Odessa – Ukraine, Opernhaus Odessa, La Traviata – Giuseppe Verdi, IOCO Kritik, 16.01.2020

Januar 16, 2020 by  
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Opernhaus Odessa
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Opernhaus Odessa

 La Traviata – Giuseppe Verdi

– Mythen verweben sich mit Fantasie- und Traumwelten –

von Adelina Yefimenko

Im berühmten Roman Schlafes Bruder von Robert Schneider sowie in der gelungenen Verfilmung von Joseph Vilsmaier ist der Bezug zu den Figuren aus der griechischen Mythologie beachtenswert – Hypnos, der Gott des Schlafes und sein Bruder Thanatos, der Gott des sanften Todes. Elias Alder lebt in einem Dorf im 19. Jahrhundert. Er entdeckt sein Hörwunder, vernimmt alle Klänge des Universums, versucht sie im Orgelspiel nachzuahmen. Im von der Doppelmoral geprägten ländlichen Dorfmilieu wird seine überragende musikalische Begabung als Normalitätsverstoß und böses Zeichen angesehen. Die Liebe zur Musik entwickelt sich für Elias zu einem mystischen Liebestod. Eros – der Gott der begehrlichen Liebe – führt ihn zur schmerzhaften transzendenten Erlösung in der Stille. 

Die Doppelfigur Thanatos-Hypnos ist ein beliebtes Motiv in der Bildhauerkunst. Die Inszenierung von Verdis La Traviata am Opernhaus Odessa interpretiert dieses Motiv als Symbol für die unerfüllte Liebe. Auch das andere Mythen-Paar spielt eine wichtige Rolle. Die Statue „Eros (Amor) und Psyche“ begleitet das Geschehen auf der Bühne wie eine schweigsame Zeugin. .

 Alexandre Dumas Montmarte © IOCO

Alexandre Dumas Montmarte © IOCO

Der junge, in Lemberg geborene ukrainische Regisseur Eugene Lavrenchuk (ein Absolvent des weltweit gefeierten Theaterregisseurs Roman Wiktjuk) inszeniert Verdis Oper neu und spannend und nicht nur als eine romantische Geschichte über das Leben, die Liebe und den Tod einer Kurtisane. Durch die soziale Zugehörigkeit zum Milieu der Halbwelt ist Violetta Valeri in der Pariser Welt der Adligen zum Scheitern verurteilt. Aber die neu, von Mythen angeregte Version Lavrenchuks offenbart spiegelbildlich zu Schlafes Bruder eine interessante Ergänzung zu Dumas d. J. und Verdis Heroinen.

Bevor das Preludio flimmernd aus dem Orchestergraben erklingt, fällt von oben eine riesige schwarze Stoffwolke herab, verdeckt alles auf der Bühne und schafft die Stimmung eines Bestattungsritus. Violetta nimmt bei diesem Vorgang eine Distanz zum Bühnengeschehen ein. Der Regisseur spielt mit dem „Aha!-Effekt“ und erzählt mit Bildern, Statuen und Video-Projektionen eine etwas andere Geschichte über die Frau, deren Würde, Liebe und musikalische Talente (vermutlich war sie früher eine Sängerin) sozial verkannt waren. Seine Violetta liebt die Musik und den Gesang, wie Elias seine Orgel liebte. Und beide verbindet ein mysteriöser Tod – Schlafes Bruder.

Das Spektakulum von Eugene Lavrenchuk (Regie) und Efim Ruakh (Bühnenbild) verursachte große Aufregung in der Presse, die die konzeptuellen und technischen Mängel der Inszenierung kritisierte. Einen Monat später wurde die Inszenierung neu konzipiert und überarbeitet.

Opernhaus Odessa Ukraine / La Traviata - hier : Violetta © Litvynenko Yuri

Opernhaus Odessa Ukraine / La Traviata – hier : Violetta © Litvynenko Yuri

Die Personenregie der Hauptdarsteller blieb aber unverändert. Eine „Violetta aus dem Jenseits“ darzustellen ist schauspielerisch nicht einfach. Die Rolle der Violetta übernahm in der Vorstellung am 27.12.2019 die zierliche, junge und noch wenig erfahrene Debütantin Natalia Stepanjak. Sie stellte Violetta in Gestalt eines Engels dar. Ist eine solche Violetta ein Regie-Novum oder die Folge der Personen-Regie? Im „Ah, fors´è lui che l’anima“ schlüpft die Sängerin in die Gestalt einer Träumerin. Am Ende ist sie mit der Rolle einer „Schlafes Braut“ absolut vertraut. Sie singt oder besser gesagt: singend träumt, schläft und stirbt sie auf der Bühne. Vielleicht war sie schon früher tot und ist als Engel auf die Erde zurückgekehrt? Jedenfalls befindet sie sich nicht im Hier und Jetzt des Geschehens von Verdis La Traviata. Das ist nur ihre Vergangenheit.

Die Idee ihres Todes, der nicht nur durch ihre Krankheit verursacht wurde, sondern auch durch ihre Mitmenschen, vor allem durch den Doppelmoralisten Germont (Olexiy Zhmudenko) beabsichtigte der Regisseur neu zu interpretieren. Die Protagonisten agierten aber traditionell. Trotzdem war deutlich, dass Lavrenchuks Violetta mehr in die Musik aus ihrer Vergangenheit als in Alfredo verliebt ist. Sie hört die Musik, deren erste Töne von einem alten Grammophon erklingen, bevor das Orchester überhaupt den Klang vorgibt. Die Effekte der fieldrecording mit Geräuschen, wie von einer alten Vinyl-Schallplatte, schufen eine Sehnsuchtsstimmung, die Violettas Untergang antizipierte. (Einen ähnlichen Effekt fügte Krzysztof Warlikowski in der Neuinszenierung von Salome ein). Eugene Lavrenchuk verwendete die Aufnahme des Orchesters des Opernhauses Odessa unter dem Chef-Dirigenten Vyacheslav Chernukho Volich und bearbeitete ihn mit dem Audacity-Programm.

In der Welt der neue La Traviata tragen alle Protagonisten weder historische noch moderne Kleider. Eher sehen sie aus wie Personagen aus dem Jenseits, wie Chimären und dabei sehr fantasievoll, stilisierend das Milieu eines Gespensterhauses. Die Kostüme sind geschmackvoll floristisch geschmückt, aus durchsichtigen Stoffen schön geschneidert und leuchten in den Farben der Bühnenbeleuchtung, – von Grau-Weiß und Blau-Grün bis zu Rosa (Kostüme – inklusive Mode-Design von Efim Ruakh und Eugene Lavrenchuk). Der Eindruck der hypnotischen, wie von Hypnos animierten Traumwelt Violettas wird damit verstärkt. Zum Beispiel, die Flora (Taisiya Shafranska) schwankt frei und schön singend wie ein blauer Geist mit einer riesigen Champagner Flache. Solch witzvolle Kontraste sind auch in der großen Ball-Szene zu sehen. Alles dreht sich im Tanz um den strahlend weißen Engel Namens Violetta – bunte Clowns, skurrile Männer-Stiere, sogar ein luxuriöser großer Kronleuchter mit Damenkleidern schwebt wie körperlose Geister in der Luft. Die Annina (Alina Drugak) gleicht auf der Bühne einer Salon-Dame, einer Rassehundebesitzerin. Zum Schluss laufen die Hunde schnell zusammen (das alles wurde auf die Leinwand projiziert) und lassen an eine viel stärkere Hundetreue als an die Treue der Menschen denken. Insofern entsteht ein Blick auf das bizarre Geschehen aus der Hypnos-Welt im Traum Violettas. Anschließend sucht die Sängerin in traurigen intimen Momenten eine Innigkeit, reflektiert ihren seelischen Schmerz sehr ehrlich. Ihr letztes Pianissimo in der Schlussszene lässt die Frage offen, ob sie wirklich aus der Welt der Brüder Hypnos und Thanatos zurück zur Alfredo-Welt kehren will? Alfredo wirkt dagegen wie ein schwacher, energie- und liebloser Held (Olexandr Prokopovych). Er bleibt auch stimmlich blass und monoton, was dem Regie-Konzept für die Distanz der Gefühle nicht hilfreich ist.

Opernhaus Odessa Ukraine / La Traviata - hier : Violetta © Litvynenko Yuri

Opernhaus Odessa Ukraine / La Traviata – hier : Violetta © Litvynenko Yuri

In Allgemeinem vermischen sich in diesem Regie-Konzept verschiedene Motive des romantischen Liebestodes, der gesellschaftlichen Satire und den neuen mythologischen Inspirationsquellen. Zum Beispiel wird in der Ball-Szene das Bild „Orgy“ vom polnischen Kunstmaler des Akademismus, Symbolismus und der Moderne, Wilhelm Kotarbicski, projiziert (sein Leben und Werk war eng mit Italien und Ukraine verbunden). Eine abwechslungsreiche theatralische Eklektik aus den verschiedenen Motiven von Literatur, Musik, Mythos, Malerei, Skulptur, Licht- und Video-Design imaginiert auf der Bühne eine spannende und mysteriöse Interaktion.

Die parallelen Kontexte, bzw. der Mythos „Amor und Psyche“ nimmt einen festen Platz in der Regie ein. Violetta ist eben nicht nur ein Engel, sondern auch mythische Psyche. Überraschenderweise ist die Verbindung des Bühnengeschehens mit der Geschichte des Odessa-Opernhauses sehr authentisch. Das Park Palais Royal im Innenhof des Opernhauses besitzt eine berühmte Skulptur „Amor und Psyche“ (eine Marmorkopie der antiken griechischen Statue von Bildhauer Boris Eduards, deren Original sich in den Kapitolinischen Museen befindet). Diese Statue nennt man auch „Der Kuss“, was die Sinnlichkeit von Skulpturen Auguste Rodins oder Bilder Gustav Klimt hervorhebt. Auf der Bühne aber macht die Statue der Psyche einen schmerzlichen Eindruck, halb verfallen und ohne Kopf.

Auf solche Weise korrespondieren die zwei Mythen mit La Traviata von Alexandre Dumas d. J. und von Giuseppe Verdi. Die damalige Kritik der beiden Autoren auf die adelige Doppelmoral im 19.Jahrhundert hatte eine starke Wirkung auf die Interpretationsgeschichte der Oper. Dies wird in der Regie mit einer Reihe von Video-Installationen unterstrichen. In der Mitte des 2.Aktes entstehen aussagenkräftige Zitate aus den Briefwechseln Verdis und Cesare de Sanctis oder Giulio Ricordi u.a. – „La traviata, ieri sera, fiasco. La colpa è mia o dei cantanti? Il tempo giudicherà” und später – „Sappiate addunque che la Traviata che si eseguisce ora al S.Benedetto e’ la stessa, stessissima, che si esegui l’anno passato alla Fenice! Allora fece fiasco: ora fa furore. Concludete voi!!”
Die Videos verwendet der Regisseur, um die Pause für den aufwendigen Bühnenbildwechsel im zweiten Akt zur Aktion umzuwandeln. Auf der großen Leinwand diskutiert das Regie-Team – Efim Ruakh, Victor Melezhko, Mykola Gorobets, Yulia Presnyakova, Tamara Forsyuk – über das Problem der aktuellen Pause. Das schafft den Reiz, einen Blick hinter die Kulissen der Produktion zu werfen, um den Ideen des Regie-Theaters genauer folgen zu können.

Zum Höhepunkt der Inszenierung wurde das Finale. Die engelshafte Violetta singt ihre letzte Abschiedsarie „Addio del passato“ in ihrer tiefen Traurigkeit. In Ihrem Abschied ertönt eine klare und auf das feinste Pianissimo reduzierte Stimme. Und man trauert mit Violetta zusammen, dass ihre „Addio…“ gekürzt wurde, so schön und geheimnisvoll blieb die Wirkung dieser Szene. Die zurückhaltende Abschiedsstimmung in der Orchesterführung entspricht mehr dieser Situation als eine stürmisch laute Dramatik. Aus dem Orchestergraben unter der jungen Dirigentin Margaryta Grynyvetska ertönte kein einziger zu derber Klang. Aber etwas mehr sensible Interpretation und Korrespondenz zur Regie wäre erwünscht. Es fehlten der weit gespannte Spannungsbogen und mehr Flexibilität der Tempi, besonders in der Kommunikation mit dem Chor. Übergreifend wurde aber musikalisch wie szenisch vielfach und korrekt die Form gewahrt.

Opernhaus Odessa Ukraine / La Traviata hier Violetta © Litvynenko Yuri

Opernhaus Odessa Ukraine / La Traviata hier Violetta © Litvynenko Yuri

In einem Interview erwähnte der Regisseur den Wind als tragendes Symbol der Inszenierung und er hat diese Idee, die Geräusche mit der Musik in Balance zu halten trotz der technischen Schwierigkeiten realisiert. Spektakulär treibt der Gott des Windes die schwarzen dichten Wellen des Meeres aus Stoff über die Bühne. Ein Exkurs im Mythos „Amor und Psyche“ kann einiges in der Regie aufklären und die spannende Parallelen aufzeigen.

Als Erstes: der Gott des Windes Zephyr trug Psyche zu Amor auf die Bergspitze. Dort verbrachten die Verliebten viele glückliche Nächte zusammen, aber Amor blieb unerkannt. Die Eifersucht auf Psyches Glück trieb ihre Schwestern dazu, Amor als Ungeheuer auszugeben. Es gab schon einige Regie-Deutungen (z.B. von Dmitri Tscheniakow, Robert Karsen u.a.), in denen Alfredo in seinem Verhalten zu Violetta zum seelenlosen Ungeheuer wird. Wie sonst kann man diesen Mann wahrnehmen, wenn er seine Geliebte vor der ganzen Öffentlichkeit demütigt, worauf der Tod sie umso früher ereilt?

 Alphonsine Plessis, die Violetta Valery des realen Lebens in Paris © IOCO

Alphonsine Plessis, die Violetta Valery des realen Lebens in Paris © IOCO

Als Zweites: den todesgleichen Schlaf der Psyche, aus dem sie nicht mehr erwacht, verursachte Proserpina – die Göttin des Totenreiches. Von ihr bekam die Psyche ein versiegeltes Fläschchen mit Schönheitssalbe, das sie heimlich öffnete und ihre betäubenden Düfte einatmete. Das historische Vorbild für Alexandre Dumas‘ Roman- und Bühnengestalt Marguerite Gautier (La dame aux camélias) und Giuseppe Verdis Violetta Valery (Oper „La traviata“) war bekanntlich die französische Kurtisane Alphonsine Plessis, die wegen ihrer Lungenkrankheit keine Blumen-Düfte außer die von Kamelien vertragen konnte.

Als Schlafes Braut und „Schwägerin des Todes“ lässt Violetta alle Figuren aus ihrer Vergangenheit wie Gespenster aus dem Jenseits hinter sich. Sie hängen im schwarzen Nebel mysteriös in der Luft. Nur Alfredo ersteigt auf der Vorderbühne aus der schwarzen Welle. Die ganze Bühne versinkt nun langsam im völligen Dunkel. Während der ganzen Vorstellung lief im Hintergrund eine eindrucksvolle Folge von Videos, die eine eigene Dynamik im Sujet hatten: von romantischen Visionen der langsam fallenden Kamelienblätter und der Frühlingsblühte bis zum stürmisch starken Regen (die Vision der Tränen) oder dem Regen der Dollars (die Vision der Demütigung). Aber am Nachhaltigsten wirkte am Ende das Video mit dem abstrakten Verfall der Mauer (die Vision des totalen Untergangs von Violettas Existenz).

Am Ende bleibt Violetta einsam auf der Bühne zurück, im immer gleichen weißen Hemd mit übergroßen Schleier auf der Schulter. Ihre durchsichtigen Stoff-Flügel bringt der Wind zur Bewegung und diese engelhafte Erscheinung verschwindet in der Dunkelheit des Jenseits genauso rätselhaft, wie sie zuvor erschien. Ihr Geist wird vom Winde Zephirs in die Ewigkeit verweht. Traurig bleibt Schlafes Braut, die sich früh mit dem Tod verband, in der Erinnerung des Publikums.

So reizvoll trifft der Mythos auf eine der populärsten romantischen Geschichten aller Zeiten. Das Gesamtkunstwerk triumphiert in dieser La Traviata. Erstaunlich, wie viele neue Fantasie- und Traumwelten birgt in sich diese Oper und Regisseure immer wieder und immer neu inspiriert.

 Besprochene Vorstellung von 27.12.2019.  Die Premiere fand am 9.10.2019 

—| IOCO Kritik Opernhaus Odessa |—

Hagen, Theater Hagen, Der Rosenkavalier von Richard Strauss, IOCO Kritik, 08.06.2016

Juni 10, 2016 by  
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Theater Hagen

Theater Hagen bei Nacht © Stefan Kuehle

Theater Hagen bei Nacht © Stefan Kuehle

Der Rosenkavalier: Große Produktion im Theater Hagen

Glitzernde Polyphonie mit Posse, Schwank mit starken Stimmen

Hagen / Theater Hagen - Bühnenprospekt zum Rosenkavalier © IOCO

Hagen / Theater Hagen – Bühnenprospekt zum Rosenkavalier © IOCO

1911 fand im Dresdner Königlichen Opernhaus die Uraufführung von Richard Strauss´ Oper Der Rosenkavalier, einer „Komödie für Musik“ statt. Nach vergangener Wagner-Verklärtheit, Salome 1905 – Elektra 1908, zog es den Klangzauberer Strauss, eine lyrisch komödiantische Mozart-nahe Oper zu schaffen. Gemeinsam mit Textdichter Hugo von Hofmannsthal und dem heute fast vergessenen Max Reinhardt schuf Strauss den Rosenkavalier, dessen Kraftfeld  von  männlich derber Oberflächlichkeit und melancholisch weiser Weiblichkeit beherrscht wird; reaktionäre Momente folgen avantgardistischen; alles umrankt von Wiener Flair  Maria Theresias und irrwitzigen wie deftigen Komödienschablonen.

Hagen / Theater Hagen - Rosenkavalier - Rainer Zaum als Ochs © Klaus Lefebvre

Hagen / Theater Hagen – Rosenkavalier – Rainer Zaum als Ochs © Klaus Lefebvre

Die Uraufführung des Rosenkavalier war ein glänzender Erfolg. Die Oper  entwickelte sich schnell zu den populärsten Opern der Welt. Doch dieser Erfolg stand auf Messers Schneide. Denn der sächsische Hausregisseur Georg Tosser verweigerte der Oper damals seinen Wiener Geist. Heimlich holte der verzweifelte Richard Strauss den  jungen Max Reinhardt  vom Theater an der Wien nach Dresden. Reinhardt präzisierte Klang und Sprache des Stückes, verlieh ihm Modernität und seinen speziellen Wiener Geist. Geprobt wurde nachts in Hotelzimmern, da der erboste Dresdner Intendant Nikolaus Graf von Seebach hatte Max Reinhardt Hausverbot erteilt hatte. Doch Strauss setzte  sein Aufführungskonzept durch, mit Wiener Walzer, Sprachfinessen, Buffonerie der Festszenen, silberner Rose. Max Reinhardt geht in modernen Rosenkavalier-Reflexionen oft unter.

Hagen / Theater Hagen - Rosenkavalier - Marschallin - Octavian - Sophie © Klaus Lefebvre

Hagen / Theater Hagen – Rosenkavalier – Marschallin – Octavian – Sophie © Klaus Lefebvre

Das Theater Hagen  und Regisseur Gregor Horres bringen die Pracht der ornamentalen Komposition mit eigenen Ensemble und wenigen Bühnenrequisiten glänzend auf die Bühne. Ein kräftig pralles Bühnenprospekt, Amor und Psyche abbildend, fasziniert schon vor Vorstellungsbeginn. Zum Vorspiel scheinen durch den durchsichtig werdenden Prospekt Amor und Psyche tanzend. Das Bühnenbild folgt nicht gewohnt klassischen Inszenierungsmustern; so verliert sich die tragende Partie der Marschallin nicht in einem schwülstigen Schlafgemach. Im Theater Hagen ist die Marschallin eine modern gekleidete, steuernde Frau. Hohe, breite Doppelwände, meist in schwere Lichtfarben getaucht; wenig zusätzliche Requisiten dominieren die Bühne (Jan Bammes). Der glitzernden Komposition angepasst  bilden auch Alfonso Palencia, Choreographie, Dorothee Hannappel, Dramaturgie, und Yvonne Forster, Kostüme, das leibhaftige Panoptikum des Lebens auf der Bühne farbenfroh überzeichnend, plakativ wie komödiantisch ab. Hofmannsthal´s komplexes Komödienlibretto mit Strauss´ musikalisch virtuoser Konversation erfahren im Theater Hagen so eine in ihrer Gesamtheit überzeugende wie mitreißende Inszenierung.

Hagen / Theater Hagen - Rosenkavalier - Veronika Haller als Marschallin © Klaus Lefebvre

Hagen / Theater Hagen – Rosenkavalier – Veronika Haller als Marschallin © Klaus Lefebvre

Die zentralen Antipoden der Oper, die Marschallin Fürstin Werdenberg (Veronika Haller) und Baron Ochs auf Lerchenau (Rainer Zaun)  leben ihre riesigen wie anspruchsvollen Partien mit darstellerischer wie stimmlicher Sicherheit, welche verblüfft. Veronika Haller gibt der Marschallin das Antlitz einer beherrschten, leicht wehmütigen aber nie schlüpfrigen Frau; welche mit herrlich lyrischem Sopran und differenzierter Phrasierung über vier Stunden und wohltimbrierten Ausdruck den Besucher bannt. Rainer Zaun dagegen, grober wie stets widersprüchlicher Ochs auf Lerchenau in grünen Jacket, wütet im Dreiertakt mit solch stimmlich perfekter Bass-Gewalt, wienert in derbstem Wiener Schmäh, dass es den Atem verschlägt. Seine Begleiter, die in Lederhosen und Wams gekleideten Lerchenau´schen, stützen das vom Ochs geschaffene Panoptikum durch blendende Choreographie. Doch auch die anderen Partien der Inszenierung sind blendend besetzt: Kristine Larissa Funkhauser mit Lockenkopf als Octavian mit wohllautendem Mezzo, Kenneth Matice als Herr von Faninal, Maria Klier als schüchterne Sophie. Keno Brandt fällt als abstruser Nazi-Verschnitt in schwarzen Ledermantel und Stöckelschuhen auf. Ebenso Kejia Xiong, welcher mehrere Partien bedient, doch mit einer überzeichnenden Belcanto-Arie als Sänger in Mantel, Schal und strahlend hohem Tenor italienisch fröhliches Flair herbei zaubert.

Hagen / Theater Hagen - Ensemble zum Rosenkavalier © IOCO

Hagen / Theater Hagen – Ensemble zum Rosenkavalier © IOCO

Zu Richard Strauss Opern herrscht im Orchestergraben immer großes Gedränge. Nicht nur Geigen, Celli, Schlagwerk und Ensemble muss der Dirigent dann lenken: In der Sprengkraft der bis in chaotische drängenden Partitur führen auch seltenere Instrumente Triangel, Tratsche, Schellen, Rührtrommel, Basstuba starke Eigenleben. Der Hagener Generalmusikdirektor Florian Ludwig und sein philharmonisches orchesterhagen ließen im Graben das schräge, gleißende wie  harmonisches der Straussschen Partitur aufblühen, zuspitzen, verdämmern. Der Besucher hielt den Atem an, zwickte sich: Wir sind nicht in Wien, Berlin oder Hamburg: Dies ist das Theater Hagen!

Die komplexe wie aufwendige Rosenkavalier Produktion im Theater Hagen ist eine künstlerische Großtat.  Ein Hagener, welcher dort über Jahrzehnte fünf Rosenkavalier Produktion erlebt hatte, konstatierte emphatisch, dieser Rosenkavalier sei ein Höhepunkt im Theaterleben Hagens. Entsprechend begeistert fiel der Beifall des Publikums aus. IOCO / Viktor Jarosch / 08.06.2016

Der Rosenkavalier im Theater Hagen; weitere Vorstellungen: 12.06.2016; 19.06.2016; 01.07.2016; 08.07.2016

—| IOCO Kritik Theater Hagen |—

München, Münchner Symphoniker, Franck – Bartok – Berlioz: Sinfonische Dichtungen der Romantik, IOCO Kritik, 16.03.2015

März 18, 2015 by  
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Muenchner Symphoniker © Peter von Felbert

Muenchner Symphoniker © Peter von Felbert

 

Münchner Symphoniker

 Emotionen Pur: Sinfonische Dichtungen der Romantik

Kevin John Edusei, seit 2014 Chefdirigent der Münchner Symphoniker, überrascht  seine inzwischen zahlreichen Münchner Fans mit Frische, Besuchernähe und ungewohnter Programmvielfalt.  Edusei, Intendantin Annette Josef und ein wenig auch der junge ungarische Solo-Violonist Barnabas Kelemen, vermittelten am 4. März 2015, zunächst von einer kultigen gelben Couch im Herkulessaal, das hochromantische Programm des Abends in seiner musikalischen und historischen Vielfalt. Auch originell: Mit Beginn des Abends bereits, konnte das Publikum auf ausgelegten Karten mögliche Programm-Zugaben frei wählen.

Grabmal César Franck © IOCO

Grabmal César Franck © IOCO

Das Konzert begann mit dem lyrischen 4. Satz aus Psyché und Eros, wohl einem der schönsten und bezauberndsten Werke der französischen Spätromantik von César Franck (1822 – 1890). Das Werk, entstanden 1888, wird heute in seiner Gänze nur selten gespielt, zumeist nur jener sentimentale 4 Satz, jene Kantilenen des Amor und der Psyché. Das Märchen der Antike über die Liebe des Gottes Amor zur Königstochter Psyché wird darin von einer seltsam, märchenhaften, träumerischen Grundstimmung beherrscht, voller Melodien des Gottes Amor und dem aus Violinen entwickeltem Gesang der Königstochter Psyché. Edusei, Kelemen und die Münchner Symphoniker übersetzten die großartige Komposition wunderbar in weiche melodische Vielfalt, akribische Prägnanz: Den von César Franck sentimental beschriebenen musikalischen Hymnus an die Liebe zauberten sie in den Himmel des Herkulessaales.

Kevin John Edusei © Marco Borggreve

Kevin John Edusei © Marco Borggreve

Ungewöhnlich, mit einem langen zarten Solopart, der das Herz berührt, beginnt danach Violonist Barnabas Kelemen das Konzert für Violine und Orchester Nr. 1 op. posthum von Bela Bartok. Fein, ganz zart führt Kelemen den Bogen seiner Geige. Nach mehreren Takten stellt sich das Orchester an seine Seite und begleitet die Solovioline. Bartok schrieb dieses Violinkonzert mit 26 Jahren, für die damals beste Geigerin der Zeit, für die Ungarin Stefi Geyer (1888 – 1956). Geyer war nicht nur sehr musikalisch, sie war auch hübsch. Das Wichtigste: Bartok war in sie verliebt. So ist der 1. Satz seines Konzertes eine aufrichtige Liebeserklärung voll Aufrichtigkeit, Leidenschaft und Hoffnung. Der 2. Satz drückt Bartoks Ahnungen aus, dass seine Liebe unerfüllt bleibt und setzt Geyer darin ein Denkmal. Dieser Satz ist kommunikativ: Geige und Orchester setzen sich auseinander. Mit dem 2. Satz wollte Bartok zeigen, welch wunderbare Kompositionen er schaffen kann, sollte „sein Flehen nicht erhört werden“. Eine Musik, die aus dem Herzen Bartoks kommt und ein Herz der geliebten  „Stefi Geyer zwingen“ soll.  Doch Geyer hielt  dieses Konzert ihr Leben lang  unter Verschluss. Erst nach ihrem Tod wurde es öffentlich gespielt. Edusei führt sein Orchester mit festem Griff  Es ist mitreißend, Bartoks Liebeshoffen, sein Sehnen in Klängen zu hören. Zu erleben, wie lebendig, ergreifend Edusei, die Münchner Symphoniker und Kelemen die Seelenstimmungen wiedergeben.

Münchner Symphoniker © Marco Borggrefe

Münchner Symphoniker © Marco Borggrefe

Von Liebe, Sehnsüchten, Träumen, Enttäuschung und schließlich Rache handelt Hector Berlioz 1830 komponierter Welterfolg, die sinfonische Dichtung Symphonie fantastique. Fünf Episoden aus dem Leben eines Künstlers schildert dies vielleicht bedeutendste Werk der romantischen Musik: In der ersten  Episode schwelgt das Largo die Träumereien eines jungen Musikers; die fünfte Episode, im wilden Hexensabbat, mischt Totenglocken, Höllenorgien mit Totenmessen. Die Münchner Symphoniker zeichnen die so gegensätzlichen Episoden mit Klangvirtuosität und Präzision. Wohltuend, sensibel doch klanglich massiv wie ausgewogen führt Chefdirigent Edusei durch die extremen Stationen des seit über 180 Jahren bleibend populärem sinfonischem Gefühlsepos.

Das Publikum im ausverkauften Herkulessaal zeigte sich begeistert von Edusei, Kelemen den Münchner Symphonikern und dem von Romantik und Liebe geprägten   Konzertabend. Lauter und stürmischer Beifall.

IOCO / D.H. Zimmermann / 10.03.2015

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