Münster, LWL-Museum Kunst und Kultur, Turner – Horror and Delight, IOCO Aktuell, 08.11.2019

November 7, 2019  
Veröffentlicht unter ioco-art, Münster-Land

 Landesmuseum Münster mit Lichtplastik von Otto Piene. © Hanns Butterhof

Landesmuseum Münster mit Lichtplastik von Otto Piene © Hanns Butterhof

Landesmuseum Münster

William Turner-Ausstellung – Landesmuseum Münster

Turner – Horror and Delight  – Farbenpracht und Atmosphäre

von Hanns Butterhof

 William Turner (1775 – 1851) gilt als der bedeutendste britische Landschaftsmaler. Ihm widmet das LWL-Museum für Kunst und Kultur Münster die eindrucksvolle Ausstellung „Turner – Horror and Delight“. In 6 Sälen sind 75 seiner Werke aus dem riesigen Fundus der Londoner Tate zu sehen, in der Hauptsache Aquarelle und Ölgemälde. Kuratorin Judith Claus präsentiert sie aufschlussreich unter thematischen und biographischen Gesichtspunkten, so dass Turners Entwicklung auch im Vergleich mit 30 Leihgaben zu themengleichen Werken von Vorläufern und Zeitgenossen von seinen Anfängen bis zum Spätwerk verfolgt werden kann.

Turner, mit vollem Namen Joseph Mallord William Turner, hat in den 60 Jahren seines künstlerischen Schaffens ein ungeheures Werk hervorgebracht. Die Tate hütet etwa 1.600 Gemälde und 20.000 Aquarelle. In 280 Skizzenbüchern hielt Turner die flüchtigen Eindrücke in der Natur fest, die er dann in seinem Atelier auch aquarellistisch detailliert ausführte; Freilichtmalerei war noch nicht Mode. Schon als 14-Jähriger wurde Turner als frühreifes Wunderkind Stipendiat der Royal Academy in London, mit 32 erhielt er dort eine Professur für Perspektive. Das ist insofern bemerkenswert, als in dem Werk, dem er heute seine Berühmtheit verdankt, die Form zugunsten der Farbe, den Gegenstand zugunsten der Atmosphäre zurücktritt.

William Turner Ausstellung Münster / hier Fischer auf See von Wiolliam Turner © Tate 2019

William Turner Ausstellung LWL – Münster / hier Fischer auf See von Wiolliam Turner © Tate 2019

Die Auflösung der Form lag in Turners Anfängen so wenig im Trend wie seine entschiedene Hinwendung zur Landschaftsmalerei, die als untergeordnete Kunstgattung und eher tauglich als Hintergrund für die hochgeschätzte Historienmalerei galt. An Claude Lorrain (1600 – 1682) und dessen lichtdurchfluteten Landschaften fand Turner einen Leitstern, an dem er sich zeitlebens orientierte und maß; testamentarisch verfügte er, dass 2 seiner Gemälde in die Sammlung der National Gallery übergehen und dort neben 2 Werken Lorrains ausgestellt werden sollten – ein schönes Zeugnis von tiefer Verehrung und hohem Selbstbewusstsein gleichermaßen.

Bis das Publikum der Ausstellung auf das titelgebende Horror and Delight eingestimmt wird,  findet es im ersten Saal der Ausstellung die recht akademisch gemalten Anfänge Turners und seiner Zeitgenossen, etwa seinem Lehrer Philippe Jacques Loutherbourg (1740 – 1812), der mit dem „Schiffswrack“ von 1793 vertreten ist. Als Blickfang prangt hier Turners erstes Ölgemälde „Fischer auf See“ von 1796, ein düsteres Nachtbild, auf dem Fischerboote bei fahlem Mondlicht mit der unruhigen See kämpfen.

Was Horror and Delight meint – der englische Titel der Ausstellung ist wohl dem Umstand geschuldet, dass sie, von Luzern kommend, nach Münster über Nashville nach Quebec weiterwandern wird – könnten im zweiten Saal zwei Bilder durch ihre Hängung an einer Stellwand verdeutlichen. Den Blick fesselt zunächst Turners gegen 1810 entstandenes Gemälde „Abgang einer Lawine in Graubünden“, als wäre es programmatisch für den Schrecken zuständig. In seinem Vordergrund wird eine winzige Holzhütte von riesigem Lawinenmaterial zerschmettert, während im Mittelgrund die Schneemassen eines Bergmassivs sich mit dem unwetterlich düsteren Himmel verbinden. Auf der Rückseite der Stellwand dagegen findet sich als absoluter Kontrast Turners um 1840 gemalter „Sonnenuntergang über einem See“, ein nahezu gegenstandslos lichtes Farbenspiel in Gelb- und Rottönen, als wäre es beispielhaft für das ersprießliche Ergötzen, für das Turners Werk gängigerweise steht.

LWL Münster / William Turmer Ausstellung © Tate 2019

LWL Münster / William Turmer Ausstellung © Tate 2019

Die tiefere Bedeutung des  Begriffpaars Schrecken und ersprießliches Ergötzen weist auf den Begriff des „Erhabenen“ in der Ästhetik des englischen Philosophen Edmund Burke (1729 – 1797) hin. Er beschreibt einen Naturgegenstand, der so gewaltig ist, dass der Mensch seiner Macht nichts entgegensetzen kann. Im Kunstwerk ist sein Schrecken umso anziehender und ergötzlicher, je furchteinflößender er ist und je mehr sich der Betrachter in Sicherheit weiß. Diese Idee der Erhabenheit liegt vielen Bildern Turners zugrunde und mag ihn an den Alpen mit ihren engen Schluchten und zerklüfteten Bergen immer wieder gereizt haben wie die anderen gezeigten Attraktionen der Schweiz; mehrfach aquarelliert Turner die Rigi, den Luzerner Hausberg über dem Vierwaldstättersee, zu verschiedenen Tageszeiten und Stimmungen und studiert dabei hauptsächlich die veränderliche Atmosphäre.

In einem weiteren Saal bricht dann das Licht Italiens aus Turners Bildern. Bis auf das 1840 sehr  gegenständlich gemalte Bild „Venedig, Die Seufzerbrücke“, das an den großartigen Postkartenstil des italienischen Malers Canaletto (1697 – 1768) erinnert, zeigen die Venedig-Aquarelle viel morgend- und abendliche Atmosphäre. Die Kirche Maria della Salute am Canale Grande löst sich auf dem Gemälde von 1844 nahezu in Licht und Dunst auf. In Rom lässt der reisefreudige Turner nicht nur den Konstantinbogen oder Tivoli in Farbigkeit aufgehen, sondern entwirft auch ideale Landschaften im Stil seines Vorbilds Lorrain wie die um 1828 entstandene „Südliche Landschaft mit Aquädukt und Wasserfall“.

Wie beliebt Seestücke zu Turners Zeit waren, zeigt ein weiterer Schwerpunkt der Ausstellung. Von den akademisch gemalten Schiffbrüchen seiner Vorläufer wie Willem van de Velde d.J. (1633 – 1707) oder Zeitgenossen wie Francis Danby (1793 – 1861) heben sich Turners nahezu abstrakte Aquarelle deutlich ab. Der zwischen 1827 und 1843 entstandene „Strand von Brighton“ oder die um 1838 entstandene Studie „Dampfer und Feuerschiff“ sind fast pures Licht, während der 1842 gemalte „Schneesturm“ ein Dampfboot nur ahnen lässt, das in einem Wirbel von Schnee und  aufgepeitschten Wellen um die Einfahrt in einen Hafen ringt. Das Gemälde zieht den Betrachter gewaltig wie durch einem Strudel in sich hinein und vermittelt rein atmosphärisch mit dem Erhabenen des Geschehens sowohl dessen Schrecknis wie auch das erleichterte Ergötzen dabei, sich selber nicht an Bord zu befinden und alles aus sicherer Position betrachten zu können.

Wie deutlich Turner ein Vorläufer unserer Moderne ist, zeigt ein dem Spätwerk gewidmeter Raum. Er enthält im wesentlichen lichte, abstrakte Seestücke in suggestiver Farbgebung aus dem Nachlass, bei denen nicht eindeutig geklärt ist, ob sie nicht bloß unvollendet sind. Die einzige Ausnahme macht das düstere, 1842 entstandene Bild „Friede – Seebestattung“, mit dem Turner seinem verstorbenen Freund David Wilkie mit einem tiefschwarzen Segelschiff vor kaltem, graublauem Himmel ein Denkmal setzte.

 William Turner Ausstellung - LWL Münster / hier William Turner: Dampfer und Feuerschiff © Hanns Butterhof

William Turner Ausstellung – LWL Münster / hier William Turner: Dampfer und Feuerschiff © Hanns Butterhof

Der letzte Raum der Ausstellung gilt Visionen von Untergang und Auferstehung. Hier misst sich Turners Sintflut von 1805 mit dem selben 1834 von John Martin (1789 – 1854) eindrucksvoll gemalten Motiv. An Turners Bild zeigt sich, dass die Darstellung von Menschen nicht seine starke Seite ist. Im Vordergrund wirken sie wie steife Staffage zum bewegten Naturgeschehen, das sich hinter ihnen dramatisch abspielt. Jahre später, 1843, findet Turner dann mit den beiden Gemälden „Schatten und Dunkelheit – Der Abend der Sintflut“ sowie „Licht und Farbe (Goethes Farbenlehre) – Der Morgen nach der Sintflut“ dazu einen eigenständigeren Ausdruck. Hier geht es nicht mehr um den Schrecken für die Menschen, sondern der abstrakte Farbenwirbel  enthält das optimistisch aufgeklärte und wohl noch heute gültige Versprechen, dass selbst nach Katastrophen, an denen auch Turners Zeit nicht arm war, das Leben weitergeht.

Die von Judith Claus in Kooperation mit der Tate London klug kuratierte Ausstellung im Münsteraner Landesmuseum ist atmosphärisch dicht und farbenprächtig. Sie zeigt aspektreich William Turner in seiner Entwicklung und kann kaum anders, als mit ihrer relativ kurzen Laufzeit von nicht ganz drei Monaten ein Publikumsmagnet zu werden.

Mit einem Digitorial ® bietet das Landesmuseum die Möglichkeit, sich auf den Ausstellungsbesuch vorzubereiten und multimedial die Welt Turners zu erkunden: www.turner2019.de   Die Ausstellung Turner – Horror and Delight dauert vom 8.11.2019 bis 26.1.2020.

Öffnungszeiten:  Wegen der erwarteten großen Nachfrage öffnet das Museum Dienstag bis Donnerstag von 9.00 bis 18.00 Uhr, Freitag bis Sonntag von 10.00 bis 20.00 Uhr, am 2. Freitag im Monat bis 24.00 Uhr.

Besucherservice:  0251 5907 201 oder besucherbuero@lwl.org,  Eintritt: 13,00 €, ermäßigt 6,50 €. Am 2. Freitag im Monat ab 18.00 Uhr frei.

Der im Sandstein Verlag erschienene, 264 Seiten starke, ausführlich bebilderte Katalog zur Ausstellung kostet im Museumsladen 27,00 €, im Buchhandel 39.80 €.

—| IOCO Kritik Landesmuseum Münster |—

Münster, Westfälisches Landesmuseum, Bauhaus – Als die Bilder tanzen lernten, IOCO Kritik, 27.11.2018

November 28, 2018  
Veröffentlicht unter Hervorheben, ioco-art, Münster-Land

 Landesmuseum Münster mit Lichtplastik von Otto Piene. © Hanns Butterhof

Landesmuseum Münster mit Lichtplastik von Otto Piene © Hanns Butterhof

Landesmuseum Münster

Westfälisches Landesmuseum feiert – 100 Jahre Bauhaus

– Als die Bilder tanzen lernten –

Von Hanns Butterhof

Bauhaus, das sind weiße kubische Häuser, funktionale Möbel und schickes Design. Dass das nicht alles ist, sondern dass Bauhaus ein interdisziplinäres Labor für Licht- und Bewegungs-Experimente war und auch in diesem Sinne heute noch weiter wirkt, lässt die Ausstellung Bauhaus und Amerika. Experimente in Licht und Bewegung im Westfälischen Landesmuseum Münster eindrucksvoll sinnfällig werden.

Die Ausstellung kommt etwas früh, entstand doch das Staatliche Bauhaus in Weimar erst am 12. April 1919 mit Walter Gropius (1883 – 1969) als erstem Direktor und Namensgeber der Schule. Unter politischem Druck zog es 1925 nach Dessau um, wo die NSDAP nach gewonnener Gemeindewahl 1932 seine Schließung durchsetzte. Im gleichen Jahr wurde das Bauhaus als private Einrichtung nach Berlin verlegt, aber schon 1933 endgültig zur Selbstauflösung gezwungen.

In sechs Räumen im zweiten Stock des Museums ermöglicht die Ausstellung nun mit 150 Objekten von 50 Künstlern einen umfassenden Blick auf die wechselseitigen Beziehungen der nach Amerika emigrierten Bauhäusler zu amerikanischen Künstlern. Der formale Schwerpunkt liegt auf den Licht- und Bewegungs-Experimenten. Die ergaben sich aus dem programmatischen Anspruch des Bauhauses, die herkömmlichen Gattungsgrenzen zwischen der bildenden, der angewandten und der darstellenden Kunst zu sprengen. Damit öffnete sich der Weg für Licht- und kinetische Kunst, für den Experimental-Film wie auch für Tanz und Performance mit unübersehbaren Wirkungen bis ins Heute.

Westfälisches Museum Münster / Bauhaus hier Marcel Dzama und Merry go round © Hanns Butterhof

Westfälisches Museum Münster / Bauhaus hier Marcel Dzama und Merry go round #2 © Hanns Butterhof

Ein Beleg für diese fortdauernde Wirkung empfängt die Besucher bereits beim Eintritt in die Ausstellung. Den ersten Raum beherrscht leise klappernd ein Karussell mit bunten Blechfiguren, das wie eine Kombination von Blechspielzeug und Weihnachtspyramide aus dem Erzgebirge anmutet. Dieses von Marcel Dzama 2018 geschaffene Werk Merry go round #2 (Foto) ist kein unmittelbares Bauhaus-Produkt, bezieht sich aber direkt auf Entwurfszeichnungen für Figuren von Oskar Schlemmer (1888 – 1943) zum Ballett Spielzeug von 1928 und von Wassily Kandinsky (1866 – 1944) für Szenen zu dem Klavierstück Bilder einer Ausstellung von Modest Mussorgski (1839 – 1881), die im gleichen Raum zu sehen sind. Als charakteristisch erweisen sich die geometrischen Formen und damit die Entindividualisierung sowie das Spiel mit den je nach Beleuchtung wechselnden Farben. Die Lust, statt Bilder anderes zu gestalten, ist unübersehbar.

Andor Weininger (1899 – 1986) trieb diese Gedanken weiter und entwarf eine mechanische Bühnenrevue, in der die menschlichen Akteure ganz durch mechanisch bewegte Farbflächen ersetzt wurden. Die theoretische Voraussetzung dafür war die Annahme, dass das Zusammenspiel von Bewegung, Licht, Farbe, Form und Ton auf die Zuschauer ohne jedes spezielle Vorwissen wirken würde – und um die ging es ja unmittelbar nach dem Zusammenbruch der feudalen, auch ästhetischen Vorherrschaft.

UNKNOWN TERRITORIES – Tanz-Theater am Theater Münster mit den Grundintentionen des Baushaus – IOCO-Bericht HIER!

Von daher ist es nur ein kleiner Schritt zu einer das klassische Ballett ablösenden Tanz-Kunst, die im zweiten Raum der Ausstellung mit Schwarzweiß-Fotografien und Videos dokumentiert wird. Auch hier ist die Tendenz deutlich, den Tanz zu entindividualisieren und die Wahrnehmung vom Tänzer weg auf die Bewegung in Licht und Raum zu lenken. Am Black Mountain College in North Carolina, an dem der 1933 nach Amerika emigrierte Bauhäusler Josef Albers (1888 – 1976) das Programm der künstlerischen Ausbildung verantwortete, setzte vor allem Xanti Schawinsky (1904 – 1979) die Bühnenarbeit des Bauhauses fort. Er inspirierte Merce Cunningham (1919 – 2009) und Robert Rauschenberg (1925 – 2008), die mit dem experimentellen Komponisten John Cage (1912 – 1992) dem Tanz wesentliche Impulse zur Entwicklung der Performance gaben; in ihr wird auf die Wiedergabe einer Erzählung verzichtet und stattdessen auf vorgefundene Materialien und Alltagsgegenstände in der Umwelt reagiert. Auf fünf Monitoren kreiseln nun abstrakte kubische Figuren, führen Taxis ein Ballett auf und kontrastieren Musik-Tanz-Collagen von Merce Cunningham und John Cage mit der ernsthaft konventionellen Präsentation durch den Fernseh-Ansager.

Westfälisches Museum Münster / Bauhaus - hier : Robert Rauschenberg / Susan Weil: Blueprint © Hanns Butterhof

Westfälisches Museum Münster / Bauhaus – hier : Robert Rauschenberg / Susan Weil: Blueprint © Hanns Butterhof

Auf verschiedene Weisen zeigt sich so die allgemeine Tendenz des Bauhauses, sich auf möglichst keine traditionellen Bildungs-Inhalte einzulassen und voraussetzungslose ästhetische Erfahrungen zu ermöglichen. Ideal erwies sich dazu das populäre Medium Film, in dem etwa Walter Ruttmann (1887 – 1941) und Viking Eggeling (1888 – 1976) abstrakte Linien und Formen in Bewegung setzten. Völlig mechanisch arbeitet das in einem eigenen Raum aufgestellte Prunkstück der Ausstellung, der Licht-Raum-Modulator von László Moholy-Nagy (1895 – 1946). Die automatisierte Skulptur dreht sich, von einem Motor bewegt, um sich selbst und wirft bewegte Licht- und Schattenprojektionen ihrer Einzelteile an die Wand; Licht und Bewegung werden zum alleinigen, etwas merkwürdig selbstgenügsamen Inhalt.

Ähnlich, aber in der Verwendung von Motiven aus Bildern von Paul Klee (1879 -1940) populärer, sind Farbenlichtspiele von Ludwig Hirschfeld-Mack (1893 – 1965), für deren Projektionen auf die Leinwand eine erstaunlich detaillierte Reihe von Partituren zu sehen ist.

Die Beschäftigung mit der experimentellen Fotografie und dem absoluten, abstrakten Film, denen weitere Räume gewidmet sind, dürfte für die Produzenten interessanter als das Resultat für die Betrachter gewesen sein. So zeigt der Film von Oskar Fischinger (1900 – 1967) Komposition in Blau das Ballett ein- und mehrfarbiger Klötzchen, Platten und Kugeln zu einer erstaunlich unmodernen Operettenmusik.

Westfälisches Museum Münster / Bauhaus - hier : Der Licht-Raum-Modulator von László Moholy-Nagy © President and Fellows of Harvard College

Westfälisches Museum Münster / Bauhaus – hier : Der Licht-Raum-Modulator von László Moholy-Nagy © President and Fellows of Harvard College

Ein Raum ist Josef Albers und seiner Wirkung auf die Op-Art gewidmet. Die ausgestellten Werke sind meist stark leuchtende, geometrische Figuren, die zu flimmern und sich kaleidoskopisch zu bewegen scheinen. Was sich hier noch meistens im Rahmen hält, entgrenzt sich im Folgeraum. Da modellieren Hannes Beckmann (1909 – 1977) oder Lillian Florsheim (1896 – 1988) feinstofflich mit Licht wie es Bildhauer handfester mit Ton tun. Die Bilder tanzen schließlich selbst aus dem Rahmen.

Die Ausstellung feiert das Bauhaus, und das ist für eine Jubiläumsausstellung nicht ungewöhnlich. Doch hätte der wissenschaftlich aufwendige, sorgfältig die Schwerpunkte beschreibende Katalog die Grundannahmen der Bauhaustheorie auch kritisch befragen können, statt sie nur billigend hinzunehmen. Welchen Gewinn hat die Entgrenzung der künstlerischen Gattungen erbracht und wie wäre er messbar? Welchen Beitrag hat das Bauhaus zu dem geleistet, was als Unwirtlichkeit unserer Städte beschrieben wird? Und wie steht es mit dem Anspruch, ein nicht ästhetisch vorgebildetes Publikum unmittelbar anzusprechen, angesichts der breiten Kluft zwischen einer Elite der Vor- und den Nicht-Vorgebildeten?

Dass das Bauhaus auch heute noch seine Fruchtbarkeit entfaltet, zeigt eine durch das Landesmuseum angeregte Tanzaufführung im Theater Münster. Dort hat Hans Henning Paar, der das TanzTheaterMünster leitet, in seinem Stück Unknown Territories vor allem der Maxime des Bauhauses Rechnung getragen, die herkömmlichen Gattungsgrenzen der Kunst zu sprengen. Der Sprache, dem Bühnenbild mit Videoeinspielungen und Sound räumt er nahezu gleichen Rang wie dem Tanz seines 12-köpfigen Ensembles ein. Paar bezieht sich zudem auf die Bauhaus-Tendenz, den Tanz zu entindividualisieren und die Wahrnehmung vom Tänzer weg auf die Bewegung in Licht und Raum zu lenken.

In kleinerem Rahmen führen die Choreographen Matthias Markstein und Isaak Spencer die eigens zur Ausstellung entworfene Tanzperformance MESH an acht Terminen im Foyer des Landesmuseums auf.

Der Katalog zur Ausstellung (deutsch oder englisch) ist im Kerber Verlag Bielefeld erschienen. Die Museumsausgabe kostet 27 €.

Die Ausstellung Bauhaus und Amerika. Experimente in Licht und Bewegung endet am 10.3.2019 im LWL-Museum für Kunst und Kultur, Domplatz 10, 48143 Münster. Weitere Informationen unter www.bauhaus-amerika.de

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Mitteilung des LWL-Museum für Kunst und Kultur, Münster, 28.11.2019:  Aufgrund der großen Nachfrage werden ab sofort mehr öffentliche Kunstgespräche in der Ausstellung Bauhaus und Amerika. Experimente in Licht und Bewegung (bis 10.3.2019) angeboten. Von Donnerstag bis Sonntag können Kunstinteressierte nun zwischen verschiedenen Angeboten wählen.

„Wir kommen den Wünschen der Besucherinnen und Besuchern sehr gern nach“, äußert sich Museumsdirektor Dr. Hermann Arnhold und betont: „Gemeinsam sieht man einfach mehr.“ Deshalb bietet das Museum samstags ab 16 Uhr und sonntags ab 11 Uhr auch kurze Spotlight-Rundgänge zur Bauhausbühne, zur Lichtkunst und zu den Fotoexperimenten an. Zudem gibt es regelmäßig einstündige Überblicke über das experimentelle Schaffen von den über 50 Künstlerinnen und Künstlern, zu denen Josef und Anni Albers, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Xanti Schawinsky und László Moholy-Nagy zählen. Die einstündigen Rundgänge finden donnerstags um 16.30 Uhr, freitags um 16.00 und um 17.00 Uhr sowie samstags und sonntags um 14.00 und um 15.15 Uhr statt. Die Teilnahme ist mit einer gültigen Eintrittskarte kostenfrei. Die Teilnahmetickets sind 30 Minuten vor Beginn der Veranstaltung an der Museumskasse erhältlich.

Kinder von sechs bis zehn Jahren können darüber hinaus beim Bildschönen Samstag einen kreativen Zugang zum Bauhaus entdecken. Neben dem Ausstellungsbesuch steht hier die eigene künstlerische Praxis im Atelier im Fokus. Hier geht es beispielsweise um die bewegte Bühne, das Schwarzlichttheater oder analoge Fotoverfahren. Die Inhalte wechseln wöchentlich. Eine Anmeldung im Besucherservice ist immer bis zum vorherigen Freitag um 12 Uhr möglich.

Alle Themen und Zeiten sind unter http://www.bauhaus-amerika.de aufgeführt. Für telefonische Fragen steht der Besucherservice unter Telefon 0251 5907-201 zur Verfügung.

—| IOCO Kritik Landesmuseum Münster |—

Lengerich, Tanztheater mosaik, Uraufführung Kon-Takt, IOCO Aktuell, 23.03.2018

März 23, 2018  
Veröffentlicht unter Ballett, Kritiken, Münster-Land

 Tanztheater mosaik / v.l.: Christine Schwarz, Hacer Bilgir, Karola Beck, Anette Buschermöhle, Evi Alting, Ursula Mittring, Anne Engelhardt.© Hanns Butterhof

Tanztheater mosaik / v.l.: Christine Schwarz, Hacer Bilgir, Karola Beck, Anette Buschermöhle, Evi Alting, Ursula Mittring, Anne Engelhardt.© Hanns Butterhof

Tanztheater mosaik – Tanzstück „Kon-Takt“

 In der Provinz ganz unprovinziell

Von Hanns Butterhof

Zwischen Osnabrück und Münster gelegen ist Lengerich, westfälische Provinz. Was das dort seit fünfzehn Jahren ansässige Tanztheater mosaik jedoch Jahr für Jahr an Aufführungen auf die Bühne bringt, ist alles andere als provinziell. Jedes Stück hat ein aktuelles, auch die aus verschiedenen Kulturen stammenden Tänzerinnen selber betreffendes Thema, das grundsätzlich rein tänzerisch ausgedeutet wird. Mit den Stücken „Was also ist die Zeit“, „Wie hältst du’s mit der Religion“ oder „Mensch sucht Mensch“ gastierte mosaik in Münster und Osnabrück.

Ein Tanz vom Weg zu sich selbst

Jetzt begeisterten die neun Tänzerinnen unter der Leitung von Anne Engelhardt das Publikum in der Schule in der Widum mit der Uraufführung ihres neuen Tanzstücks   „Kon-Takt“. Für den fesselnd getanzten Bilderbogen über den Weg des Menschen zu sich selbst erntete mosaik Trampelbeifall, Bravos und Standing Ovations.

Tanztheater mosaik / „Kon-Takt“ - hier v.l.: Hatice Nagis, Marion Tewes-Lange, Uschi Lückge Pott © Dieter Vahrenhorst

Tanztheater mosaik / „Kon-Takt“ – hier v.l.: Hatice Nagis, Marion Tewes-Lange, Uschi Lückge Pott © Dieter Vahrenhorst

In drei großen Schritten, von der Individuation über das grenzenlose Streben nach Kontakt und Gemeinschaft bis hin zur ausgewogenen Autonomie in Bezogenheit, zeichnet „Kon-Takt“ tänzerisch vielfältig den Weg zu einer erwachsenen Persönlichkeit nach. Jeden dieser Schritte leitet ein kurzes, die Folgeszenen charakterisierendes Gedicht ein. Und so verschiedenartig die neun Tänzerinnen zwischen 50 und 83 Jahren sind, ohne Worte machen sie dann zu passend ausgesuchter romantischer oder rockiger Musik deutlich, dass ihnen für die gleichen Schritte unterschiedliche Möglichkeiten des Ausdrucks zur Verfügung stehen.

So beginnt der Tanzabend auf der ganz in Schwarz gehaltenen Bühne damit, dass sich die Tänzerinnen, noch eine amorphe Menge, aus einem die ganze Tanzfläche bedeckenden weißen Tuch herausarbeiten, über das faszinierend blaues Licht wie Nebel streift.  Dann gewinnt jede der schwarz gekleideten Tänzerinnen persönliche Kontur, wenn sie sich selbstbezogen mit raumgreifenden weg-da-jetzt-komm-ich-Bewegungen Platz schafft.

Dabei bleibt es nicht, das nun mit hellen Kleidchen tanzende Ensemble sucht vorsichtig tastend Kontakt untereinander. In flüchtigen Paarbeziehungen wird erkundet, was Liebe ist, hat die Sehnsucht nach Bindung, sogar die nach dem Tod, ebenso ihren Platz wie die Furcht vor vereinnahmender Fesselung; im Schwarzlicht kämpfen drei nur schwach sichtbare Gestalten mit stark leuchtenden farbigen Schnüren darum, diesen Bindungs-Knoten für sich zu lösen.

Tanztheater mosaik / „Kon-Takt“ - hier v.l. Anette Buschermöhle, Uschi Lückge Pott, Christine Schwarz © Dieter Vahrenhorst

Tanztheater mosaik / „Kon-Takt“ – hier v.l. Anette Buschermöhle, Uschi Lückge Pott, Christine Schwarz © Dieter Vahrenhorst

In einem der schönsten Bilder dieses an schönen Bildern reichen Tanzabends ordnet sich das Ensemble zu einer die Tanzfläche kreisförmig im gleichen ruhigen Takt umschreitenden Reihe. Alle halten sich, eine hinter der andren, an den Händen und bilden in ihrer Verschiedenheit einen Zusammenhang, der auch dadurch nicht gestört wird, dass immer andere sich an die Spitze setzen. In ihrem Beisammensein bewahren sie ihre Eigenständigkeit, ein berührendes Bild gelingender Menschwerdung im Kon-Takt.

Ein ausgelassener, lebensfroher Schlusstanz riss das Publikum zum Klatschen im Takt mit. Dann feierte es lang anhaltend das fesselnd tanzende Ensemble und seine Choreographin Anne Engelhardt für ihr bewegendes Kon-Takt -Stück, das keinen Weg dogmatisch vorgibt, sondern verschiedene Perspektiven auf die eigene Lebenserfahrung eröffnet.

—| IOCO Kritik Tanztheater mosaik |—

Münster, Kabarett RADIKALKU(ltu)R, Schnee von gestern? Reutter – Kreisler, IOCO Kritik, 28.11.20

November 29, 2017  
Veröffentlicht unter Kritiken, Münster-Land, Schauspiel

 Münster / Kabarett Radikalkultur hier Schnee von gestern ? © Hanns Butterhof

Münster / Kabarett Radikalkultur hier Schnee von gestern ? © Hanns Butterhof

RADIKALK(ult)UR gefällt mit neuem „Schnee von gestern?“

Aus der Kabarett-Nische „anspruchsvoll“

Von  HANNS BUTTERHOF

Das literarisch-musikalische Kabarett RADIKALK(ult)UR hat im Kulturforum Münster-Nienberge sein neues, das 5. Programm „Schnee von gestern?“ vorgestellt.

Im Rahmen einer Redaktionskonferenz um einen 52-teiligen Rückblick auf die Höhepunkte des literarischen Kabaretts des 20. Jahrhunderts erweist sich dieses als noch sehr lebendig und hochaktuell. Die hinreißenden Chansons und scharfzüngigen Texte von Kurt Tucholsky, Georg Kreisler und vielen anderen werfen ein spöttisches, manchmal gruselig aktuelles Licht auf die Frauenfrage, auf politische und soziale Brennpunkte, Antisemitismus und, klassischerweise als letztem Punkt, den Tier- und Naturschutz. Kurz, es geht auch in diesem Programm der anspruchsvollen Kabarettisten wieder um den ganzen Sinn des Lebens, und der ist nicht Schnee von gestern.

 Münster / Kabarett Radikalkultur hier Das Musikteam Tauland Haxhikadrija und Mechthild von Schoenebeck © Hanns Butterhof

Münster / Kabarett Radikalkultur hier Das Musikteam Tauland Haxhikadrija und Mechthild von Schoenebeck © Hanns Butterhof

Die acht Frauen, eingeschlossen Regisseurin Christa Romberg und Mechthild von Schoenebeck, die den Text zwischen den Liedern verfasst hat und sie auch beflügelt am Klavier begleitet, übererfüllen leicht jede Frauenquote; neben dem Klarinettisten Tauland Haxhikadrija ist nur noch ein weiterer Mann an Bord. Ihre Mischung aus Musik und Literatur findet in der Nische „anspruchsvoll“ ihren Platz, die von der gängigen Comedy nicht bespielt wird.

 „Schnee von gestern?“ zeigt nicht nur beeindruckend, dass die Menschheit in den letzten hundert Jahren nicht sehr viel weiter gekommen ist. Vielmehr sind unsere heutigen Diskussionen damals schon wesentlich intelligenter, unverkrampfter und nachgerade weise geführt worden. Kabarett heute braucht sich daran nur zu erinnern, und RADIKALK(ult)UR tut dies ausgiebig und erhellend.

Der dankbare Beifall des aufmerksamen Premierenpublikums erzwang mehrere Zugaben.

Radikalkultur:  Die nächsten Termine: 28.11.2017 um 19.30 Uhr in Dortmund-Huckarde, Rahmer Str. 124, und am 1.12.2017 um 20.00 Uhr in Senden, Friedenskapelle.

—| IOCO Kritik Kabarett RADIKALKU(ltu)R |—

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