Regiearbeit  lässt der Musik Raum und trägt liebevoll die DarstellerInnen.

Hessisches Staatstheater Wiesbaden / May fair Lady - hier : Uwe Eric Laufenberg als Henry Higgins, rechts, Mira Benser als Eliza Doolittle und Margit Schulte-Tigges als Mrs. Higgins © Monika Forster

Hessisches Staatstheater Wiesbaden / May fair Lady – hier : Uwe Eric Laufenberg als Henry Higgins, rechts, Mira Benser als Eliza Doolittle und Margit Schulte-Tigges als Mrs. Higgins © Monika Forster

Finessenreiches Bühnenbild mit genre-genauen Kostümen

Die Bühnenbilder von Bettina Neuhaus greifen mit allen Finessen der Bühnenkunst fugenlos ineinander – prachtvoll die Variationen der sich schnell wandelnden Bühne. Statisten in Livree verändern völlig unaufgeregt die Szenerie. Wie selbstverständlich werden sie in die Handlung mit einbezogen. Gelungene Farbvariationen, ein romantischer Sternenhimmel, Häuser, die nach oben entschwinden, Bibliothekswände, die nach unten zu schweben scheinen, die Kneipe Mad Rabbit – mit einem hessisch babbelnden Wirt Thomas Braun und ein wunderschön ausgeleuchtetes Straßenbild ergänzen kongenial die Inszenierung. Selbst das Kino am Blumenmarkt wechselt im Verlauf des Abends sein Programm: von Secret Agent zu Pygmalion Cinema bis hin zu Gone With The Wind. Besonders eindrucksvoll gelungen sind das Pferderennen in Ascot und der Diplomatenball im Buckingham Palace mit schwungvollen Tanzeinlagen des Chores, die durch die fast scherenschnittartig gestalteten Videos von Gerard Naziri zu The Embassy Waltz eindrucksvoll ergänzt und von der Choreografin Myriam Lifka bezaubernd arrangiert werden.

Die genre-genauen herrlichen Kostüme von Claudia Jenatsch – schmutzstarrende Lumpen der Unterschicht und farbenfrohe bis üppige Garderobe der Upper Class – beleben das klassische Bühnenbild. Zusammen mit den außergewöhnlichen Hutkreationen für die Damen in Ascot sind sie auch eine hervorragende Referenz der Theater-Werkstätten.

Musikalisch hält Christoph Stiller die Fäden zusammen. Mit dynamischer, dabei äußerst differenzierter Klangsprache, gleicht er Fallhöhen aus. Das Hessische Staatsorchester Wiesbaden pariert das vorzüglich. Die Schauspieler-Sänger werden mit viel Einfühlungsvermögen bisweilen nur von  einer Geige begleitet. Dabei kommt auch das Hochpulsige der Partitur nicht zu kurz. Souverän und mit Schmiss gelingt ihm eine sehr persönliche Interpretation.

Der Intendant des Hessischen Staatstheaters Wiesbaden Uwe Eric Laufenberg schenkt sich die Rolle des kauzigen Professor Henry Higgins. Dem Schauspieler-Sänger gelingt es nicht immer, dessen vielschichtigen Charakter herauszuschälen. Seiner Interpretation fehlt es an der arroganten, britischen Blasiertheit der englischen Oberschicht. Stattdessen gibt er den Choleriker. Nicht zu überzeugen wissen seine sprachlichen und gesanglichen Unverfrorenheiten, beispielsweise in Sie ist so entzückend ordinär, so schauerlich schmutzig…. Besser gelingen Kann eine Frau nicht sein wie ein Mann, kann eine Frau nicht sein wie ich? und Ich bin gewöhnt an ihr Gesicht… Wenn sich seine sprachlastige Weltanschauung süffisant über Oberst Pickering, Eliza oder seine Bediensteten ergießt, gewinnt seine Figur mehr an Kontur. Fast liebenswert sind sein Versprecher Lohengrün und der Hilfeschrei nach seiner Mutter…

Hessisches Staatstheater Wiesbaden / May fair Lady - hier : Michael Birnbaum als Alfred P. Doolittle, Jochen Elbert, John Holyoke © Monika Forster

Hessisches Staatstheater Wiesbaden / May fair Lady – hier : Michael Birnbaum als Alfred P. Doolittle, Jochen Elbert, John Holyoke © Monika Forster

Die junge aparte Schauspielerin Mira Benser als Eliza Doolittle entwickelt sich zu einer selbstbewussten Frau, die Higgins schließlich den Marsch bläst. Eine linguistisch schier unlösbare Aufgabe und nicht leicht auf einer deutschen Bühne darzustellen. Als Zuschauer hat man immer noch Audrey Hepburn und Karin Hübner im Ohr. Sie kämpft sich mutig durch den Berliner Slang und interpretiert die Evergreens von Frederick Loewe auf ihre ganz eigene Weise. Darstellerisch überzeugt sie. Es bleibt dennoch zwiespältig, die Rolle einer Schauspielerin anzuvertrauen. Gesanglich kann Mira Benser nur in den leisen Partien, in denen sie ihre zarte empfindsame Seele offenbart, gewinnen, in hohen Lagen vermag sie nicht sauber zu intonieren.

Der singspielende Michael Birnbaum als Alfred P. Doolittle ist eine grundsympathische Rampensau, aufgedreht und übervoll mit Energie. Als arbeitsscheuer trinkfreudiger Vater von Eliza begeistert er sinnlich Gin-trinkend mit elastischen Hüften – ansteckend zum Mitsingen vorgetragen: Mit ’nem kleenen Stückchen Glück… und Bringt mich pünktlich zum Altar… Hier springt der musikalische Funke über!

Uwe Kraus als Oberst Pickering ist der distinguiert altmodische Kollege und Freund Higgins. Köstlich eloquent sind seine Bemerkungen über den Charakter von Beziehungen zwischen Mann und Frau und die moralischen Verpflichtungen eines Vaters. Von Anfang an behandelt er Eliza als liebenswertes Geschöpf, ist sogar ein wenig verliebt in sie. Der tüchtigen Hausdame Mrs. Pearce macht er den Hof und spricht sie ab und zu – recht verräterisch – mit Eleanor an, was an seiner vorgegebenen Diskretion ein wenig zweifeln lässt.

Der smarte strahlende Björn Breckheimer singt Freddy Eynsford-Hill. Jugendfrisch, verzaubert von der jungen Frau mit dem unkonventionellen Auftreten, mit Schwüren voller Schmelz schreibt er täglich Liebesbriefe, schickt Blumen und wartet auf der Straße vor dem Haus in der Hoffnung, seine Angebetete zu treffen: In der Straße, mein Schatz, wo du lebst (Dabei bewährt sich der Einsatz eines Mikroports mit natürlichem Klang, der in diesem großen Opernhaus auch für die schwierigen Gesangspartien der Hauptprotagonisten ratsam wäre. Hier ist etwas Luft nach oben…)

Die zarte Margit Schulte-Tigges ist eine resolute Mrs. Higgins, unkonventionell und aufgeschlossen. Mit ausgleichender Diplomatie repräsentiert sie während der Ascot Gavotte. Ihren Sohn hält sie für einen Stoffel und unterstützt mit Augenzwinkern Elizas Bestrebungen zur Eigenständigkeit. Contenance in allen Lebenslagen bewahrt Petra Weiteroth als Mrs. Pearce. Liebevoll-streng umsorgt sie Eliza, managt bravourös den Junggesellen-Haushalt und steht der Dienerschaft vor. Ab und zu versüßt ihr das heimliche Techtelmechtel mit Oberst Pickering diese turbulente Aufgabe. Klaus Krückemeyer spielt den Phonetik-Detektiv Zoltan Karpathy als öligen windigen Meisterschüler von Higgins und versucht vergeblich, die Herkunft von Eliza herauszufinden. Zur Erbauung aller lautet – im Hinblick auf ihre gewählte Aussprache – seine Diagnose, sie sei eine ungarische Prinzessin.

Chor und Chorsolisten des Hessischen Staatstheaters Wiesbaden trägt es nie aus der Kurve, obwohl ihnen eine Menge abverlangt wird. Von Albert Horne gesangs- und spielfreudig einstudiert entsteht temporeiche Unterhaltung. Als Proletenvölkchen, das ausgelassen Blumenmarkt und Straßen bevölkert, als Mitglieder der Gesellschaft beim Pferderennen und als Popcorn-naschende, Wettschein-schwenkende Kleinbürger sowie in Higgins Haus – The Servant’s Chorus -spielen sie sich in die Herzen des Publikums.

Das Premierenpublikum feiert die Ensembleleistung mit herzlichem Applaus

My fair Lady am Hessischen Staatstheater Wiesbaden: die weiteren Termine 2.11.; 11.11.; 16.11.; 17.11.; 24.11.; 30.11.; 5.12.; 7.12.; 9.12.2018 und mehr

—| IOCO Kritik Hessisches Staatstheater Wiesbaden |—

Cottbus, Staatstheater Cottbus, MY FAIR LADY – Frederick Loewe, 20.10.2018

Oktober 19, 2018 by  
Filed under Musical, Premieren, Pressemeldung, Staatstheater Cottbus

cottbus.jpg
Staatstheater Cottbus

Staatstheater Cottbus © Marlies Kross

Staatstheater Cottbus © Marlies Kross

MY FAIR LADY – Frederick Loewe

Nach Bernard Shaws Pygmalion und dem Film von Gabriel Pascal

Am Staatstheater Cottbus hebt sich am 20. Oktober 2018 im Großen Haus der Premierenvorhang für das Musical My Fair Lady. Als Regisseur konnte erstmalig der österreichische Autor, Theaterregisseur und Schauspieler Michael Wallner gewonnen werden.

Staatstheater Cottbus / MY FAIR LADY - Szenenfoto mit: (Bildmitte) Ulrich Schneider (Alfred P. Doolittle) sowie weiteren Solisten und Damen und Herren des Opernchores © Klaus Gigga

Staatstheater Cottbus / MY FAIR LADY – Szenenfoto mit: (Bildmitte) Ulrich Schneider (Alfred P. Doolittle) sowie weiteren Solisten und Damen und Herren des Opernchores © Klaus Gigga

Wallner erzählt das Musical über das Blumenmädchen Eliza Doolittle als eine Sozial-und Bildungsgeschichte. Derjenige, der die Chance erhält, Bildung zu genießen und die eigene Sprache zu erlernen, kann gesellschaftlich aufsteigen, – anderen ist diese Entwicklung verwehrt. Die Bühne entwarf Till Kuhnert. Für die Kostüme zeichnet Nicole Lorenz verantwortlich. Unter der musikalischen Leitung von Alexander Merzyn sind als Eliza Doolittle alternierend die Musicalsängerinnen und Schauspielerinnen Eve Rades und Katrin Hauptmann zu erleben. Die Partie des Sprachwissenschaftlers Prof. Henry Higgins übernehmen ebenfalls alternierend Holger Hauer, Christian Henneberg und Heiko Walter. Erstmalig konnte das Staatstheater den Choreografen Bart De Clercq gewinnen, der über eine umfangreiche Musicalerfahrung verfügt. Es spielt das Philharmonische Orchester.

Staatstheater Cottbus / MY FAIR LADY - Szenenfoto mit Christian Henneberg (Henry Higgins) und Eve Rades (Eliza Doolittle) © Klaus Gigga

Staatstheater Cottbus /
MY FAIR LADY –
Szenenfoto mit Christian Henneberg (Henry Higgins) und Eve Rades (Eliza Doolittle) © Klaus Gigga

Der berühmte Sprachexperte Higgins versucht einer Wette mit Oberst Pickering zufolge, einem Blumenmädchen die Umgangsformen und Sprache der „gehobenen Schichten“ beizubringen. Eliza heißt das Objekt seiner wissenschaftlichen Begierde; er traktiert es unerbittlich von früh bis abends. Um die Wette zu entscheiden, will Higgins die junge Frau beim Ball der Botschaft auftreten und zur Lady „schlagen“ lassen. Und tatsächlich: Eliza besteht die Prüfung. Higgins triumphiert: Sein wissenschaftliches System hat funktioniert. Doch dann steigt Eliza aus, wirft dem „lieben Gott“ Higgins die Pantoffel an den Kopf und gibt ihm Unterricht: in der Behandlung eines Menschen.

Nach Shaws Komödie Pygmalion schufen Frederick Loewe und Alan Jay Lerner 1956 das Musical My Fair Lady, das eine nie dagewesene Erfolgsgeschichte schrieb.

—| Pressemeldung Staatstheater Cottbus |—

Hannover, Staatsoper Hannover, Spielplan SEPTEMBER 2018

Staastoper Hannover.jpg

Staatsoper Hannover 

Staatsoper Hannover © Marek Kruszewski

Staatsoper Hannover © Marek Kruszewski

Staatsoper Hannover –  SEPTEMBER 2018

Die weltweit gefeierte Sopranistin Catherine Foster ist Stargast beim Konzert zugunsten der Stiftung Staatsoper Hannover, das die neue Spielzeit am 1. September eröffnet. Einen Tag später gibt das Sängerensemble beim Eröffnungskonzert einen Ausblick auf das Programm der neuen Saison.

Erste Premiere der Spielzeit ist Richard Wagners Tristan und Isolde, eines der Gipfelwerke der Opernliteratur (16.9.). Es inszeniert der international gefragte Regisseur Philip Langridge, Generalmusikdirektor Ivan Repuši? steht am Pult.

Drei Wiederaufnahmen ermöglichen eine neuerliche Begegnung mit beliebten Inszenierungen. Das Ballett Marilyn macht am 15.9. den Anfang, am 20.9. folgt Mozarts Zauberflöte, und mit My Fair Lady kehrt das neben der West Side Story berühmteste Musical zurück auf den Spielplan (28.9.).

Werke von Ravel, Saint-Saëns, Respighi und Richard Strauss stehen auf dem Programm des 1. Sinfoniekonzerts des Niedersächsischen Staatsorchesters Hannover am 23. und 24.9. Generalmusikdirektor Ivan Repušic dirigiert, Solist im berühmten 2. Klavierkonzert von Saint-Saëns ist der junge Pianist Dejan Lazic.

Viel Spaß für die ganze Familie gibt es beim Ballhoffest der Jungen Oper am 8.9.


PREMIERE OPER

TRISTAN UND ISOLDE  –  RICHARD WAGNER (1856 / 57 – 59)
TEXT VOM KOMPONISTEN – NACH DEM VERSROMAN TRISTAN  DES GOTTFRIED VON STRASSBURG

EINFÜHRUNGSSOIREE: FR, 07.09.18, 18:30 UHR, LAVES-FOYER
PREMIERE SO, 16.09.18, 17:00 UHR

»Tristan du, / ich Isolde, / nicht mehr Tristan! / Du Isolde, Tristan ich, nicht mehr Isolde!« Der Utopie des absoluten Verschmelzens geben sich der kornische Ritter Tristan und die irische Prinzessin Isolde hin. Doch nie wird ihre Liebe sich erfüllen – schon allein aus dem profanen Grunde, dass Isolde dem König Cornwalls versprochen ist und Tristan seinen Herrn nie hintergehen würde. So bleiben Tristan und Isolde Getriebene des Traumes von einer Existenz jenseits der unüberwindbaren Trennungen unserer Welt wie Mann und Frau, Feuer und Wasser, Tag und Nacht.

Richard Wagners Musik folgt mit ihrer bahnbrechenden Harmonik den Gedanken dieses tragischen Liebespaars in die geheimsten Winkel. So reißt sie den Zuschauer in nie zuvor dagewesener Weise in den Strom unaussprechlicher Sehnsüchte der Liebenden: in den Widerstreit von Liebesverlangen und Pflichterfüllung, von Liebessehnsucht und Liebesqual, und in die Flucht vor dem Licht des Lebens in das erlösende Dunkel des Todes.

MUSIKALISCHE LEITUNG Ivan Repuši? INSZENIERUNG Stephen Langridge BÜHNE UND KOSTÜME Conor Murphy LICHT Susanne Reinhardt CHOREINSTUDIERUNG Lorenzo Da Rio DRAMATURGIE Christopher Baumann

TRISTAN Robert Künzli KÖNIG MARKE Shavleg Armasi / Tobias Schabel ISOLDE Kelly God KURWENAL Stefan Adam MELOT / STEUERMANN Byung Kweon Jun / Gihoon Kim BRANGÄNE Khatuna Mikaberidze EIN HIRT Uwe Gottswinter / Edward Mout EIN JUNGER SEEMANN Simon Bode / Pawel Brozek BUTOH-TÄNZER Nora Otte, Tadashi Endo

Herrenchor der Staatsoper Hannover, Niedersächsisches Staatsorchester Hannover


KONZERT ZUGUNSTEN DER STIFTUNG STAATSOPER HANNOVER
SA, 01.09.18, 19:30 UHR

Stargast beim Konzert zugunsten der Stiftung Staatsoper Hannover zu Beginn der Spielzeit 2018 /19 ist Catherine Foster, die zu den gefragtesten Interpretinnen im dramatischen Fach gehört und weltweit in den Opern von Wagner und Strauss, aber auch in der Titelrolle von Puccinis Turandot große Erfolge feiert. Gemeinsam mit Mitgliedern des Opernensembles präsentiert Catherine Foster ein Gala-Programm zur neuen Spielzeit. Sie selbst wird mit Ausschnitten aus Tristan und Isolde und Turandot zu erleben sein. Auf dem Programm stehen außerdem Szenen und Arien aus Benjamin Brittens Ein Sommernachtstraum, Hector Berlioz‘ Fausts Verdammnis und Jacques Offenbachs König Karotte. Das Niedersächsische Staatsorchester Hannover spielt unter der Leitung von GMD Ivan Repuši?, Mark Rohde, Valtteri Rauhalammi und Cameron Burns. Es moderiert Chefdramaturg Klaus Angermann.


ERÖFFNUNGSKONZERT DER SPIELZEIT 2018 / 19
SO, 02.09.18, 18:30 UHR

Ein musikalischer Ausblick, der Lust machen möchte auf die neue Opernsaison – mit Ausschnitten aus Wagners Tristan und Isolde, Berlioz‘ Fausts Verdammnis, Brittens Ein Sommernachtstraum, Schrekers Die Gezeichneten und Offenbachs König Karotte.

MIT Carmen Fuggiss, Kelly God, Khatuna Mikaberidze, Mareike Morr, Stella Motina, Ylva Stenberg, Monika Walerowicz, Pawel Brozek, Daniel Eggert, Uwe Gottswinter, Byung Kweon Jun, Eric Laporte, Sung-Keun Park, Tobias Schabel, Frank Schneiders

DIRIGENTEN Ivan Repušic´, Mark Rohde, Valtteri Rauhalammi, Cameron Burns

MODERATION Klaus Angermann


REPERTOIRE OPER UND BALLETT


MARILYN

Sexsymbol par excellence und Ikone des 20. Jahrhunderts: Marilyn Monroe genießt ihre minutiös kreierte Rolle als Medienstar – und zerbricht daran. Ein Phänomen, das Jörg Mannes fasziniert. Er betrachtet es aus unserer Zeit heraus, wo in einem Universum voller Selfies ein erbitterter Kampf um das Wahrgenommen-Werden geführt wird. Schlaglichtartig fällt Mannes’ Blick auf Marilyn, deren perfektes Image ihr eigentliches Selbst zum Verschwinden brachte. Das Ballett entführt in die Welt des schönen Scheins und entfaltet ein Wechselspiel von heute mit dem Flair der 1950er Jahre. »Die Personenregie fällt durchweg einleuchtend aus, clever die Dramaturgie und eindrucksvoll die Leistung des Ensembles, das bis in die winzigsten Handlungsfältchen hinein mitreißend aufspielt und -tanzt.« tanz

WIEDERAUFNAHME SA, 15.09.18, WEITERE VORSTELLUNG AM FR, 21.09.18


MY FAIR LADY

Der antike Mythos des Künstlers Pygmalion, der sich die ideale Frau aus Stein formt und zum Leben erweckt, stand Pate für George Bernard Shaws Stück Pygmalion, das wiederum als Vorlage für das 1956 entstandene Musical My Fair Lady von Frederick Loewe diente. Sprachforscher Professor Higgins bildet das Blumenmädchen Eliza Doolittle zur High-Society-Lady aus und will nicht wahrhaben, dass auch Eliza ein Mensch mit Gefühlen ist … In dieser Spielzeit laufen die letzten Vorstellungen der Erfolgsinszenierung von Bernd Mottl, die seit 2009 auf dem Spielplan steht. »Die Inszenierung strotzt geradezu vor guter Laune und blitzenden Einfällen.« Cellesche Zeitung »Diese Produktion ist hoch professionell – und vor allem: höchst amüsant.« HAZ

WIEDERAUFNAHME FR, 28.09.18


DIE ZAUBERFLÖTE

Was könnte die Bedeutung der »Oper aller Opern« besser veranschaulichen als die Tatsache, dass die NASA 1977 eine Sonde mit der Arie der Königin der Nacht in die Weiten des Alls schickte, als Symbol für die hochentwickelte Kultur unseres Planeten? Auch die Erdbewohner in und um Hannover kommen nun wieder in den Genuss von Mozarts ebenso beliebtem wie rätselhaftem Meisterwerk, das zwischen ganz unterschiedlichen musikalischen Stilen und Handlungsebenen pendelt und vor allem eins ist: ein großes musikalisch-szenisches Abenteuer. »Eine Aufführung, die eine Menge Fragen hinterlässt und genau deswegen sehenswert ist.« nmz

WIEDERAUFNAHME DO, 20.09.18., WEITERE VORSTELLUNGEN AM SA, 22.09. UND SA, 29.09.18


OPER EXTRA


PUBLIKUMSCHOR »LIEBESLEID«

Singen Sie mit und klagen Sie auf musikalisch schönste Weise ihr »Liebesleid «. Wenige Tage nach der Premiere von Tristan und Isolde singt Bariton Stefan Adam alias Kurwenal mit 70 sangeswütigen Hannoveranern Stücke quer durch alle Genres und natürlich aus Richard Wagners Werk.

MI, 19.09.2018, 19:00 UHR, LAVES-FOYER


BALLHOFFEST
FEST DER JUNGEN OPER ZUR ERÖFFNUNG DER SPIELZEIT
SA, 08.09.18, AB 15:00 UHR IM UND UM DEN BALLHOF

Es wird wieder bunt im Herzen der Altstadt Hannovers – es ist Ballhoffest! Zu ihrer Spielzeiteröffnung lädt die Junge Oper ein zu einem spannenden Programm für alle ab 4 Jahren auf den Bühnen von Ballhof Eins und Zwei, in den Foyers und auf dem Ballhofplatz. Hören, Sehen und Mitmachen ist das Motto: Mit dabei ist Heini, der kleine Vampir, der in Starke Stimmen mit den jungen Künstler des Ensembles die Welt des Gesangs erkundet. Außerdem zu erleben ist die 100. Vorstellung der Volks- und Kinderliederreise Bi-Ba-Butzemann!, eine interaktive Musik-Märchenzeit mit Hans Christian Andersens Des Kaisers neue Kleider und eine musikalische Abenteuerreise für Kinder in das schöne Panama!

Nicht fehlen dürfen natürlich Bastelaktionen und Clown Lakis mit seinen Späßen; mit Musikern des Niedersächsischen Staatsorchesters können Kinder Instrumente ausprobieren oder sich beim Kinderschminken verwandeln lassen. Wer zwischendurch verschnaufen will, kann das bei Eltern-Kind-Yogakursen der Ada und Theodor Lessing Volkshochschule tun – oder bei Leckereien des Operncaterers Da Capo! Catering.

Der Eintritt ist frei, kostenlose Zählkarten für die Bühnenprogramme sind

ab dem 6. August an den Theaterkassen erhältlich.


1. SINFONIEKONZERT
MAURICE RAVEL
Rapsodie espagnole (1907 / 08)
CAMILLE SAINT-SAËNS
Konzert für Klavier und Orchester Nr. 2 g-Moll op. 22 (1868)
OTTORINO RESPIGHI
Fontane di Roma (RömischeBrunnen, 1916)
RICHARD STRAUSS
Don Juan. Tondichtung für großes Orchester op. 20 (1887 / 89)
Wie wird aus fremden Stoffen und Klängen etwas Eigenes? Die Anverwandlung fällt je nach Komponist sehr unterschiedlich aus! Eine Liebe aus der Distanz verband den französischen Basken Ravel mit der spanischen Heimat seiner Mutter. Seine Rapsodie espagnole zeichnet ein idealisiertes Spanien, in einem geheimnisvollen, vor leidenschaftlicher Energie taumelnden Klangbild. Wesentlich konkreter skizzierte der Bologneser Respighi seine Wahlheimat Rom. Die sinfonische Dichtung Fontane di Roma beschreibt vier römische Brunnen zu verschiedenen Tageszeiten, von der Morgendämmerung bis zum Übergang in die Nacht. Viele fremde Stoffe hat sich Richard Strauss zu eigen gemacht. Seine Tondichtung über den großen, so maß- wie rastlos Liebenden Don Juan bedeutete die Initialzündung für seinen eigenen Tonfall und den Durchbruch im Konzertsaal. »Der Klang war wundervoll, von einer riesigen Glut und Üppigkeit«, schrieb der 24-jährige Komponist an seine Eltern.

Dieser Überschwang war Camille Saint-Saëns fremd: »Kunst kann sehr gut ohne Emotion auskommen «, meinte er, »und tatsächlich ist sie besser dran, wenn sie es tut.« Sein 2. Klavierkonzert lässt Einflüsse von Bach wie Mendelssohn anklingen und prägt mit Wärme, Eleganz und Virtuosität doch einen ganz eigenen Stil.

Niedersächsisches Staatsorchester Hannover
SOLIST Dejan Lazi? (Klavier)
DIRIGENT Ivan Repuši?
SO, 23.09.18, 17:00 UHR
MO, 24.09.18, 19:30 UHR
Kurzeinführung mit Ivan Repuši?
jeweils 45 Minuten vor dem Konzert

—| Pressemeldung Staatsoper Hannover |—

Frankfurt, Oper Frankfurt, Norma – Vincenco Bellini, IOCO Kritik, 25.06.2018

Juni 26, 2018 by  
Filed under Hervorheben, Kritiken, Oper, Oper Frankfurt

logo_oper_ffm.gif

Oper Frankfurt

Oper Frankfurt inmitten des Finanzzentrums © IOCO

Oper Frankfurt inmitten des Finanzzentrums © IOCO

NORMA – Vincenco Bellini

Text Felice Romani, nach Norma ou L’Infanticide von Alexandre Soumet

Von  Ljerka Oreskovic Herrmann

 Vincenzo Bellini in Pere Lachaise © IOCO

Vincenzo Bellini in Père Lachaise © IOCO

Mit Vincenco Bellinis Oper Norma beendete die Oper Frankfurt die Saison 2017/18 mit einer packenden Inszenierung von Christof Loy. Es gibt keine römischen Legionäre und Kostüme, kein tableauartiges Bühnenbild und die Titelfigur trägt kein divenhaftes Outfit – nichts davon vermisst man. Denn Elza van den Heever gibt mit ihrer Verkörperung der gallischen Priesterin keine von den archaischen Lebenswelten getriebene und letztendlich zum Opfer gewordene Frau. Ihre Norma, und von Loy glaubhaft inszeniert, ist eine durch und durch erwachsene Frau, sich ihrer Stellung in der Gesellschaft und vielmehr noch ihrer Verfehlung bewusst.

Worum geht in Bellinis Werk? Um Verrat, Vertrauensverlust, Brechen von Schwüren, Loyalität und Treue. Und genau das zeigt der Regisseur auf allen Ebenen. Zunächst im Persönlichen: Norma realisiert, dass der römische Feldherr Pollione sie nicht mehr liebt – obwohl sie für diese Liebe viel auf sich genommen hat und zwei Kinder aus der Verbindung hervorgegangen sind. Nun kommt die nächste Stufe ins Spiel: Die Frage nach Loyalität, die durch Adalgisa aufgeworfen wird und zuletzt die alles entscheidende Auflösung erfordert, die zwischen persönlichem Glücksstreben einerseits und als öffentliche Person nach der Verpflichtung gegenüber der Gemeinschaft andererseits. Für die Darstellung dieser Konflikte hat Raimund Orfeo Voigt einen guckkastenartigen kaum möblierten Raum geschaffen, der den Akteuren genügend Spielfläche bietet und mit der Lichtführung von Olaf Winter eindrückliche Stimmungswechsel erzeugt.

Oper Frankfurt / Norma -  hier :  Elza van den Heever als Norma, im Hintergrund Ensemble © Barbara Aumüller

Oper Frankfurt / Norma – hier : Elza van den Heever als Norma, im Hintergrund Ensemble © Barbara Aumüller

Die Stühle, auf denen Platz genommen werden kann, weisen einem die Zugehörigkeit zu: Man nimmt Platz, weil man Teil dieser Gruppe ist. Norma tut das wie selbstverständlich im 1. Akt. Wie eine Herrscherin, breitbeinig und fast männlich setzt sie sich auf einen der Stühle, als es darum geht mit dem Volk, den nächsten Schritt gegenüber den Römern zu planen. Norma ist Raum einnehmend und Raum greifend – eine wahrhaftige, autonome Frau. Dennoch kann eine solche Person mehr als verletzlich sein, dann, wenn es um die eigene Existenz geht. Elza van den Heever gibt dieser Norma alles an Innerlichkeit mit, eine gestandene Frau, die gerade deshalb nicht frei von Ängsten und Zweifeln ist und diese mit sich selbst aushandeln muss. Und sowohl körperlich als auch stimmlich gestaltet das die südafrikanische Sängerin bis in jedes Detail intensiv aus. Ihre Stimme ist zart und berührend, wird fast brüchig, als sie die berühmte Arie „Casta Diva“ singt, weil „ihre“ Priesterin um die fundamentale Bedingtheit der menschlichen Existenz weiß.

Besonders deutlich wird das im Austausch mit Adalgisa – von Gaëlle Arquez mit großer Inbrunst gesungen. Hier die Novizin – sie trägt als einzige ein weißes Kleid –, die sich der  „Anführerin“ anvertraut, weil sie keinen anderen Ausweg sieht. Sie gesteht ihre Liebe zu einem Römer, der sie aufs zärtlichste zum letzten Schritt – dem Bruch des Gelübdes – bewegen will. Dies weckt bei Norma Erinnerungen an ihre eigene Liebe und Verführbarkeit, und sie gewährt der jungen Frau die Loslösung von dem Eid, den sie ohnehin noch nicht endgültig abgelegt hat. Wie innig und verständnisvoll beide Frauen einander gegenübertreten, wie sie da beieinander sitzen, vereint im gemeinsamen Dilemma, von dem Adalgisa allerdings keine Ahnung hat, lässt einem beinahe den Atem stocken. Loyalität, Verständnis und Aufrichtigkeit der Gefühle werden von den beiden Frauen in exzellenter Stimmführung, Loys präziser Personenführung und dem großartigen Dirigat von Antonino Fogliani zu einem der intensivsten Momente an diesem Abend. Nur blitzartig kurz könnte man an einen versöhnlich Ausgang glauben, dann aber schlägt es in Wut, ja Zorn um, als Adalgisa den Namen nennt: Pollione!

Oper Frankfurt / Norma - hier : Stefano La Colla als Pollione und Elza van den Heever als Norma © Barbara Aumüller

Oper Frankfurt / Norma – hier : Stefano La Colla als Pollione und Elza van den Heever als Norma © Barbara Aumüller

Nicht Adalgisa ist das Ziel ihrer Wut, ihr wollte Norma ihr eigenes Schicksal ersparen, sondern der Römer, der sie und ihre gemeinsamen Kinder verraten hat. Doch um dieser Kinder willen ist sie bereit, ebendiese Adalgisa anzuvertrauen, sollte sie Polliones Frau werden, weil es für sie selbst keinen guten Ausgang geben wird. Der Ausbruch Pollione gegenüber, in dem sie ihn mit der Kraft ihrer Stimme und Körper attackiert, entlädt sich erneut in einem aufwieglerischen „Tanz“ vor den eigenen Gefolgsleuten – jetzt endlich könnt ihr die Römer angreifen. Doch ihr Lebensweg ist damit nicht geklärt – im Gegenteil. Normas anfängliches Zaudern, das Signal für den Kampf zu geben, und ihre jetziges „Fanal“ werden von persönlichen Motiven geleitet und mündet letztendlich in der Überlegung, wie sie sich an Pollione rächen könnte. Während ihre Söhne am Tisch sitzen und essen, schneidet Norma ein Stück Brot ab und reicht es den beiden – sie ist ganz bei ihnen und fürsorgliche Mutter. Nur kurz darauf, wenn sie sich von ihnen verabschiedet – der jüngere lässt sich von ihr umarmen, während der ältere ahnend abwehrt – und sie sie in ihr Versteck im Bühnenboden schickt, macht sie sich auf, das Messer gegen die Söhne zu richten. Norma ist aber keine Medea, die nicht anders kann, als ihre Kinder zu töten, um den Mann zu strafen. Norma ist eine Frau mit Skrupel und einer anderen Erkenntnis: tötet sie Polliones Kinder, tötet sie auch ihre eigenen! Es ist fast schmerzlich anzusehen, wie sich Norma windet, das Messer in der Hand hält und immer wieder ansetzt, diesen Kampf mit sich ausficht (Arie „Dormono entrambi“ Anfang 2. Akt).

Das eigentliche Problem ist Pollione und ihr Bruch des Gelübdes. Im Tod wird sich die Größe dieser Frau zeigen: Sie ist kein Opfer, sie opfert sich nicht, auch wenn es das Volk fordert, sondern übernimmt Verantwortung für ihr Tun! George Bernard Shaw schrieb, dass Freiheit bedeutet, Verantwortlichkeit zu übernehmen – das ist es, was Loys Norma zeigt. Sie alleine entscheidet über ihr Ende, weil sie weiß, dass sie Regeln, so überkommen und atavistisch sie in unseren Augen sind, übertreten hat, und dafür die Konsequenzen trägt. Auch diese Szene ist beeindruckend inszeniert: Norma nimmt ihren Stuhl und stellt ihn vor die Guckkastenbühne, wo sie mit Pollione eine Aussprache haben wird. Ein zweites intimes Gespräch, in dem wieder Existentielles verhandelt wird, zugleich aber signalisiert es, dass Norma nicht mehr Teil der gallischen Gemeinschaft ist. Der Chor bleibt oben, zunächst auch ihr Vater, der verkraften muss, worum Norma ihn bittet: für ihre Kinder zu sorgen – dabei schaut er zu Pollione hinüber. Einfach grandios.

Oper Frankfurt / Norma - hier: Gaelle Arquez als Adalgisa © Barbara Aumüller

Oper Frankfurt / Norma – hier: Gaelle Arquez als Adalgisa © Barbara Aumüller

Es war ein Abend der Frauen – Alison King als Clotilde gehört ebenfalls dazu – die von dem Frankfurter Opern- und Museumsorchester auf Händen getragen wurden. Auch Stefano La Colla als der untreue römische Verführer Pollione, Robert Pomakov als Normas Vater Oroveso und Ingyu Hwang als Flavio profitieren davon. Antonino Fogliani gelingt eine kongeniale musikalische Begleitung der Inszenierung, und er entfaltet Bellinis expressive melodische Linie, die aufgebaute Spannung und hochdramatischen Momenten wunderbar unaufgeregt, geradezu wie nebenbei, dafür mit enormer Wirkung. Die Chormitglieder leisten wie immer gute Arbeit unter Tilman Michael. Sie tragen graue Kostüme und Anzüge mit weißen Blusen und Hemden (Kostüme: Ursula Renzenbrink) und sind dennoch nie „nur“ Masse, stattdessen echte Individuen, so wie Menschen nun einmal sind: groß, klein, rundlich, schlank, alt und jung, kraftvoll und ängstlich. Weitere Mitwirkende sind: Damjan Batistic, David Földizin, Bagdasar Khachikyan, Maximilian Reisinger, Joseph Reichelt als Partisanen sowie die beiden Kinder Theodor Landes und Thomas Mehltretter.

Großer Applaus – ein paar Zuschauer wollten lieber eine Ausstattungsoper, wurden stattdessen mit einer ausgeklügelten psychologischen Aufführung belohnt.

—| IOCO Kritik Oper Frankfurt |—

Nächste Seite »