Wien, Theater an der Wien, A Midsummer Night’s Dream – Benjamin Britten, IOCO Kritik, 07.05.2018

Mai 7, 2018 by  
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Theater an der Wien

Theater an der Wien / Linke Wienzeile © IOCO

Theater an der Wien / Linke Wienzeile © IOCO

 A Midsummer Night’s Dream –  Benjamin Britten

Puck – Der Außenseiter an der Schule – Er allein kann seine Gefährten sehen

Von Marcus Haimerl

 Benjamin Britten Denkmal am Strand von Aldeburgh © IOCO

Benjamin Britten Denkmal am Strand von Aldeburgh © IOCO

Eine völlig neue Sichtweise auf Benjamin Brittens 1960 beim Aldeburgh Festival uraufgeführter Oper A Midsummer Night’s Dream zeigt Regisseur Damiano Michieletto im Theater an der Wien. Die zentrale Frage seiner Regiearbeit war der Grund für das Verhalten von Puck, warum dieser frech ist und stets auf neue Streiche sinnt.

Die Lösung führt Michieletto nicht nach Athen, sondern in ein Internat („Athen könnte der Name der Schule sein“, so der Regisseur) und statt des Waldes landen die jugendlichen Liebespaare im Turnsaal (Foto unten).

Puck ist Außenseiter an der Schule, hat aber Gefährten, die nur er sehen kann. In eben dieser Welt dient Puck dem Elfenkönig Oberon. Puck soll Zauberblumen besorgen, dessen Pollen in den Augen eines Schlafenden gestreut, diesen in die erste Person verliebt macht, die er erblickt. Damit soll Oberons Gattin Tytania ein Streich gespielt werden.

Theatr an der Wien / A Mid Summer Night´s Dream © Werner Kmetitisch

Theatr an der Wien / A Mid Summer Night´s Dream © Werner Kmetitisch

Lysander und Hermia sind ineinander verliebt und wollen die Nacht in der Schule verbringen, sie planen durchzubrennen. Aber auch Demetrius und Helena sind noch heimlich in der Schule geblieben. Und auch Demetrius ist in Hermia verliebt. Helene wiederum ist in Demetrius verliebt und verfolgt ihn, trotz Abweisung, mit ihrer Liebe. Oberon beobachtet die beiden und gibt Puck auch die Anweisung Demetrius zu suchen und diesen mit Pollenstaub zu bestreuen um ihn in Helena verliebt zu machen.

Doch auch andere Jugendliche verbringen die Nacht in der Schule: Quince, Flute, Starveling, Snout, Snug und Bottom. Diese proben für eine Theateraufführung, die antike Liebestragödie Pryamus und Thisbe.

Zwischenzeitlich findet Puck den schlafenden Lysander und hält diesen für den Gesuchten. Er bestreut ihn mit Blütenstaub und der erwachende Lysander verliebt sich in die vorbeikommende Helena. Währenddessen wurde auch Tytania von ihrem Elfenhofstaat in den Schlaf gesungen und Oberon verabreicht ihr ebenfalls den Zauberblumenstaub.

Theatr an der Wien / A Mid Summer Night´s Dream © Werner Kmetitisch

Theatr an der Wien / A Mid Summer Night´s Dream © Werner Kmetitisch

Die jungen Leute (Foto) proben mittlerweile lautstark das Stück und Puck ist verärgert darüber, dass Tytania erwachen könnte. Er verwandelt Bottom in einen riesigen Monsteresel, in den sich die erwachende Tytania verliebt. Das Chaos ist perfekt und die Problemlösung Pucks, er verpasst nun auch Demetrius den Zauberstaub, führt zu noch mehr Chaos.

Am Morgen lässt nun Oberon den Esel verschwinden und erlöst auch Tytania vom Zauber. Auch von den jungen Liebespaaren löst sich der Zauber, alle erinnern sich an die nächtlichen Liebeswechsel. Auch Bottom hat seltsame Erinnerung an amouröse Abenteuer im Eselsfell.

Auch vor den Lehrern Theseus und Hyppolyta ist das nächtliche Treiben nicht unentdeckt geblieben, dennoch fällt die Strafe milde aus und die Paare dürfen zusammenbleiben. Nun beginnt auch die Liebestragödie Pryamus und Thisbe der auch Puck zusieht. Beim Tod des Liebespaares erinnert sich Puck plötzlich an den Unfalltod seiner Eltern und erkennt, dass Oberon und Tytania nur Imaginationen seiner Eltern sind. Er begreift nun deren Tod und als er einschläft entlassen ihn Oberon und Tytania aus der Elfenwelt: er soll sich wieder dem Leben zuwenden.

 Das Trauma des jungen PuckMittelpunkt der Regie

Im Mittelpunk stellt Michieletto also dieses Trauma des jungen Pucks, der sich seine Elfenhaftigkeit selbst kreiert hat. Schrittweise führt der Regisseur das Publikum an die Lösung heran. Immer wieder werden kurze Filme eingespielt: die Familie beim Frühstück, bei der Autofahrt und schließlich die verunfallten Eltern, die Puck die Wahrheit vor Augen führen. Auch wird in diesen kurzen Filmen klar, wie Bottom zu eben jenem Esel wurde. Dieser Esel war ein Kuscheltier, welches die Eltern Puck geschenkt hatten.

Das Bühnenbild von Paolo Fantin zeigt eine Schulaula mit einer Theaterbühne, welche in den hinteren Bühnenraum geschoben den Turnsaal zeigt. Neonfarben bestimmen die Verwicklungen dieser Sommernacht, orange der Zauberstaub der Blumen, grün die Leuchtröhren die in den Turnsaal hängend, den Wald ersetzen und neonfarben auch die Masken, welche in der Elfenwelt getragen werden.

Intensiv ist die Personenführung des venezianischen Regisseurs, der die Teenager durch den Turnsaal jagen und lieben lässt und die „Schauspieler“ der Theateraufführung von Pryamus und Thisbe ordentlich herumalbern lässt.

Theatr an der Wien / A Mid Summer Night´s Dream © Werner Kmetitisch

Theatr an der Wien / A Mid Summer Night´s Dream © Werner Kmetitisch

Musikalisch lässt diese Produktion keinerlei Wünsche offen. Auf der irdischen Seite: Rupert Charlesworth (Lysander) und Tobias Greenhalgh (Demetrius) beweisen neben enormen Körpereinsatz einen ebensolchen stimmlichen Kraftakt bis zur Erschöpfung um die liebliche Mirella Hagen (Helena). Dieses Kleeblatt wird hervorragend durch Natalia Kawalek (Hermia) ergänzt. Eine stimmliche Urgewalt ist Tareq Nazmi (der in einen Esel verwandelte Nick Bottom), beeindruckend auch Lukas Jakobski (Peter Quince), Michael Laurenz (Francis Flute), Dumitru Madarašan (Snug), Andrew Owens (Tom Snout) und Kristján Jóhannesson (Robin Starveling). Auch die Feenwelt überzeugt: Countertenor Bejun Mehta als berührend lyrischer Oberon und Daniela Fally mit hellem, klarem Sopran als unglaublich intensive Tytania. Maresi Riegner ist ein eindringlicher, berührender, zwischen diesen beiden Welten gefangener Puck. Günes Gürle (Theseus) und Ann-Beth Solvang (Hyppolyta) fügen sich nahtlos in das exzellent besetzte Ensemble ein.

Dirigent Antonello Manocarda kostet mit den Wiener Symphonikern die gesamte Bandbreite von Brittens Partitur aus und verzaubert das Publikum mit zarten, dunklen Glissandi und ist dem gesamten Ensemble und den St. Florianer Sängerknaben ein hervorragender Partner. Eine Produktion die insgesamt große Freude bereitet und darauf hoffen lässt, dass Benjamin Britten wieder vermehrt den Weg in die großen Opernhäuser findet.

—| IOCO Kritik Theater an der Wien |—

Berlin, Deutsche Oper Berlin, Das Wunder der Heliane – Erich W. Korngold, IOCO Kritik, 05.05.2018

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Deutsche Oper Berlin

Deutsche Oper Berlin © Leo Seidel (Kontakt: leoseidel@googlemail.com)

Deutsche Oper Berlin © Leo Seidel (Kontakt: leoseidel@googlemail.com)

Das Wunder der Heliane – Erich Wolfgang Korngold

Großes Kino oder nackte Wahrheit ?   Bühne wird zum Gerichtssaal

Von Kerstin Schweiger

Die Berliner Opernhäuser besinnen sich derzeit einträchtig auf diesen in der Oper musikalisch so heterogenen Beginn des 20. Jahrhunderts. Nach den Gezeichneten von Franz Schreker im Januar an der Komischen Oper und dem Strauss‘schen Türöffner zur Moderne Salome an der Staatsoper, gelingt nun der Deutschen Oper Berlin mit Korngolds Das Wunder der Heliane 90 Jahre nach der ersten Aufführung an diesem Haus ein Opern-Coup.

April 2018 – 90 Jahre nach Erstaufführung
Deutsche Oper Berlin hebt musikalischen Schatz  –  Das Wunder der Heliane 

Dramaturgisch greift diese Rückschau nach einer Blütezeit des Musiktheaters an der Schwelle großer Veränderungen. Das frühe 20. Jahrhundert war eine Zeit der Neuordnung, des Aufbruchs in Wissenschaft und Psychologie, einer politischen Zeitwende und jähen Einbruchs. Die Weltkriegsfolgen führten zu einer Neuorientierung auf allen gesellschaftlichen und künstlerischen Gebieten. Eine Verschärfung von Prekariat und politischer Bewusstwerdung folgte auf Krisen. Künstler nahmen dieses explosive Gemisch seismographisch auf, das Publikum stellte sich aus der konservativen und neu gewonnen Bürgerlichkeit heraus ebenfalls neu auf, so das die Formen des künstlerischen Verarbeitens kaum unterschiedlicherer Ausprägung sein konnten und nebeneinander existierten.

Deutsche Oper Berlin / Das Wunder der Heliane - hier : Sara Jakubiak als Heliane © Monika Rittershaus

Deutsche Oper Berlin / Das Wunder der Heliane – hier : Sara Jakubiak als Heliane © Monika Rittershaus

Auf den Opern-Bühnen waren Richard Strauss und Gustav Mahler musikalische Trendsetter, Inspiration für eine Folgegeneration von Komponisten, die ihren Ansatz in eine neue zeitgenössische musikdramatische Sprache weitergeführt haben. Ihr Stil ermöglichte  in der kurzen Folge bis 1933 eine Flut musiktheatralischer Formen, wie sie z.B. Arnold Schönberg oder Alban Berg ausgeführt haben. Denen auf der Spur war die eine Gruppe von jüngeren Komponisten wie Schreker, Krenek, Weill oder Korngold, jeweils mit ganz unterschiedlichem stilistischem Ansatz.

Allen drei hier genannten Stücken gemeinsam, und ganz anders als die Werke von Krenek oder Kurt Weill, ist es, dass sie in der Wahl des Stoffes weit weg aus der Tagesrealität der Entstehungszeit in ferne, vergangene Zeiten oder mystische Schauplätze entführen. Sie behandeln allgemeingültige zwischenmenschliche Fragen von Religion, Beziehung, Macht, Diktatoren und ihrer Beziehung zum Volk. Eine Art dramaturgisches Krisenmanagement in unstetiger Zeit.

Wo markiert man Erich Wolfgang Korngold und sein Werk?

Erich Wolfgang Korngold (29. Mai 1897 – 29. November 1957) galt in seiner Heimatstadt Wien bereits als Wunderkind. Seine Jugendwerke wurden häufig durch Dirigenten wie Bruno Walter, Artur Schnabel, Arthur Nikisch, Wilhelm Furtwängler, Felix Weingartner und Richard Strauss aufgeführt. Er hatte in der Tradition einer modernen Klassik mit seiner Oper Die tote Stadt 1920 im zeitgenössischen Musiktheater eine Marke gesetzt und die Ankündigung einer neuen Oper elektrisierte die Häuser. Mit „Heliane“ hatte es Korngold bei Publikum und Kritik schwerer. Die Uraufführung 1927 an der Hamburgischen Staatsoper fand anders als Die tote Stadt wenig positive Resonanz.

Kreneks etwa zur gleichen Zeit uraufgeführte Jazzoper Johnny spielt auf traf mit Themen der Zeit und aktuellen Trends den herrschenden Publikumsgeschmack direkter als das eher mystisch-märchenhafte und inhaltlich verschlungene Stück Korngolds. Dennoch  wurde Das Wunder der Heliane direkt nach der Uraufführung von 12 Bühnen im deutschsprachigen Raum nachgespielt. Wenige Jahre später war die Oper von den Spielplänen verschwunden und vergessen. So unterschiedlich Krenek und Korngold agierten, Korngold stellte die Stimme mit spätromantisch blühenden Bögen noch einmal ins Zentrum, Krenek nutzte Jazzelemente, so sehr sind beide Stücke Ausdruck ihrer Entstehungszeit.

Von den Nationalsozialisten ab 1933 mit Aufführungsverbot belegt und als entartet“ eingestuft, ging Korngold auf Einladung von Max Reinhardts 1934 nach Hollywood, um für dessen Film A Midsummer Night’s Dream die Filmmusik nach Mendelssohns Schauspielmusik für das gleichnamige Shakespeare-Stück zu arrangieren.  Mit der Arbeit am Sommernachtstraum veränderte Korngold die bisherige Struktur von Filmmusik: Er vergrößerte die Orchesterbesetzung zu Symphonieorchesterumfang und setzte enge Relationen zwischen gesprochenen Dialogen und Filmmusik.  In den nächsten Jahren war er sehr erfolgreich als Filmkomponist für die Warner Brothers tätig und erhielt 1936 und 1938 zwei Oscars.

Deutsche Oper Berlin / Das Wunder der Heliane - hier : Sara Jakubiak als Heliane, Josef Wagner als König / Herrscher © Monika Rittershaus

Deutsche Oper Berlin / Das Wunder der Heliane – hier : Sara Jakubiak als Heliane, Josef Wagner als König / Herrscher © Monika Rittershaus

Mit dem von den Nazis verhängten Aufführungsverbot des Komponisten jüdischer Herkunft verschwanden Korngolds Opernwerke für lange Zeit von den Bühnen. Ein Anknüpfen an die Aufführungsserien der Entstehungszeit war nach der Zäsur durch Nationalsozialismus und Weltkrieg nicht gegeben. Die Nachkriegszeit setzte auch in der Opernlandschaft andere Prioritäten.

Erst 1989  gab es wieder eine Inszenierung (John Dew) in Bielefeld. Im Rahmen der Reihe „Entartete Musik“, die die von den Nazis verfemten Werke wieder in den Fokus rückte, wurde die Oper 1992 für die DECCA auf CD aufgenommen. Eine konzertante Aufführung folgte 2007 im Rahmen der Londoner Proms Konzerte.  2010 und 2012 folgten in einer Koproduktion Aufführungen in Kaiserslautern und Brünn. Die Volksoper Wien und das Philharmonische Orchester Freiburg präsentierten 2017 konzertante Aufführungen Das Wunder der Heliane. Ebenfalls 2017 brachte die Oper Vlanderen in Antwerpen/Gent eine Neuproduktion heraus.

Die Handlung:   Ein eiskalter Herrscher ohne Liebesfähigkeit, der seinem Volk, das auf ein erlösendes Wunder wartet, alle  Freuden und Gefühle verbietet, führt ein strenges, freudloses Regime. Auch seine unglückliche Frau Heliane ist davon betroffen, sie verweigert sich dem kalten Herrscher.

Ein Fremder, der wie ein Guru das Volk in Glück und Liebesfähigkeit coachen will, landet dafür im Gefängnis. Als ihn Heliane dort aufsucht, geraten beide in eine plötzliche gegenseitige seelische Anziehung. Heliane wendet sich diesem Fremden zu, entblößt sich vor ihm aus einem Gefühl heraus. Als der Herrscher hinzukommt und diesen angenommenen Treuebruch entdeckt, klagt er seine Frau an, der Fremde ersticht sich. Heliane bleibt nur eine Option, nämlich mit einem „Wunder“, den Fremden wieder zum Leben zu erwecken und so zu beweisen, dass sie unschuldig ist. Auf diese wundersame Erlösung und damit ein emotional freies Leben hofft schließlich das ganze Land. Und bekommt sie auch, Heliane und der Fremde sterben eine Art Liebestod, der Herrscher und das Volk bleiben in dem kalten Reich zurück, ein Neuanfang?

Elsa Bienenfeld, Rezensentin der Wiener Erstaufführung 1927, erkannte, dass das Potential der Oper in der Musik, weniger im altertümelnden, sprachlich gewundenen, düster märchenhaften Plot und Textbuch lag. „Die Musik überflutet das Textbuch, wogt durch die Akte, reißt die Szenen mit sich. (…). Sie schüttet Melodie in die Figuren, daß sie an Gesang überquellen.“

Im Zentrum dieser Musik steht die menschliche Stimme, ein „Schwelgen im Gesang“, Hochexpressive Harmonien, packend, dynamisch und süffig  – für die Sänger eine Kraftanstrengung über dreieinhalb Stunden hinweg. Musikalische Promille, eingebettet in einen üppigen Orchesterklang, der stellenweise Korngolds spätere Komposition für Filme also Filmmusik voraus ahnen lässt, in einer Zeit, in der der Film selbst noch stumm war, aber durch seine bis Ende der 1920er Jahre ausdifferenzierte Weiterentwicklung als eigenständige Begleitmusik bereits klang. Korngold selbst notierte: „Musik ist Musik, ob sie für die Bühne, das Dirigentenpult oder fürs Kino ist. Die Form mag sich ändern, die Art, sie zu notieren, mag unterschiedlich sein, aber der Komponist darf keinerlei Zugeständnisse machen in Bezug auf das, was er für seine eigene musikalische Überzeugung hält.“

Deutsche Oper Berlin / Das Wunder der Heliane - hier : Sara Jakubiak als Heliane und Jakob Wagner als König © Monika Rittershaus

Deutsche Oper Berlin / Das Wunder der Heliane – hier : Sara Jakubiak als Heliane und Jakob Wagner als König © Monika Rittershaus

So krude, unverständlich und aus der Zeit gefallen der Librettotext uns heute erscheint, so plausibel ist die inszenatorische Idee, die Loy konsequent den gesamten langen Abend hindurch umsetzt. Regisseur Christof Loy kehrt nach Inszenierungen von JENUFA, FALSTAFF und EDWARD II. zum vierten Mal an die Deutschen Oper Berlin zurück. Er sieht sieht Themen wie „Liebe“, „Nächstenliebe“ und „Mit-Leid“, die in dem Stück verhandelt werden, in einer 1928 wie heute eiligen Metropole wie Berlin, dem Ort der dritten „Uraufführung“ des Stückes nach Hamburg und Wien, von großer Relevanz.

In einem Einheitsbühnenbild, einer dunkel getäfelten Kastenbühne mit einer variabel lichtdurchlässigen Decke und Fensterfront (Johannes Leiacker), erhält jede Figur eine Rolle in einer jeweils offensichtlichen Richt- bzw. Gerichtsituation. Die Gerichtskulisse ist die perfekte Basis für die seltsam und zugleich spirituell anmutende Handlung. So spielt der erste Akt in der Untersuchungshaft, wo nacheinander der König, dann Heliane und wieder der König den zum Tode verurteilten Fremden aufsucht. Keine TV Soap, kein Gerichtsfilm könnten die Gerichtsszene im zweiten Akt dramaturgisch besser herstellen. Angeklagt sind Heliane und der Fremde dafür, dass sie lieben, Gefühle zeigen, was im Reich des Königs bei Strafe verboten ist. Heliane wird ausserdem des Ehebruchs bezichtigt. Der Herrscher ist sein eigener Staatsanwalt, der Chor das sensationsgierige Volk, schwankend zwischen Hoffnung auf ein besseres Leben und Stillhalten unter dem Joch des autoritären Herrschers, mal dieser, mal jener Seite parteiisch zugetan. Und schließlich hält der strenge Raum auch im letzten Akt die Anspannung vor der spirituellen Auferweckung des toten Fremden, das Wunder der Heliane, und dem dramatischen Schluss dicht zusammen. Der durchweg dunkel bis grau gehaltene Businesslook der Kostüme (Barbara Drosihn) entspricht dem szenischen Konzept.

Die amerikanische Sopranistin Sara Jakubiak ist in jeder Hinsicht souverän und anrührend. Ihr leuchtend heller Sopran ist warm timbriert, angenehm in den lyrischen Passagen, voller Kraft, wenn es notwendig ist, strömt ihre Stimme mühelos auf und über dem Orchester. Wenn sie in einer innige Seelenbegegnung mit dem Fremden plötzlich nackt auf der Bühne steht, ist das logisch und im Erzählstrom selbstverständlich. Ihre Heliane ist in diesem Bühnengericht Angeklagte und Zeugin der Anklage gleichermaßen. Eine Marlene Dietrich der Opernbühne, auch äußerlich im Businesskostüm mit Pelzumhang.

Die Besetzung des Fremden und des Königs macht es Loy leicht, die unvereinbaren Positionen der Figurencharaktere markant herauszustellen. In dem ganzen schwer fassbaren Handlungsgerüst ragen besonders der asketische König von Josef Wagner, der mit großartiger Diktion und standhaften Bassbariton den König als unversöhnlichen, in selbst gewählter Einsamkeit nach Liebe und Anerkennung hungernden Gegenpol zu dem menschlichen Füllhorn von Brian Jagdes Fremden positioniert. Jagdes durchschlagender heller und kräftiger Tenor läuft insbesondere zum Schluss zu dramatischer Größe auf, sein Fremder ist eine schillernd uneindeutige Figur. Mediator für König und Königin, Verführer des Volkes, Verführer der Königin und Wundermedium mit Auferstehungsfähigkeiten.

Okka von der Damerau nutzt sowohl gesanglich als auch darstellerisch mit feinem Gefühl für Nuancen die Rolle der Botin für ein Charakterbild von purer Intriganz. Sie ist darstellerisch wie musikalisch vom Komponisten vorgegeben fast eine Seeräuberjenny Weill’scher Prägung. (Die Uraufführung der Dreigroschenoper erfolgte tatsächlich nur einige Monate nach der Berliner Erstaufführung von Korngolds Oper 1928).

Burkhard Ulrich gestaltet  den blinden Schwertrichter mit hochpräsentem hellen Tenor als differenzierende Persönlichkeit. Eine Charakterstudie gibt Gideon Poppe als Der junge Mann, ein omnipräsenter Verehrer der Königin. Besonders anrührend ist Derek Welton als Pförtner, der das Volk aufrüttelt, sein Glück selbst zu gestalten, sich der Diktatur des Königs zu entziehen.

Marc Albrecht, Chefdirigent der Dutch National Opera, des Netherlands Philharmonic und des Netherlands Chamber Orchestra ist der Deutschen Oper langjährig verbunden. Er trägt den Abend kongenial, gibt dem Orchester eine transparente Stimme, fächert die Klangebenen auf, mit den Musikern von extremer Expression mühelos zum feinsten Pianissimo gleitend, gibt den Sängern Raum auf der reichen Tonebene, präsentiert jedes Instrumentensolo und hält die überbordenden Klangmassen so weit in Zaum, dass jede gesungene Phrase hörbar und trotzdem in den Klang eingebettet ist. Eine phänomenale Leistung von Marc Albrecht und dem Orchester der Deutschen Oper Berlin.

Der Chor ist hochpräsent stimmlich wie darstellerisch. Ein Powerpaket, das  – einmal im Spiel – mit großem szenischen Verstand seine Wegmarken präzise in die Klangexplosionen hinein setzt. So erscheint das Wunder der Auferstehung des Fremden packend wie eine musikalisch-spirituelle Gemeinschaftsleistung von Heliane und dem Volk. Das ist musikalisches Gewichtheben auf elegante und differenzierte Art.

Es bleibt zu hoffen, dass nach der ersten überaus erfolgreichen Aufführungsserie im März / April 2018 sich dieses Wunder der Heliane in den kommenden Spielzeiten noch oft wiederholt.

—| IOCO Kritik Deutsche Oper Berlin |—

Dresden, Semperoper, Premiere Ballett Ein Sommernachtstraum mit Daniel Hope , 10.03.2018

Januar 31, 2018 by  
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Semperoper

Dresden / Semperoper im Sonnenschein © Matthias Creutziger

Dresden / Semperoper im Sonnenschein © Matthias Creutziger

Premiere Ein Sommernachtstraum

Zweiteiliger Ballettabend mit Choreografien von Frederick Ashton und David Dawson – Daniel Hope übernimmt Solopart

»Was gibt’s für Zeitvertreib an diesem Abend? Was für Musik und Tanz?«, begehrt Theseus, Fürst von Athen, in  Shakespeares A Midsummer Night’s Dream zu wissen. Diesen Fragen begegnet das Semperoper Ballett am 10. März mit der Premiere von Ein Sommernachtstraum. Die Aufführung vereint mit Frederick Ashtons Klassiker The Dream und der Uraufführung von The Four Seasons«von David Dawson zwei britische Ausnahmechoreografen, deren Werke Ballettdirektor Aaron S. Watkin zu einem Ballettdoppelabend programmatisch kombiniert.

Mit The Dream ist zum ersten Mal eine Choreografie von Frederick Ashton in Dresden zu sehen. Die Adaption des 1988 verstorbenen Künstlers von A Midsummer Night’s Dream gilt seit ihrer Entstehung im Jahre 1964 in ihrer Virtuosität als ein Meilenstein der Shakespeare-Interpretation im Ballett. Nach ihrer Premiere an Londons Royal Opera House begeisterte Ashtons Pioniertat im klassischen englischen Stil und unter Einbeziehung der Pantomime als weitere traditionelle Ausdrucksform des britischen Theaters bald das Tanzpublikum rund um den Globus. Nach über 50 Jahren fasziniert The Dream immer noch durch seine perfekte Balance aus Humor und Grazie, überzeichneter Gestik und anmutiger Bewegung. Felix Mendelssohn Bartholdys Musik liefert die musikalische Basis, auf der sich das zwischen Traum und Wirklichkeit schwebende, amouröse Verwirrspiel von Menschen und Zauberwesen im magischen Licht einer Mittsommernacht abspielt.

Der Doppelabend wird ergänzt mit der Uraufführung von The Four Seasons« des britischen Choreografen David Dawson. Inspiriert von Max Richters fantastisch-sphärischer Neukomposition von Antonio Vivaldis Die vier Jahreszeiten kreirte Dawson in Choreografie, Konzept und Libretto eine mit den Mitteln des Tanzes nachgefühlte Reflexion über den Zirkel des Lebens, über Werden und Vergehen, Vergangenheit und Gegenwart. Ab 2006 wirkte der nach seiner tänzerischen Karriere auch als Choreograf internationale Berühmtheit erlangende Künstler für drei Jahre als Haus-Choreograf in Dresden, bevor er 2010 zum Königlichen Ballett Flandern in Antwerpen wechselte. Mit The Four Seasons kehrt er nun an die Semperoper Dresden zurück, wo zuletzt 2015 seine Inszenierung von Tristan + Isolde als Uraufführung zu erleben war.

Kaum ein anderer Name ist mit Ashtons The Dream so verbunden wie der des britischen »danseur nobles« des 20. Jahrhunderts, des Choreografen und langjährigen Direktors des Londoner Royal Ballet, Anthony Dowell, der als erster die Partie des Oberon interpretierte und nachhaltig prägte. Zusammen mit Patricia Tierney und Christopher Carr zeichnet er für die Inszenierung und Einstudierung des Stückes an der Semperoper Dresden verantwortlich.

Für einen ganz besonderen musikalischen Glanzpunkt sorgt am Premierenabend und am 12. März der südafrikanisch-britische Geiger Daniel Hope. Der seit Neuestem auch als Künstlerischer Leiter der Frauenkirche Dresden amtierende Weltmusiker hat 2017 sein Album »Four Seasons« veröffentlicht, das neben einer Neueinspielung von Antonio Vivaldis »Vier Jahreszeiten« auch einen Satz aus der Neukomposition von Max Richter enthält. Aus diesem Anlass wird Hope den Solopart des unter der Musikalischen Leitung von Benjamin Pope stehenden Ballettabends übernehmen.

Am Samstag, dem 10. März 2018, um 18 Uhr feiert der zweiteilige Ballettabend »Ein Sommernachtstraum« an der Semperoper Dresden seine Premiere.

Weitere Aufführungstermine: 12., 14., 17. und 19. März 2018

Jeweils 45 Minuten vor Aufführungsbeginn findet eine Werkeinführung im Opernkeller der Semperoper statt.

Es tanzt das Semperoper Ballett. Zu hören sind die Sächsische Staatskapelle Dresden sowie der Sinfoniechor DresdenExtrachor der Sächsischen Staatsoper Dresden sowie am 10. und 12. März Daniel Hope und am 14., 17. und 19. März 2018 Simos Papanas in den Geigen-Solopartien.

—| Pressemeldung Semperoper Dresden |—

Mainz, Staatstheater Mainz, A Midsummer Night´s Dream, IOCO Kritik, 03.06.2017

Juni 4, 2017 by  
Filed under Kritiken, Oper, Staatstheater Mainz

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Staatstheater Mainz

Staatstheater Mainz © Andreas Etter

Staatstheater Mainz © Andreas Etter

A Midsummer Night’s Dream  von Benjamin Britten

Kommende Termine: 22.10.2017, 6.11.2017, 9.11.2017, 27.11.2017

Von Ljerka Oreskovic Herrmann

Im Kleinen Haus des Staatstheaters Mainz gab man zum Abschluss der (Opern)Saison Benjamin Brittens A Midsummer Night’s Dream – passend zur Jahreszeit, aber auch zu einer durchaus ambitionierten Spielzeit. Shakespeares fünfaktige Komödie ist in der musikalischen Fassung von Britten selbst auf drei reduziert worden, was der Handlung keineswegs schadete. Es ist der Vorabend der Hochzeit des athenischen Herzogs Theseus mit der Amazonenkönigin Hippolyta, die ebenso wie wir Zuschauer Platz nehmen – allerdings auf der Bühne und an einem Tisch, dass das zukünftige Tête-à-Tête der beiden vorweg nimmt. Verschieb- und aufklappbare Paravents weiten schnell die Bühne, als das Elfenkönigspaar, Oberon und Tytania, ihren Streit austragen, der bekanntermaßen zu vielen Verwicklungen führen wird. Puck, Oberons Gehilfe, und einzige Sprechrolle im Stück, hat daran gehörigen Anteil.

Staatstheater Mainz / A Mid Summer Night´s Dream_Titania Oberon und Ensemble © Andreas Etter

Staatstheater Mainz / A Mid Summer Night´s Dream – Titania Oberon und Ensemble © Andreas Etter

Überhaupt ist die Ausstattung – Sabine Kohlstedt – sehr wandlungsreich und phantasievoll, wie auch die gesamte Produktion von einer Liebe zum Detail lebt. Über allem wacht der Mond, eine große hell erleuchtete Scheibe, die sich bei den Handwerkerszenen in eine Baumscheibe mit Jahresringen wandelt und damit geschickt darauf anspielt, dass all das nicht zum ersten Mal geschieht. Die Verwicklungen der Liebe erlebt jede Generation von neuem. Die Paravents werden zum Wald, in dem sich die Paare Hermia und Lysander sowie Helena und Demetrius verirren. Aber nicht nur sie, auch Tytania wird in den Liebeswirrwarr hinein gezogen, denn Puck wird sie – wie die beiden Paaren auf Anweisung Oberons – im Schlaf mit Blütenstaub bestäuben und damit die Gefühlswallungen kräftig aufwirbeln. Er verwechselt zwar die Liebenden, aber bei der Elfenkönigin macht er es richtig, denn sie verliebt sich in das erste Geschöpf, das sie am Morgen erblickt: in den Eselskopf, den Puck Bottom angezaubert hat. Bottom gehört zu den Handwerkern, die ebenfalls im Elfenwald unterwegs sind, um das Theaterstück Pyramus und Thisbe für die Hochzeitsfeier einzustudieren. Als sie ihren verzauberten Bottom erblicken, ergreifen diese aber die Flucht. Im dritten Akt löst sich das Ganze auf, die wahren Paare finden zueinander und auch Bottom ist von seinem Eselskopf und Tytania von ihrer „Eselei“ befreit.

Insbesondere die Ausgestaltung der Handwerksszene im dritten Akt ist hervorragend gelungen und sorgt für viele Lacher. Geschickt werden hier die Paravents zu einer kleinen Bühne (auf der Bühne) mit Vorhängen von den „singenden Handwerkern“ zusammenmontiert. Theseus und Hippolyta sowie die endlich zueinander gefundenen Paare Hermia und Lysander bzw. Helena und Demetrius sind die Zuschauer dieser wunderbaren „Aufführung“ der Handwerker, die sowohl ihrem Namen als auch der gesamten Inszenierung alle Ehren machen. Alle Mitwirkenden sind exzellent besetzt und spielen mit viel Verve und Freude.

Staatstheater Mainz / A Mid Summer Night´s Dream - Alin Deleanu Antonia Labs © Andreas Etter

Staatstheater Mainz / A Mid Summer Night´s Dream – Alin Deleanu Antonia Labs © Andreas Etter

Oberon von Alin Deleanu ist ein Elfenkönig, der sich nicht gern in die Karten schauen lässt und die Zügel in der Hand haben will, wendig im Spiel wie Gesang. Wunderbare Höhen hat Tytania von Marie-Christine Haase, die nicht nur vokal eine ebenbürtige Partnerin ist. Auch die beiden Paare mit Steven Ebel als Lysander, Brett Carter als Demetrius und die beiden Damen Louise Fenbury als Hermia und Dorin Rahardja sind klug besetzt und bilden in jeder Hinsicht „schöne“ und elegant gekleidete Paare.

Und nun zu den „echten“ Helden des Abends: den Handwerkern. Sie sind herausragende und wunderbare Verkörperungen ebendieser, ihrer Fähigkeiten und vermeintlichen Attituden. Je nach Handwerk tragen sie einen grauen Arbeitsanzug, eine türkise Trainingshose und blaue Jacke oder einfach nur Jeans und Hemd. Der „zierlichste“ wird natürlich die Frauenrolle im Stück übernehmen müssen: Johannes Mayer (Blasebalgflicker Flute), was er genauso überzeugend meistert wie seine Kollegen: Derrick Ballard (mit sehr plastischen Eselskopf als Weber Bottom), Stephan Bootz (Zimmermann Quince), Georg Lickleder (Schreiner Snug), Scott Ingham (Spengler Snout) und Kyung Jae Moon (Schneider Starveling). Das Königspaar, für das der herrliche Spaß erfunden wurde, wird würdig von Ks. Hans-Otto Weiß und Catherine Garrido gegeben.

Staatstheater Mainz / A Mid Summer Nights Drea - Puck Labs mit Elfen vom Mainzer Domcho - Maedchenchor am Dom St. Quintin Chor © Andreas Etter

Staatstheater Mainz / A Mid Summer Nights Drea – Puck Labs mit Elfen vom Mainzer Domcho – Maedchenchor am Dom St. Quintin Chor © Andreas Etter

And last, but not least: Puck und die Elfen. Antonia Labs mit sehr guter englischer Diktion ist kein verschmitzter Kobold, der sich nur „königlich“ amüsiert, da er Verwirrung stiften darf, sondern auch jemand, der gerne kleine Bosheiten ausklügelt; die Schauspielerin war zudem für die Choreographie des Stückes mitverantwortlich. Die Elfen werden von Mitgliedern des Mainzer Domchors sowie des Mädchenchors am Dom und St. Quintin dargestellt und bilden in ihren liebevollen Kostümen einen ebenso wichtigen Bestandteil der Inszenierung.

Für das stimmungsvolle Licht zeichnete Sebastian Ahrens, für Video Philipp Haupt verantwortlich. Die Leitung des Mainzer Domchors und Mädchenchors am Dom und St. Quintin oblag Karsten Storck. Bei Hermann Bäumer, Generalmusikdirektor in Mainz, lag die musikalische Leitung ebenso in sicheren Händen. Brittens Musik, die für die verschiedenen Welten – den Zauberwald oder die derbere (menschliche) Handwerksszenerie – den passenden Rahmen bietet, bereitete dem Orchester offensichtlich viel Spaß und trug entscheidend zum erfolgreichen Abend bei. Niklaus Helbling ist eine temporeiche und spritzige Interpretation des Stoffes gelungen, die weniger auf Doppelbödigkeit und dunkle Seiten der Liebe setzt, als auf eine unterhaltsame und „familienfreundliche“ Inszenierung. Der große Applaus war dafür die entsprechende Belohnung, und man kann nur hoffen, dass tatsächlich viele Familien, aber nicht nur sie, den Weg in das Mainzer Theater finden werden.

A Midsummer Night’s Dream  –  Kommende Termine: 22.10.2017, 6.11.2017, 9.11.2017, 27.11.2017

—| Pressemeldung Staatstheater Mainz |—