Mannheim, Johanniskirche, Wünschewagen – Sinfonisches Blasorchester, IOCO Kritik, 18.04.2018

Johanniskirche Mannheim © Uschi Reifenberg

Johanniskirche Mannheim © Uschi Reifenberg

Johanniskirche Mannheim

Der Wünschewagen  – Sinfonisches Blasorchester Mannhein

Musik im Spannungsfeld von Leben und Leid

Von Uschi Reifenberg

Zu einem Benefizkonzert zugunsten des neu gegründeten Mannheimer „Wünschewagens“ des Arbeiter und Samariterbundes, hatte das Sinfonische Blasorchester Mannheim zu einem Konzert in die Mannheimer Johanniskirche geladen.

Der Wünschewagen soll – wie der Name schon sagt- Sterbenden letzte Wünsche  erfüllen. Einmal noch das Meer sehen, weiter entfernte liebe Menschen ein letztes Mal in die Arme schließen oder noch einmal ein Konzert erleben. Für sterbenskranke Menschen sind diese einfachen und bescheidenen Dinge oft letzte Herzensangelegenheiten, die unerfüllt bleiben.  Genau hier möchte der Wünschewagen ansetzen und kostenfrei diese Wünsche erfüllen

Johanniskirche Mannheim / Sinfonisches Blasorchester Mannheim © Uschi Reifenberg

Johanniskirche Mannheim / Sinfonisches Blasorchester Mannheim © Uschi Reifenberg

Das Sinfonische Blasorchester Mannheim, eines der beiden Grossen Ensembles und Aushängeschild der Mannheimer Musikschule, zählt ca 60 Mitglieder und setzt sich zusammen aus Schülern, Studenten, Amateuren und Profimusikern. Das Orchester und sein Leiter haben sich zum Ziel gesetzt, hochwertige Originalliteratur für Blasorchester sämtlicher Epochen und Kulturkreise zur Aufführung zu bringen. Konzertreisen führten das SBO durch ganz Deutschland, Rom, Luxemburg, Prag, Sneek (Holland). Weitere Höhepunkte waren die europäische Erstaufführung des 2. Klavierkonzerts von David Maslanka, sowie die Uraufführung mit anschließender CD Produktion des Concertino für Bassposaune und Blasorchester von Fabian Schmidt mit dem Posaunisten Prof. Thomas Leyendecker, Berliner Philharmoniker. Gründer und Leiter des Klangkörpers ist seit 2005 Tobias Mahl, einer der versiertesten Dirigenten in seinem Fach. Konzerte und Gastspiele führten ihn u.a. durch ganz Europa sowie mehrfach in die USA, zuletzt mit der United States Air Force Band.

Das Motto des Abends in der Johanniskirche lautete: Ost-West-Musik im Spannungsfeld – Gegensätze und Gemeinsamkeiten. Die erste Programmhälfte war Komponisten aus Russland und Japan gewidmet, die zweite Hälfte enthielt ausschließlich Werke aus den USA. Interessant ist auch die Tatsache, dass alle Kompositionen – mit Ausnahme von Schostakowitsch- während des Kalten Krieges entstanden sind. Tobias Mahl führte in charmanter und humorvoller Weise durch das Programm und würzte- zur Freude des Publikums- seine Moderation mit einigen amüsanten Anekdoten aus seinen reichen Konzerterfahrungen.

Mit Dmitri Schostakowitschs Volkstänzen – Satz einer Suite aus Das Vaterland,  startete das Orchester schwungvoll in die erste Programmhälfte und präsentierte sogleich die ganze Bandbreite seiner excellenten Klangkultur. Mit überbordender Spielfreude und tänzerischer Leichtigkeit setzte Tobias Mahl ganz auf Transparenz und Klarheit.

Die 3. Sinfonie des Komponisten Boris Kozhevnikov, die Slawische führt mit vier Sätzen durch Höhen und Tiefen der russischen Seele und kann als eine der anspruchsvollsten Werke für Sinfonisches Blasorchester bezeichnet werden. Die melancholische Grundstimmung manifestierte sich in jedem der Sätze. Weiche Holzbläser-Schattierungen wurden flirrenden Piccoloflötensoli entgegengesetzt, homogene Register- und Tempowechsel unterstrichen die Lebendigkeit und Vielseitigkeit der Komposition. Kleine Unsauberkeiten im tiefen Blech (Tuba, Euphonien) taten der überzeugenden Interpretation keinen nennenswerten Abbruch.

 Johanniskirche Mannheim / Sinfonisches Blasorchester Mannheim und Tobias Mahl © Uschi Reifenberg

Johanniskirche Mannheim / Sinfonisches Blasorchester Mannheim und Tobias Mahl © Uschi Reifenberg

Der japanische Komponist Bin Kaneda verarbeitete in seiner 3-sätzigen Suite in jedem Satz ein japanisches Kinderlied. Im ersten Satz begleitete das Schlagwerk die melodische Linienführung des Blechs, den 2. Satz eröffnete ein wunderschönes Flötensolo, das vom gesamten Holzregister weitergeführt wurde, im 3. Satz stand -typisch japanisch-  pentatonische Melodik im Vordergrund. Nach der Pause wurde man in die Welt der US-amerikanischen Klangsprache des 20. Jahrhunderts entführt. Dafür eignete sich Robert Jagers  Sinfonia nobilissima, in bester Weise. Ganz besondere Affinität zeigte Tobias Mahl für diese spezielle Idiomatik der amerikanischen Tonsprache. Effektvoll witzige Passagen und weit geschwungene, typisch pathetische Melodik gipfelten in einer effektvollen Steigerung.

Claude Thomas SmithsSymphony Nr. 1 for Band atmete in jedem der 4 Sätze Optimismus und Lebensfreude. Orientiert an der klassisch sinfonischen Form, stand hier der Kontrapunkt im Fokus. Technisch brillant ordneten sich die einzelnen Register der strengen Form unter, ohne den übergeordneten Gedanken zu vernachlässigen. Die Soli in den einzelnen Instrumenten waren wunderbar aufeinander abgestimmt, auch wenn kleine „Wackler“ dem vertrackten Rhythmus geschuldet waren. Der letzte Satz, mit jazzigen Elementen angereichert, verströmte dennoch jede Menge „barocken  Swing“ und gipfelte in einer mitreißenden  Schlussapotheose.

Als  letztes Werk des Abend erlebte man eine kompositorische Kostbarkeit, A Musical Toast des Ausnahmemusikers Leonard Bernstein, der dieses Jahr seinen 100. Geburtstag feiert. Flash-artig, wie eine flüchtige Erscheinung leuchtete dieses stark zwei minütige  Streiflicht kurz Höhen und Tiefen des Daseins aus und gipfelte in den vom Orchester inbrünstig gesungenen Silben Happy Birthday Bernstein !

Das  zahlreiche Publikum spendete enthusiastischen Beifall und forderte 2 Zugaben, eine davon war Sergej Prokofievs mit Schwierigkeiten gespickter Marsch op 99, in dem das Orchester noch  einmal alle Parameter seines Könnens präsentierte. Nach langem Beifall entließen Dirigent und Orchester das beglückte Publikum in den lauen Mannheimer Frühlingsabend.

Mannheim, Nationaltheater Mannheim, Premiere Die Krönung der Poppea, 12.04.2016

Nationaltheater Mannheim

Nationaltheater Mannheim

Nationaltheater Mannheim © Hans Jörg Michel

Nationaltheater Mannheim © Hans Jörg Michel

 Die Krönung der Poppea – Claudio Monteverdi

Monteverdi-Zyklus

Der Monteverdi-Zyklus geht weiter: Nach der äußerst erfolgreichen Produktion Die Heimkehr des Odysseus in der vergangenen Spielzeit feiert am Donnerstag, 12. April um 19 Uhr als nächstes Monteverdi-Werk Die Krönung der Poppea in der Inszenierung von Lorenzo Fioroni Premiere.

1607 schreibt Monteverdi in Mantua seine erste Oper und setzt damit Maßstäbe, die bis heute gelten. Dennoch verlässt er 1613 den herzoglichen Hof und wird Kapellmeister des Markusdoms in Venedig. Über dreißig Jahre schreibt er keine Opern mehr, obwohl die Oper als öffentliches Spektakel in Venedig blüht wie nirgends sonst.

In seinen letzten Lebensjahren packt Monteverdi dann doch noch der Schaffensrausch. In schneller Folge entstehen die Heimkehr des Odysseus (1640), die heute verlorene Hochzeit des Aeneas (1641) und die Krönung der Poppea (1643).

Claudio Monteverdi Grabplatte in der  Santa Maria Gloriosa dei  Frari in Venedig © IOCO

Claudio Monteverdi Grabplatte in der Santa Maria Gloriosa dei Frari in Venedig © IOCO

Zum allerersten Mal wird hier eine Episode aus der Geschichte zum Gegenstand einer Oper. Gegen den Willen seines Lehrers Seneca heiratet Kaiser Nero die schöne Kurtisane Poppea. Das traurige Ende: Der Philosoph geht in den Selbstmord, Neros Frau Ottavia in die Verbannung. Doch Monteverdi findet für alle Figuren den richtigen Ton. Die Leidenschaft der Liebenden geht einem ebenso nahe wie die Trauer der Verstoßenen und die lustigen Dienerfiguren bringen einen immer wieder zum befreienden Lachen.

Um die Sprengkraft des musikalischen Revolutionärs Monteverdi hörbar zu machen, wurde schon die Heimkehr des Odysseus in der Spielzeit 2016/2017 gemeinsam mit dem Spezialensemble »il Gusto Barocco« erarbeitet. Unter der Leitung von Jörg Halubek musizierten die Spieler auf historischen Instrumenten. Mit der Krönung der Poppea wird diese fruchtbare Zusammenarbeit nun fortgesetzt.

Nikola Hillebrand singt die Titelpartie der Poppea, in die sich Kaiser Nero verliebt hat, gesungen von Magnus Staveland. Nero beabsichtigt, seine Frau Ottavia (Marie-Belle Sandis) zu verstoßen, um Poppea heiraten zu können, und vergeblich versucht der Philosoph Seneca (Bartosz Urbanowicz), ihn davon abzuhalten – Poppea ist als künftige Kaiserin und Frau des Nero an ihrem Ziel.

In weiteren Rollen sind Terry Wey, Uwe Eikötter, Amelia Scicolone, Julia Faylenbogen, Raphael Wittmer, Christopher Diffey, Maria Markina, Pascal Herington (Opernstudio), Valentin Anikin und Laura Verena Incko zu erleben.

Unter der Leitung von Jörg Halubek musiziert erneut das Spezialensemble »il Gusto Barocco«.  Ebenfalls beteilitg ist an der szenischen und musikalischen Umsetzung das Laienensemble »Alphabet-Chor« des NTM unter der Leitung von Joe Völker.

Die Krönung der Poppea:  Weitere Aufführungen am 19., 27., 28. April, am 5., 6. Mai sowie am 5. und 6. Juni statt.

Die Monteverdi-Tetralogie am Nationaltheater Mannheim wird unterstützt von der Baden-Württemberg Stiftung. Das Nationaltheater Mannheim, Eigenbetrieb der Stadt Mannheim, wird gefördert durch die Stadt Mannheim und das Ministerium für Wissenschaft, Forschung und Kunst Baden-Württemberg. PMNThMa

 

Mannheim, Nationaltheater Mannheim, Der Rosenkavalier von Richard Strauss, IOCO Kritik, 21.02.2018

Februar 21, 2018  
Veröffentlicht unter Hervorheben, Kritiken, Nationaltheater Mannheim, Oper

Nationaltheater Mannheim

Nationaltheater Mannheim

Nationaltheater Mannheim © Hans Jörg Michel

Nationaltheater Mannheim © Hans Jörg Michel

 Der Rosenkavalier von Richard Strauss

“Im Reich der Klangfarben”

Von Uschi Reifenberg

Zu einem Opernabend der Superlative geriet der Rosenkavalier am Nationaltheater Mannheim in der Wiederaufnahme von Olivier Tambosi aus dem Jahre 1997. Nicht nur das herausragende Dirigat von Alexander Soddy, das beglückend aufspielende Orchester, sondern auch das in nahezu allen Rollen exzellent gestaltende hauseigene Ensemble ließ die “Komödie für Musik“ zu einem „ festlichen Opernabend“ werden.

Nationaltheater Mannheim / Der Rosenkavalier - hier vl Maria Markina als Octavian und Astrid Kessler als Marschallin © Hans Jörg Michel

Nationaltheater Mannheim / Der Rosenkavalier – hier vl Maria Markina als Octavian und Astrid Kessler als Marschallin © Hans Jörg Michel

Der Rosenkavalier von Richard Strauss und Hugo von Hofmannsthal ist eines der meist gespielten Werke der Opernliteratur und eine der genialsten musikalischen Komödien überhaupt. Nach den eher düsteren antiken Stoffen von Salome und Elektra drängte es Strauss zu einem heiteren, leichten Stoff nach mozartschem Vorbild. Die von Hofmannsthal 1909 erfundene Komödienhandlung vermittelt ein lebendiges Wiener Sittenbild aus der Zeit Maria Theresias um 1740. Stilmittel der opera buffa wie Verkleidung, Verwechslung und Intrigen fehlen ebenso wenig wie die Typencharaktere von Zofe, Notar oder Medicus. Auch die Hosenrolle des Octavian verweist auf Mozarts berühmtes Vorbild, den Cherubino in Figaros Hochzeit.
Beschritt Strauss in den Opern Salome und Elektra den Weg in die musikalische Avantgarde mit hochexpressiven Dissonanzverbindungen, die bis an die Grenzen der Tonalität führten, so wandte er sich im Rosenkavalier wieder der traditionellen Kompositionsästhetik des 19. Jahrhunderts zu. 1909 komponierte Arnold Schönberg die Klavierstücke op. 11, die in ihrer Atonalität als ein Fundament der modernen Musik gelten. In diesem Kontext fungiert der Rosenkavalier – 1911 in Dresden uraufgeführt – mit seiner Rokoko- Verspieltheit, Walzerseligkeit und Maskerade auch als Gegenentwurf einer kunstvoll verklärten Epoche zu den konsequenten Entwicklungen der Moderne.

Nationaltheater Mannheim / Der Rosenkavalier -  hier vl Thomas Berau, Estelle Kruger, Patrick Zielke als Baron Ochs auf Lerchenau und Nikola Hillebrand als Sophie © Hans Jörg Michel

Nationaltheater Mannheim / Der Rosenkavalier – hier vl Thomas Berau, Estelle Kruger, Patrick Zielke als Baron Ochs auf Lerchenau und Nikola Hillebrand als Sophie © Hans Jörg Michel

Die Vergänglichkeit, das unausweichliche Verrinnen der Zeit, das von der Marschallin in ihrem Monolog melancholisch reflektiert wird, durchzieht wie ein Leitfaden das gesamte Werk: „Die Zeit, die ist ein sonderbar Ding. Wenn man so hinlebt, ist sie rein gar nichts. Aber dann auf einmal, da spürt man nichts als sie.“ Die Resignation angesichts ihres nahenden Alters verwandelt die Marschallin am Ende der Oper in weisen Verzicht und Altersmilde, ähnlich dem Hans Sachs in Wagners Meistersingern. Wahre Größe beweist sie, wenn Sie ihren jungen Liebhaber Octavian seiner gleichaltrigen geliebten Sophie zuführt.

  Inszenierung von Olivier Tambosi – 1997

Die Inszenierung von Olivier Tambosi von 1997 verzichtet konsequent auf historisierendes Ambiente und lässt durch Reduktion der Bühnenbilder und ausladende farbige Räume viel Platz für eine differenzierte Personenführung. Frank Philipp Schlössmann zeichnet verantwortlich für die Bühne und die farbenprächtigen Kostüme. Den 1. Akt prägt ein blauer Innenraum mit großem Wandspiegel, dessen Boden mit Silberpapier ausgekleidet, Wasser und Wellen symbolisiert. In der Mitte steht ein Boot, das dem Liebespaar Marschallin – Octavian als Bett dient. Faninals Palast erstrahlt in gleißendem Weiß, an dessen Wänden zahlreiche kleine Kanonen angebracht sind, was der Szene einen surrealen Charakter verleiht. Das Bühnenbild des 3. Aktes ist in leuchtendem rot gehalten, bestückt mit einem geneigten Holzgehäuse als „Beisel“, welches am Ende entrümpelt wird und auseinander driftet. Zurück bleibt ein einsames Bett vor blauem Hintergrund, anknüpfend an das erste Bild, in welchem nun die jungen Liebenden ihr Schlussduett singen.

Astrid Kessler gestaltet eine fragile, jugendliche Marschallin mit höhensicherem, in allen Lagen ausgeglichenem lyrischen Sopran und findet in ihrem Zeitmonolog zu sensiblen Zwischentönen, beseelten piani und anrührender Melancholie im Bewusstsein des Alterns, der Verwandlung und des Abschieds. Beeindruckende Leuchtkraft entwickelt ihr Sopran im ausdrucksstarken Schlussterzett. Patrik Zielke stattet den bäurisch-dionysischen Baron Ochs auf Lerchenau mit machohaftem Dünkel aus, vor dessen handgreiflichen Avancen kein weibliches Wesen sicher ist. Mit seinem höhensicherem Bass und viel Sinn für den hintergründigem Humor der Hofmannsthalschen Dichtung lässt er auch in puncto Textverständlichkeit keine Wünsche offen.

Nationaltheater Mannheim / Der Rosenkavalier - hier Ensemble © Hans Jörg Michel

Nationaltheater Mannheim / Der Rosenkavalier – hier Ensemble © Hans Jörg Michel

Maria Markina als Octavian schlüpft virtuos in die verschiedenen Verkleidungen und überzeugt sowohl als feinsinniger Aristokrat und Überbringer der silbernen Rose wie als unbedarftes Mariandl vom Land. Ihr voluminöser Mezzo weist deutlich ins dramatische Fach und besticht mit schöner Phrasierung der weit geschwungenen Strauss‘schen Bögen.  Nikola Hillebrand ist als Sophie das perfekte Wiener Madl. Glaubhaft gestaltet sie die Entwicklung vom Aufkeimen ihrer ersten Liebe zur selbstbewussten jungen Frau.
Ihr heller Sopran schwingt sich in silberne Höhen und scheint nach oben keine Grenzen zu kennen. Im magischen Moment des gegenseitigen Sich- Erkennens scheint die Zeit still zu stehen und man möchte „zum Augenblicke sagen: verweile doch, du bist so schön.“

Thomas Berau als neureicher Waffenhändler Faninal, der seine Tochter Sophie an Ochs verschachern möchte, beeindruckt mit großer Stimme und heldischem Aplomb. Als Valzacchi überzeugt Christoph Diffey mit klarem hellen Tenor und Marie-Belle Sandis gibt seiner Mitstreiterin Annina mit volltönendem und tragfähigem Mezzo Charakterschärfe. Als vorzügliche Leitmetzerin gefällt Estelle Kruger mit strahlenden Spitzentönen. Andreas Hermann verströmt als Sänger üppigen Belcanto -Wohlklang und als Wirt erfreut Uwe Eikötter mit markantem Charaktertenor. Tibor Brouwer gestaltet sowohl den Notar als auch den Polizeikommissar mit schön timbriertem Bariton. Des Weiteren runden Jung-Woo Hong, Markus Grassmann, Lara Brust, Leah Weisbrodt und Aglaia Ast das hervorragende Ensemble ab.
Alexander Soddy und das Nationaltheater Orchester liefern ein wahres Feuerwerk an Klangfarben und ziehen alle Register ihres Könnens. In den kammermusikalisch intimen Momenten mit Detailausformung, feiner Präzisierung, wunderbar austariertem Holzbläsersoli, perfekt balanciertem Blech, expressiv wogenden Klangschichtungen mit dramatischen Zugriff bis zum orgiastischen Walzertaumel leuchtet Soddy alle Facetten der Strauss‘schen Tonsprache aus. Tadellos auch Chor und Kinderchor des Nationaltheaters.

Das begeisterte Publikum im ausverkauften Opernhaus entließ alle Mitwirkenden erst nach langem Beifall.

 

Mannheim, Nationaltheater Mannheim, Premiere Ernani von Giuseppe Verdi, 24.02.2018

Nationaltheater Mannheim

Nationaltheater Mannheim

Nationaltheater Mannheim © Hans Jörg Michel

Nationaltheater Mannheim © Hans Jörg Michel

  Ernani von Giuseppe Verdi

Premiere Samstag, 24. Februar um 19 Uhr

Das Operngenie Giuseppe Verdi setzte von Beginn seiner Karriere an eigene Akzente. An seinem 1844 in Venedig uraufgeführten Frühwerk Ernani lässt sich das gut beobachten. Die Vorlage stammt von einem »jungen Wilden« der französischen Literatur: In Victor Hugos skandalumwittertem Hernani findet eine junge Generation zu einer eigenen Sprache – das Extreme, Überzeichnete interessiert sie mehr als die Helden der traditionellen Tragödie.

Und dieser Ernani ist in der Tat eine extreme Figur: Um den ermordeten Vater zu rächen, setzt er das eigene Leben aufs Spiel und findet, gefangen in abstrusen und unmenschlichen Vorstellungen von Ehre und Moral, auch in der Liebe zur schönen Elvira keine Ruhe. Wie üblich sollte der männliche Titelheld 1844 von einer Sopranistin dargestellt werden. Verdi setzte jedoch durch, dass sein Ernani von einem Tenor gesungen wurde – im Sinne der dramatischen Wahrhaftigkeit und szenischen Glaubwürdigkeit.

Natürlich verbindet Verdi diese Glaubwürdigkeit mit den schönsten Melodien: Ernani strotzt nur so von Ohrwürmern. Die Hauptrolle wird der georgische Tenor Irakli Kakhidze singen, der ab der Spielzeit 2017/2018 festes Mitglied des Mannheimer Solistenensembles wird. Regie führt Yona Kim, die mit ihrer Deutung der Genoveva von Robert Schumann in der Spielzeit 2016/2017 bewiesen hat, wie tief sie in die Psyche ihrer Figuren vordringen kann.

Als eine Auseinandersetzung zwischen den Generationen, zwischen Revolution und Konterrevolution inszeniert Yona Kim Giuseppe Verdis Frühwerk Ernani – auf den Gräbern der Väter, über denen Heike Scheele die Bühne errichtete, und in den historisierenden Kostümen von Falk Bauer. Mit der Vorlage, dem Schauspiel Hernani, folgte Victor Hugo einer neuen Strömung in der französischen Literatur, in der junge Autoren die Extreme und das Überzeichnete suchten und sich weniger für die traditionellen Helden interessierten. Ein solcher Mann der Extreme ist auch Verdis Ernani, der den Tod seines Vaters rächen will und Erfüllung in der Liebe zu Elvira sucht, die zum Spielball und zur Trophäe seiner Rivalen und Widersacher zu werden droht.

Der georgische Tenor Irakli Kakhidze aus dem Ensemble singt die Titelpartie des Ernani, Miriam Clark, in dieser Saison eine herausragende Norma und Aida am NTM, gibt hier die Elvira. In weitere Rollen sind Evez Abdulla, Sung Ha, Raphael Wittmer und Philipp Alexander Mehr zu erleben. Dani Juris studiert den Chor des Nationaltheaters ein, Benjamin Reiners dirigiert das Nationaltheater-Orchester. PMThMa

Premeire Ernani am Theater Mannhaim am 24.2.2018; weitere Aufführungen am 4., 9. und 29. März; am 6. und 11. April, am 16. und 19. Juni und am 1. Juli 2018

 

 

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