München, Residenztheater, Das Erdbeben in Chili – Heinrich von Kleist, IOCO Kritik, 21.10.2020

Oktober 20, 2020  
Veröffentlicht unter Hervorheben, Kritiken, Residenztheater, Schauspiel

Residenztheater München

Residenztheater München © Matthias Horn

Residenztheater München © Matthias Horn

Das Erdbeben in Chili   –   nach Heinrich von Kleist

– Die „schöne Blume“ des „menschlichen Geistes“? –

von Hans-Günter Melchior

„Ach, Heinrich. Wäre er nicht um so Vieles größer, man wagte die Hybris, ihm das Du anzubieten.“  —–  Was hatte Heinrich von Kleist nicht alles uns vorausgelitten. In keinem Fach, in keinem Beruf hielt er es aus. Und bei keiner Philosophie und Überzeugung. Wie wir Heutigen im Dickicht der Meinungen herumirrend.

Was hat man ihm nicht alles angedichtet – und dichtet ihm immer noch an. Die sogenannte „Kant-Krise“. Als ob es bei seiner, Kleists, Zweifelsnatur überhaupt Kants bedurft hätte. Es ist ja richtig: wer bei Kant auf der Suche nach der Wahrheit ist, verirrt sich leicht in der Wüste der Ratlosigkeit. Da gibt es die analytischen Urteile und die synthetischen Urteile a priori und a posteriori, die zwar einen empirischen Halt haben, sich letztlich sich aber doch nur darauf stützen können, wie die Dinge uns erscheinen. Während uns die Erkenntnis, wie die Dinge an sich, wirklich, sind, verschlossen bleibt. Und die Ideen nun ja, die Ideen sind schön und gut, aber sie taugen allenfalls als gewisse Ordnungsprinzipien, mühsam windet sich Kant um die Frage herum, ob er sie für reine Hirngespinste hält.

Residenztheater München / Das Erdbeben in Chili - hier:  vl Barbara Horvath, Pia Händler, Linda Blümchen, Antonia Münchow, Mareike Beykirch © Sandra Then

Residenztheater München / Das Erdbeben in Chili – hier: vl Barbara Horvath, Pia Händler, Linda Blümchen, Antonia Münchow, Mareike Beykirch © Sandra Then

Und die Anhänger der Dekonstruktion reklamieren Kleist als einen ihrer Vorläufer. „Kein Sein ohne Seiendes“ hat Adorno in der „Negative Dialektik“ postuliert. Und Lyotard und Derrida teilen mit ihm das Misstrauen gegen die diktatorischen Begriffe/Ideale und rekurrieren auf das „Heterogene“, sie preisen die „Deligitimation des Universellen“ als Befreiung.

Und das alles soll Kleist vorbedacht haben. Mag sein, mag auch nicht sein. Was ihn zum Bruder uns Heutiger macht, ist das Oszillierende seines Denkens, das Hin- und Hergerissensein zwischen menschlicher Größe und menschlicher Niedertracht, zwischen einfacher, mitleidiger Zuwendung und fanatischer Geistesverbohrtheit, die vor Mord- und Totschlag nicht Halt macht.

Und damit hat unsere brüderliche Verbundenheit zu tun. Da wollen wir in einer freien und von mitmenschlicher Verbundenheit geprägten Gesellschaft leben und müssen es ertragen, dass ein Lehrer, der mit seinen Schülern über Meinungsfreiheit diskutiert und dabei Karikaturen der französischen Satirezeitschrift Charlie-Hebdo verwendet, von einem muslimischen Fanatiker enthauptet wird.

Und da muss es bei Kleist in der Novelle Das Erdbeben in Chili politisch, religiös und menschlich verarbeitet werden, dass ein Paar, welches sich wider die Konvention und die religiöse Doktrin in einem „zärtlichen Einverständnis“ befand und ein Kind hatte, am Ende der Lynchjustiz religiöser Eiferer zum Opfer fällt.

Residenztheater München / Das Erdbeben in Chili © Sandra Then

Residenztheater München / Das Erdbeben in Chili © Sandra Then

Nur kurz – der Inhalt wird im Wesentlichen vorausgesetzt, Kleist gehört nunmal zum Bildungskanon: Josephe liebt ihren Hauslehrer Jeronimo. Ihr Vater steckt sie zur Strafe in ein Kloster. Jeronimo findet durch einen Zufall dort Eingang, er wird Vater eines gemeinsamen Kindes. Josephe wird der Prozess gemacht, sie wird zum Tod durch Enthaupten verurteilt. Kurz vor der Exekution bricht das Erdbeben aus, die Klostermauern werden eingerissen, Josephe ist frei. Sie irrt mit dem Kind durch die unversehrt gebliebene, idyllische Landschaft (auch so ein Gegensatz zum Chaos), Jeronimo findet sie. Das Paar wird von einer hilfsbereiten Gesellschaft aufgenommen, die Don Fernando anführt. Josephe reicht dessen Sohn, einem Säugling, die Brust, da die Mutter, Fernandos Frau Donna Elvire, schwer verletzt ist. Man kommt im Laufe des Tages überein, die Dankesmesse in der Kirche der Dominikaner zu besuchen. Der Prediger, der älteste Domherr, prangert die „Sünden“ Josephes und Jeronimos an und macht die beiden für das Erdbeben, Gottes Strafe, verantwortlich. Die aufgeputschte Menge geht gegen die beiden vor, tötet sie und Fernandos Sohn Juan. Der Sohn von Josephe und Jeronimo wird gerettet und von Fernando und seiner Frau – ein Akt menschlicher Größe – an Kindes Statt aufgenommen…

Kleist feiert einerseits die Solidarität der durch das Erdbeben ihres Eigentums und ihrer Heimat beraubten Menschen („und in der Tat schien…, der menschliche Geist selbst, wie eine schöne Blume, aufzugehn“), schildet aber das Pogrom in der Kirche in drastischen Farben –; der religiöse Fanatismus, die andere der Gesellschaft als hässliche Ausdrucksform des menschlichen Geistes. Das ist es wieder, das schlechte Allgemeine, das sich am guten Besonderen vergeht.

Ulrich Rasche macht aus der Novelle ein höchst eindrucksvolles, ja zuweilen in seiner Intensität und Dynamik erschütterndes Theaterstück. Er hält sich dabei streng an den kleist´schen Text. Die Protagonisten (Mareike Beykirch, Linda Blümchen, Pia Händler, Barbara Horvath, Thomas Lettow, Nicola Mastroberardino, Antonia Münchow, Johannes Nussbaum, Noah Saavedra) stehn auf einer Scheibe, die mit geradezu unerbittlicher, marternder Stetigkeit den Weltenlauf andeutend rotiert, sich dreht und dreht, die Agierenden heranträgt und entfernt und die kreishafte Schicksalhaftigkeit des Geschehens symbolisierend nicht stillstehen will. Ein wunderbarer Einfall, hier mehr als angebracht und noch einmal neu, auch für den, der mit Rasches Stil bereits aus anderen Inszenierungen (Die Räuber u.a.) vertraut ist.

Gesprochen wird überwiegend im Chor, im abgehackten, die Prosa gleichsam in Strophen und Verse aufteilenden Stil einer griechischen Tragödie. Das hat etwas überwältigend Eindringliches, zumal die Sprechstimmen über einer zuweilen dröhnend lauten Musik– eher einer Geräuschkulisse – liegen und im wörtlichen Sinne unter die Haut gehen. Man beginnt vor Aufregung und Teilnahme zu schwitzen, freilich ohne dem Vorgetragenen auch nur ungefähr etwas „Verschwitztes“ anzulasten.

Residenztheater München / Das Erdbeben in Chili © Sandra Then

Residenztheater München / Das Erdbeben in Chili © Sandra Then

Mit der Zeit ist man ganz im Kosmos dieses Geschehens aufgenommen, verliert fast die Distanz zur Bühne, ist mittendrin, nicht eigentlich nur oberflächlich und geschmäcklerisch fasziniert (was Distanz voraussetzen würde), sondern man ist gefesselt, wird nicht losgelassen von dem, was da geschieht, wie wenn es einen selbst anginge. Wobei der besondere Duktus des Sprechens, dieses Deklamatorische, das die Prosa so gut wie verschwinden lässt, das Bühnengeschehen ins Unmittelbare des Mitdenkens und Mitfühlens zu transponiert, die Zuschauer nicht nur überredet, sondern hineinzieht in eine Kunst-Realität des Lebensvorgangs (Brecht hätte sich wohl im Hinblick auf sein Distanzpostulat die Haare gerauft, oder?). Hier wird das Tragische – und auch das reflektierte, gewollt in sich Widersprüchliche der Kleist´schen Erzählung (Feier des menschlichen Geistes einerseits, Verzweiflung an genau diesem Geist, dem Un-Geist des Fanatischen, andererseits) zum Ereignis. Nach etwas mehr als zwei Stunden wird man aus der Klammer dieser Inszenierung entlassen, nachdenklich und irgendwie um eine Last des Schicksalhaften erleichtert zugleich.

Ein großer Abend. Leider von der Pandemie beschädigt. Man hätte sich ein volles Haus gewünscht. So aber waren viel zu wenige Zuschauer da, die freilich begeistert Beifall spendeten.

Das Erdbeben in Chili – Residenztheater München; die weiteren Vorstellungen am 22.11.; 5.12.; 13.12.; 14.12.2020 und mehr ..

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München, Gasteig Carl-Orff-Saal, Voice of the Violin – Ukrainische Wochen, IOCO Kritik, 17.10.2020

Voice of the Violin - Ukrainische Wochen in München © Natalia Spiech / Generalkonsulat der Ukraine München

Voice of the Violin – Ukrainische Wochen in München © Natalia Spiech / Generalkonsulat der Ukraine München

Voice of the Violin im Gasteig

Voice of the Violin  –  Ukrainische Wochen in Bayern

 von Dr. Adelina Yefimenko

Dr. Adelina Yefimenko ist Professorin für Historische Musikwissenschaft an der Ukrainischen Freien Universität München und der M. Lysenko-Nationale-Musikakademie – Lviv, Ukraine

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Die Ukrainischen Wochen in Bayern wurden am 9 Oktober 2020 unter dem Patronat des Generalkonsulats der Ukraine in München mit dem Konzert Voice of the Violin eröffnet. Dieses Konzert begeisterte 120 Gäste im Carl-Orff-Saal des Gasteig, München. Die Anzahl der Teilnehmer war coronabedingt reduziert.

Der Klang dreier Geigen entwickelte sich zu einer spannenden musikalischen Reise durch verschiedene Länder wie Deutschland, Frankreich, England und die Ukraine. Beflügelt durch diese musikalische Spannung zwischen West-und Osteuropa öffnete sich die Seele und entfaltete sich die Virtuosität der drei Geiger aus drei verschiedenen Ländern. Als Ergebnis vereinte sich deutsche Musikphilosophie, eleganter französischer Charme, moderne englische Musik und eine ukrainische Musik, die sowohl mit ihrer historischen als auch zeitgenössischen multikulturell-ethnischen Neuartigkeit immer noch in Westeuropa als Terra Incognita wahrgenommen wird.

Warum haben sich die drei Musiker – Natalia Raithel aus der Ukraine und Deutschland, Wahlheimat München, Ivan Dukhnych aus der Ukraine und der Schweiz und George Hlawiczka aus England – für den Klang der Geige entschieden?

Voice of the Violin - Die Musiker auf der Bühne © Natalia Spiech / Generalkonsulat Ukraine in München

Voice of the Violin – Die Musiker auf der Bühne © Natalia Spiech / Generalkonsulat Ukraine in München

In Voice of the Violin vereinten sich die Musiker in erhabener und transparenter Dreistimmigkeit, die die Wertschätzung jedes Komponisten in diesem Konzertprogramm unterstrich – unabhängig davon, ob der Künstler berühmt, weniger bekannt oder sein Name gar in Vergessenheit geraten ist. Der Mensch, seine Name und seine Taten leben solange, wie die Erinnerung daran bestehen bleibt. Der Komponist lebt solange, wie seine Werke von den Musikern zum Klang erweckt werden.

Es ist hinlänglich bekannt, dass die Streichinstrumente eine besondere Fähigkeit haben, den Klang der menschlichen Stimmen zu imitieren. In ihrem gesamten Wesen kommt die Violine dem Klang der Gesangstimme am nächsten. Neue Forschungsergebnisse stützen sogar die Hypothese, dass die ersten Geigenbauer den menschlichen Gesang zum Vorbild nahmen. Historisch also wurde die Violine zur Nachahmung des menschlichen Gesangs geschaffen und bis jetzt deckt sie nachweislich das größte Spektrum der menschlichen Gefühle ab, die nicht nur die Stimme der Menschen, sondern auch die Stimmung der ganzen Menschlichkeit ausstrahlen.

Dazu muss man zusätzlich erwähnen: die exakte vokale Dreistimmigkeit gilt als eine der wichtigsten Quellen der professionellen ukrainischen Musik. Seit dem 17. Jahrhundert schöpfen das ukrainische geistliche Liedgut sowie die Gesangs-Lyrik aus dem Ursprung der Kompositionslehre der dreistimmigen Gattung Kant. Im 20.Jahrhundert wurde durch die herausragenden Konzertauftritte der drei ukrainischen Sängerinnen –Geschwister Bajko – diese wichtige musikalischen Tradition der Ukraine – nämlich, die Dreistimmigkeit – weltweit bekannt.Im Konzertprogramm Voice of the Violin präsentierten die Musiker die große Vielfalt und den Variantenreichtum dieser Dreistimmigkeit über das Spiel mit den drei Geigen. Eine breite Palette der Stilrichtungen vom Barock über Romantik, Biedermeier, Neofolklorismus bis zur Minimal Musik wurde in einem Klangzauber der verschiedenen Epochen und Länder inszeniert.

 Voice of the Violin - hier vl. George Hlawiczka Natalia Raithel, Adelina Yefimenko, Ivan Dukhnych © Natalia Spiech / Generalkonsulat Ukraine in München

Voice of the Violin – hier vl George Hlawiczka Natalia Raithel, Adelina Yefimenko, Ivan Dukhnych © Natalia Spiech / Generalkonsulat Ukraine in München

Einige der Werke, sowohl des Genius Johann Sebastian Bach (meditative Adagio aus Sonate für Violine Solo C-Dur) oder Franz Schubert-Ernst (dramatische Grand Caprice „Der Erlkönig“) als auch des ukrainischen Komponisten Oleksander Znosko-Borowski (herrliche „Improvisation und Melodie“ für 2 Violinen und Viola), wurden in der Bearbeitung der bekannten Geigerin Natalia Raithel für 3 Violinen neu arrangiert.

Die Romanze „Wohin ich auch ginge“ des ukrainischen Komponisten Stephan Spiech, der in München lebte und der ein Anhänger des Biedermeier-Stils sowie der ukrainischen Kirchenchormusik war, wurde für 3. Violinen in der Bearbeitung des zeitgenössischen ukrainischen Komponisten aus Lemberg Myroslaw Wolynskyj zum ersten Mal in diesem Konzert „Voice of the Violin“ präsentiert.

Auch der orchestrale „Tanz der Huzulen“ des berühmten ukrainischen Komponisten Myroslaw Skoryk, konzipiert für drei Violinen von dem Cellisten Sergej Drapkin, beeindruckte mit einem bemerkenswerten Klang, der die archaischen Quellen aus der huzulischen Folklore im Lichte eines originalen persönlichen Stils des Komponisten zeigte. Diesen Tanz vervollständigte Myroslaw Skoryk zu einem selbstständigen Werk nach dem großen Erfolg seiner Filmmusik zur Filmproduktion „Feuerpferde – Schatten vergessener Ahnen“ des Regisseurs Sergei Paradschanow.

Nur Wenige wissen, dass die Genialität von Skoryk und Paradschanow von weltbekannten Regisseuren wie Federico Fellini, Akira Kurosawa, Michelangelo Antonioni, Andrzej Wajda geschätzt wurde und dass dieser Film auf der Liste für die Bewerbung zu den Medien-Wissenschaften der Harvard Universität steht.
Andere Werke wie die des deutschen Komponisten Friedrich Hermann („Capriccio für 3 Violinen“ Op.2), des französischen Komponisten Charles Auguste de Beriot („Duo Concertante“ N3 für 2 Violinen) und des britischen Komponisten Paul Trapcus waren in der originalen Fassung zu hören.

Alle diese Kompositionen wurden nicht zufällig in einem Programm präsentiert. Jeder Komponist hat mit seinem Werk die Stimme seines Volkes und die vielfältige stilistische Innovationen seines Landes individuell reflektiert. Auch die Künstler, die zum Anlass dieses Konzert-Programms, trotz der Schwierigkeiten in der Zeit der Pandemie, endlich zusammen und live musizieren konnten, sind alle freie, bekannte Künstler ihres Landes. Jeder machte eine großartige Kariere, gewann internationale Wettbewerbe, gründete eigene Orchester, Ensembles sowie forschende und musikpädagogische Institutionen.

Die Entstehungsgeschichte der musikalischen Freundschaft dieser drei Musiker ist sehr spannend. Natalia Raithel, Ivan Dukhnych und George Hlawiczka kamen nach Indien als Solisten und Mitwirkende der Mumbai-Philharmonie (NCPA-Philharmonie Orchester). Dabei entstand die Idee, in Europa ein eigenes Konzept für 3. Violinen zu gestalten. Und so entstand als erstes der Leitgedanke dieses Programms – Voice of the Violin. Der erste Auftritt fand vor einem Jahr in Lemberg auf dem Podium des Mirror-Saals der Nationalen Lviv-Oper statt. Und dies Jahr erklang Voice of the Violin in der Schweiz (Basel) und in Deutschland (München).

Unbedingt muss erwähnt werden, dass das Konzert Voice of the Violin ein originales und einzigartiges Genre im Repertoire der Streichinstrumente zum Ausdruck bringt, da es sich von den üblichen Streicher-Besetzungen eindrucksvoll unterscheidet. Es gibt zahlreiche bekannte Duette, Quartette oder Quintette, doch diese aufgespürten Stücke für drei Violinen sind eine wunderbare Entdeckung in diesem Konzert.

Bestimmt gibt es noch viele weitere wunderbare und immer noch nicht bekannte Perlen im Violine-Repertoire zu entdecken, die uns auf eine neue spannende Reise zusammen mit Voice of the Violin führen wird. Das Konzertprogramm Voice of the Violin auf der Bühne des Carl-Orff-Saal des Gasteig wurde zum großen Erfolg und zu einer erfreulichen Erkenntnis: die Musik; es lebt in aller Zeit, ist ewig und bleibt für neue Herausforderungen offen und kreativ. Lassen wir uns von neuen Entdeckungsreisen der Musiker in der Post-Pandemie-Welt überraschen! Das Violintrio bereitet das Projekt Voice of the Violin aktuell für eine CD Aufnahme vor.

Informationen über die Musiker:

Natalija Raithel ist Gewinnerin internationalen Wettbewerben, eine weltweit erfolgreiche Kammermusikerin und Spielpartnerin von Giora Feidman, die auch sehr erfolgreich als Pädagogin tätig ist. Natalija Raithel spielt die Violine von Johannes Baptista Zanoli (alte italienische Schule).
George Glawiczka tritt weltweit als Sologeiger und Dirigent auf. Er war Konzertmeister an der Philharmonie Orchester Mumbai und leitet sein eigenes Orchester I Maestri mit Hauptsitz in London. George Hlawiczka spielt die Violine von Antonio Vinaccia (Gagliano school).
Ivan Dukhnych studierte in der Schweiz und Deutschland als Geiger und Organist. Er ist seit 2015 Leiter der Haliciana Schola (Institut für historische Aufführungspraxis) in Lemberg. Seit 2017 unterrichtet Ivan Dukhnych an der Nationalen Musik-Akademie in Lemberg/ Lviv Violine und Orgel. Ivan Dukhnych spielt die neue, vor einem Monat gebaute Violine von Orest Putsentela (der zeitgenössische ukrainische Geigenbauer).
Das Konzert organisierte die ukrainische Familie Spiech aus München.

—| IOCO Kritik Philharmonie im Gasteig |—

München, Bayerische Staatsoper, Sondra Radvanovsky – Tosca, 04.12.2020

Oktober 9, 2020  
Veröffentlicht unter Bayerische Staatsoper, Oper, Pressemeldung

Bayerische Staatsoper München

Bayerische Staatsoper München © Wilfried Hösl

Bayerische Staatsoper München © Wilfried Hösl

TOSCA:  Sondra Radvanovsky singt die Partie der Tosca

Komponist Giacomo Puccini · Libretto von Giuseppe Giacosa und Luigi Illica nach dem Drama La Tosca  von Victorien Sardou,  In italienischer Sprache

Bayerische Staatsoper München / Tosca - Te deum A. Maestri © Wilfried Hösl

Bayerische Staatsoper München / Tosca – Te deum A. Maestri © Wilfried Hösl

Sondra Radvanovsky wurde bei Chicago / Illinois geboren. Nach einer Ausbildung im Lindemann Young Artist Development Program der Metropolitan Opera in New York gelang ihr der Durchbruch mit Antonia (Les contes d’Hoffmann). Seitdem gastierte sie u. a. an den Opernhäusern von Paris, Mailand, London, Wien, Berlin, Chicago und San Francisco. Ihr Repertoire umfasst Partien wie Amelia (Un ballo in maschera), Leonora (Il trovatore), Elisabeth von Valois (Don Carlo), Elvira (Ernani), Roxane in Franco Alfanos Cyrano de Bergerac sowie die Titelpartien in Manon Lescaut, Lucrezia Borgia, Aida, Luisa Miller und Rusalka. Darüber hinaus ist sie als Konzertsängerin tätig und trat u. a. mit dem Boston Symphony Orchestra, dem Chicago Symphony Orchestra und der San Francisco Symphony auf.

Bayerische Staatsoper München / Tosca - Sondra Radvanovsky, A. Maestri © Wilfried Hösl

Bayerische Staatsoper München / Tosca – Sondra Radvanovsky, A. Maestri © Wilfried Hösl

Freitag 04.12.2020 19.30 Uhr
Nationaltheater
TOSCA

Sonntag 10.01.2021 19.00 Uhr
Nationaltheater
UN BALLO IN MASCHERA

Mittwoch 13.01.2021 19.00 Uhr
Nationaltheater
UN BALLO IN MASCHERA

Sonntag 17.01 2021 18.00 Uhr
Nationaltheater
UN BALLO IN MASCHERA

Bayerische Staatsoper München / Tosca - Sondra Radvanovsky © Wilfried Hösl

Bayerische Staatsoper München / Tosca – Sondra Radvanovsky © Wilfried Hösl

—| Pressemeldung Bayerische Staatsoper München |—

München, Staatstheater am Gärtnerplatz, PRISCILLA – KÖNIGIN DER WÜSTE – Spielzeitpremiere, 16.09.2020


Staatstheater am Gärtnerplatz München

Gärtnerplatztheater © Christian POGO Zach

Gärtnerplatztheater © Christian POGO Zach

 

 PRISCILLA – KÖNIGIN DER WÜSTE  – Saisonpremiere 2020/21

Drei Drag-Queens im australischen Outback – hier ein IOCO Bericht aus 2018

Das Erfolgsmusical PRISCILLA – KÖNIGIN DER WÜSTE ist ab dem 16. September 2020 wieder zurück am Gärtnerplatztheater. Pandemiebedingt wird eine adaptierte Fassung mit der originalen Bandbesetzung zu sehen sein.

 

Staatstheater am Gärtnerplatz / PRISCILLA – KÖNIGIN DER WÜSTE - Armin Kahl (Tick), Terry Alfaro (Adam), Ensemble © Marie-Laure Briane

Staatstheater am Gärtnerplatz / PRISCILLA – KÖNIGIN DER WÜSTE – Armin Kahl (Tick), Terry Alfaro (Adam), Ensemble © Marie-Laure Briane

Basierend auf dem gleichnamigen, fulminanten Kinoerfolg erzählt Priscilla – Königin der Wüste die packende, zu Herzen gehende Geschichte von drei Freunden aus dem Traviestiekünstler-Milieu, die sich auf der Suche nach Liebe und Freundschaft gemeinsam auf die Reise ihres Lebens in einem abgetakelten alten Bus namens »Priscilla« quer durchs australische Outback machen – und am Ende mehr gewinnen, als sie sich jemals zu träumen gewagt hatten!

Staatstheater am Gärtnerplatz / PRISCILLA – KÖNIGIN DER WÜSTE - Erwin Windegger (Bernadette), Terry Alfaro (Adam), Armin Kahl (Tick), Ensemble © Marie-Laure Briane

Staatstheater am Gärtnerplatz / PRISCILLA – KÖNIGIN DER WÜSTE –
Erwin Windegger (Bernadette), Terry Alfaro (Adam), Armin Kahl (Tick), Ensemble
© Marie-Laure Briane

1995 erhielt der australische Überraschungs-Hit den »Oscar«; für die 2006 uraufgeführte Musical-Version des seitdem kultigen Streifens wurde das Drehbuch um zahlreiche Discohits der 70er und 80er ergänzt – von »It’s Raining Men« über »Girls Just Want to Have Fun« bis hin zu »Go West«. Nach Stationen u. a. am New Yorker Broadway und im Londoner West End präsentiert das Staatstheater am Gärtnerplatz das vielfach preisgekrönte Jukebox-Musical, das bunt und farbenprächtig gute Laune mit Tiefgang vereint, erstmalig im deutschen Sprachraum.

Musical
Buch von Stephan Elliott und Allan Scott
In Zusammenarbeit mit Nullarbor Productions und MGM On Stage und outside eye Wien
Musikalische Arrangements und Orchestration von Stephen ›Spud‹ Murphy
Für die Bühne entwickelt von Simon Phillips

In deutscher Sprache. Songs in englischer Originalsprache

Musikalische Leitung: Jeff Frohner / Andreas Partilla I Regie: Gil Mehmert
Choreografie: Melissa King I Bühne: Jens Kilian I Kostüme: Alfred Mayerhofer I Licht: Michael Heidinger I Video: Meike Ebert, Raphael Kurig I Dramaturgie: Michael Alexander Rinz

Staatstheater am Gärtnerplatz / PRISCILLA – KÖNIGIN DER WÜSTE - Terry Alfaro (Adam) © Marie-Laure Briane

Staatstheater am Gärtnerplatz / PRISCILLA – KÖNIGIN DER WÜSTE – Terry Alfaro (Adam) © Marie-Laure Briane

Besetzung
Tick: Armin Kahl
Bernadette: Erwin Windegger
Adam: Terry Alfaro
Bob: Frank Berg
Benji: Jasper Baumann / Jonathan Birner / Daniel Fussek / Raphael Pallawiks
Marion: Tanja Schön
Diven: Dorina Garuci, Jessica Kessler, Amber Schoop
Cynthia: Marides Lazo
Shirley: Angelika Sedlmeier
Miss Verständnis: Eric Rentmeister
Miss Fernanda Falsetta: Lukas Haiser
Jimmy: David Eisinger
Ensemble: Stephan Zenker, Adriano Sanzò, Alan Byland, John Baldoz, Amaya Keller / Rachel Marshall, Alex Frei, Esther Mink

Orchester des Staatstheaters am Gärtnerplatz

Spielzeitpremiere: 16. September 2020

Weitere Vorstellungen:
17./19./20. September
2./3./4./9. Oktober

Altersempfehlung ab 14 Jahren

Preise: 10 bis 67 Euro in adaptierter Fassung
Tickets unter Tel 089 2185 1960 oder www.gaertnerplatztheater.de

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