New York, Metropolitan Opera, James Levine – Met: Beschämendes Ende, IOCO Aktuell, 05.06.2018

Juni 5, 2018  
Veröffentlicht unter Metropolitan Opera, Personalie, Portraits

Metropolitan Opera und City Opera in New York © IOCO

City Opera und Metropolitan Opera, vl, in New York © IOCO

Metropolitan Opera – James Levine

Beschämendes Ende einer langen Zusammenarbeit

Die Metropolitan Opera (Met) New York, beendete jede Form der Zusammenarbeit mit ihrem langjährigen Stardirigenten James Levine (*1943). James Levine war über vierzig Jahre, von 1976 bis 2016,  Music Director der Met. Die folgende Pressemitteilung der Met begründet diese Entscheidung mit sexuellem Fehlverhalten von James Levine.

In ihrer Pressemitteilung bestreitet die Met, dass ihr Management oder der Board of Directors Informationen zum Fehlverhalten von James Levine unterdrückt haben.

Wortlaut der Pressemitteilung der Metropolitan Opera

„After considering the findings of a thorough investigation conducted by outside counsel that lasted more than three months, the Metropolitan Opera has terminated its relationship with James Levine as Music Director Emeritus and Artistic Director of its young artist program.

The investigation uncovered credible evidence that Mr. Levine had engaged in sexually abusive and harassing conduct both before and during the period when he worked at the Met. The investigation also uncovered credible evidence that Mr. Levine engaged in sexually abusive and harassing conduct towards vulnerable artists in the early stages of their careers, over whom Mr. Levine had authority. In light of these findings, the Met concludes that it would be inappropriate and impossible for Mr. Levine to continue to work at the Met.

The investigation also found that any claims or rumors that members of the Met’s management or its Board of Directors engaged in a cover-up of information relating to these issues are completely unsubstantiated.

We thank the more than 70 individuals who were interviewed during the course of the investigation.

We recognize the great concerns over these issues that have been expressed by the Met community both inside and outside of the opera house, and wish to provide the assurance that the Met is committed to ensuring a safe, respectful and harassment-free workplace for its employees and artists.“ 

—| IOCO Aktuell Metropolitan Opera |—

Hamburg, Sascha Emanuel Kramer – Tenor, IOCO Interview, 03.06.2018

Hamburgische Staatsoper © IOCO

Hamburgische Staatsoper © IOCO

SASCHA EMANUEL KRAMER –  Im Interview

  Ein junger Tenor – Auf dem Weg nach oben

Von Rolf Brunckhorst

Studiert man die Vita von Sascha Emanuel Kramer, so reicht diese eigentlich für 3 bis 4 Personen aus. Geboren wurde er in Zürich, und schon als kleiner Junge entdeckte er während seiner Zeit in einem Knabenchor seine wahre Leidenschaft, nämlich das Singen. So war es nicht verwunderlich, daß er neben seinem Schulabschluß und dem Studium der Rechtswissenschaften (mit Auszeichnung) immer seine musikalische Ausbildung im Auge behielt. Am Tag nach Abschluß seines Studiums wurde er Mitglied des Opernstudios der Mailänder Scala. Zu seinen Lehrern zählten dort u.a. Luciana Serra und Renato Bruson. „Ich bin der Scala so unendlich dankbar dafür, was ich in dieser Zeit habe lernen können. Neben der großartigen sängerischen Betreuung war es besonders die Zusammenarbeit mit dem Regisseur Peter Stein, die mich inspiriert und gefestigt hat. Besonders fasziniert hat mich der mühelose persönliche Kontakt zu Peter Stein, der sogar ab und zu mit unserem Team nach den Proben ins nächste Restaurant steuerte“.

Sascha E. Kramer © Wolfgang Schmitt

Sascha E. Kramer © Wolfgang Schmitt

Nach seinem Scala-Debüt als Soldat in Wozzeck („Ich sang lediglich 4 Töne, die jedoch meine Welt veränderten!“,) sang Kramer den Monostatos in Peter Steins Neuinszenierung der Zauberflöte. Ab der Spielzeit 2016-17 ist Sascha Emanuel Kramer Mitglied des Internationalen Opernstudios der Hamburger Staatsoper, dies allerdings nur noch ein paar Wochen lang, dann wird Kramer Hamburg verlassen und als freiberuflicher Sänger tätig sein. Auch Hamburg wird er in guter Erinnerung behalten. Sehr gefreut hat ihn die enge Zusammenarbeit mit Kent Nagano, der ihn in der laufenden Spielzeit in diversen Produktionen eingesetzt hat. „Sehr dankbar bin ich der Hamburger Staatsoper dafür, daß sie mir bei Gastspielen nie Steine in den Weg gelegt hat. So konnte ich  in dieser Spielzeit sowohl an der neu eröffneten Nationaloper von Athen als auch an der Opéra de Toulon den Tamino in Neuinszenierungen der Zauberflöte wahrnehmen“. In Hamburg konnte er in den vergangenen beiden Spielzeiten sein Repertoire  mit dem Malcolm in Macbeth, dem Flute im Sommernachtstraum, dem Andres in Wozzeck, dem Borsa in Rigoletto, dem Kilian im Freischütz u.a. erweitern.  Zum Ende der Spielzeit übernahm und übernimmt Kramer gleich drei Hauptpartien neu. In Beethovens Fidelio debütierte er als Jaquino.

Ähnlich wie das Publikum reagierte Kramer mit Kritik an der Inszenierung. „Die Vergewaltigungsszenen sind unlogisch und machen so für mich wenig Sinn. Jaquino ist doch eigentlich verliebt in Marzelline und würde ihr so etwas nicht antun. Vielleicht ist er aber mal etwas stürmisch geworden, aber so brutal wie auf der Bühne ist die Partie sicherlich nicht gemeint. Kramer selbst erntete nur Lob für seinen Jaquino, den er mit klarer klangschöner und in allen Lagen sicherer Stimme präsentierte. Da er sich auch als gewandter Darsteller erwies, war der Publikumsjubel absolut gerechtfertigt. Als einen absoluten Höhepunkt bezeichnet Kramer die Uraufführung der Oper Frankenstein von Jan Dvorak, in der er gleich vier verschiede Rollen übernommen hat. Seine Lieblingsrolle hier ist die des Ernst Frankenstein. „Die Person des Ernst ist eigentlich eine tragische Partie. Sein kleiner Bruder Wilhelm wurde Opfer der Kreatur seines großen Bruders Viktor Frankenstein. Ernst muß sich darüber beklagen, daß er als promovierter und weithin gebildeter Mann, der eigentlich der Vorzeige-Sohn einer jeden anderen Familie gewesen wäre, von seinem Vater einfach nicht gewürdigt wird, weil dessen Interesse mehr seinem Sohn Viktor und dessen Experimenten gilt.“ In seinem Auftritt in der Rolle des Jägers kann Kramer seinem lyrischen Tenor nachdrückliche Strahlkraft abgewinnen, die beinahe schon über das rein lyrische Fach hinausweisen will. Den weiteren Partien des Maats und des jungen Fischers verlieh Kramer mit einem Augenzwinkern einen etwas ironischen Beigeschmack. Die Kapitänsszene war ein wahres Vergnügen. Kramers Stimme paßte sich allen Partien und Stimmungen mühelos an. Als drittes Rollendebüt in kurzer Zeit übernimmt Kramer in der Premiere am 29. Juni die Tenorpartie in der Barockoper Miriways von Georg Phillipp Telemann, von der er selber sagt: „Ich mag Barockopern, ich habe drei sehr schöne Arien zu singen, die von der Testitur her zwar relativ zentral liegen. In der furiosen Schlussarie kommen dann aber auch für Barockopern ansonsten ungewöhnliche Höhen dazu – eine insgesamt schöne Partie!“ Der Premiere folgen noch sechs weitere Vorstellungen,  alle in der Opera Stabile. Mit einem Ausflug an die Oper von Shanghai, wo er den Tamino in der Jugend-Version der Zauberflöte („Erzittre Du feiger Bösewicht“) endet dann Kramers Hamburger Engagement.

Gerade rechtzeitig für dieses Interview hat er aufregende Nachrichten für seine Zukunft zu vermelden: Am Teatro Comunale di Bologna wird er erneut den Jaquino singen, Konzerte mit dem Klangforum Wien („Das Lied von der Erde“) führen ihn dieses Jahr noch nach Wien, Brüssel und wieder in die Hansestadt. An der Opéra de Bordeaux wird der Dirigent und GMD Marc Minkowski zudem Mozarts drei Da-Ponte-Opern als Zyklus innerhalb einer Woche aufführen, Kramer soll hierbei die Partien des Ferrandos (Cosi fan tutte), Don Ottavios (Don Giovanni) sowie des Don Basilios (Le Nozze di Figaro) übernehmen. Mehrere auswärtige Gastspiele (u.a. Japan) sind ebenfalls schon geplant. „Ich habe mir immer gewünscht, Mozart unter Herrn Minkowski singen zu dürfen. Mozart ist ohnehin zur Zeit perfekt für meine Stimme, und ich möchte unbedingt noch den Idomeneo und vor allem den Titus singen.“ Der erste Wunsch hat sich inzwischen erfüllt. Zu gönnen wäre es Sascha Emanuel Kramer, wenn sich seine Rollenwünsche auch in Zukunft verwirklichen würden.

—| IOCO Interview Staatsoper Hamburg |—                                                                                                       

Düsseldorf, Savoy Theater, René Kollo – Abschiedstournee, IOCO Aktuell, März 2018

concert team nrw

Savoy Theater

Savoy Theater /concert team m´nrw - René Kollo © HGM-Press

Savoy Theater /concert team m´nrw – René Kollo © HGM-Press

René Kollo – Abschied von seinem Publikum

Anlässlich des 80. Geburtstags

Rene Kollo präsentierte sich im Savoy-Theater Düsseldorf im Rahmen seiner Abschiedstournee mit heiteren, besinnlichen und unterhaltsamen Begebenheiten aus seinem langen und interessanten Künstlerleben. Erzählungen und musikalische Kostproben wechselten sich dabei harmonisch ab. Nicht nur als Sänger, auch als Komponist und Literat führte er das Publikum durch sein wunderschönes Programm mit Arien aus Opern und Operetten, Volksliedern und Evergreens. Er brachte einen kompletten und umfangreichen Ausschnitt aus seinem Repertoire der ernsten und heiteren Muse. Auch gerade durch diese Vielfältigkeit hat er eine Weltkarriere gemacht.

Gewürzt mit launigen Anekdoten und persönlichen Geschichten seiner glanzvollen künstlerischen Laufbahn, nimmt er Abschied von seinem Publikum und lässt singend und plaudernd sein ereignisreiches Leben passieren. Es war eine interessante Zeitreise durch seine Erinnerungen, in der er ehrlich mit sich selbst und ehrlich mit den schönen und auch weniger schönen Seiten des Opernbetriebes war.

Kollo begann als Schauspieler und Schlagersänger und finanzierte damit sein klassisches Gesangsstudium. Seine Opernsänger-Karriere startete er 1965 am Staatstheater Braunschweig. Danach folgte von 1967 bis 1971 ein Engagement an der Deutschen Oper am Rhein Düsseldorf, wo er in Opern von Mozart, Verdi, Puccini und Janacek sang. Mit der Partie des Steuermanns aus Der fliegende Holländer debütierte er in Bayreuth und wurde ab diesem Zeitpunkt vom Publikum für die großen Wagnerpartien wie Siegfried, Parsifal und Lohengrin gefeiert. Er gastierte an allen großen und bedeutenden Opernhäusern der Welt. Regelmäßig an der Deutschen Oper Berlin, der Bayerischen Staatsoper München und bei den Salzburger Festspielen, sowie auch an der Metropolitan Opera New York und an der Covent Garden Opera in London.

Der Titel des Kammersängers wurde ihm von den Opernhäusern Berlin und München verliehen. Geehrt wurde er mit dem „Bayerischen Verdienstorden“ und dem „Bundesverdienstkreuz Erster Klasse am Bande“ Auch verfasste er seine Memoiren und drei unterhaltsame Bücher, in denen er scharf und bissig den modernen Musikbetrieb kritisiert.

An diesem Abend begeisterte Kollo u.a. mit einem Potpourri aus der Kollo-Dynastie, Willi Kollo (Vater) und Walter Kollo (Großvater) und weckte in vielen Besuchern Erinnerungen an Zeiten in denen diese Melodien Gassenhauer waren. Sein musikalisches Programm begann mit dem Operettenlied Ich lad‘ mir gerne Gäste ein“ aus Die Fledermaus von Johann Strauß dann folgte ein bekanntes friesisches Lied, auf plattdeutsch gesungen, in Gedenken an seine norddeutsche Mutter „Kum bi de Nacht as tu min leevste büst (eine Friesin im Publikum fühlte sich angesungen und verdrückte heimlich einige Tränchen).

Danach sang er Es war in Schöneberg im Monat Mai aus der Operette Wie einst im Mai von Walter und Willi Kollo, Immer an der Wand lang eine Komposition des Großvaters Walter Kollo, Dein ist mein ganzes Herz aus Land des Lächelns von Franz Lehár, die Arie des Pinkerton aus „Madama Butterfly“ „Addio, fiorito asil“ von Puccini, Winterstürme wichen dem Wonnemond aus „Walküre“, Richard Wagner und Liebste glaub an mich aus der Operette „Schön ist die Welt“ von Franz Lehár.

Er beendete diesen kurzweiligen Abend mit einer Eigenkomposition Willst du das Land meiner Träume sehen Begleitet wurde Kollo von dem ausgezeichneten Pianisten Florian Schäfer, der hin und wieder heiter die Souffleuse ersetzte.

Beim gut gelaunten Publikum hat der sympathische Tenor an diesem Abend wieder einen bleibenden Eindruck hinterlassen. Ein gelungener Abschied.   Von  K.K.

—| IOCO Aktuell Savoy Theater Düsseldorf |—

Brenda Roberts – Bühnenimpressionen – Teil 2, IOCO Portrait, 02.03.2018

März 2, 2018  
Veröffentlicht unter Personalie, Portraits

Brenda Roberts © Brenda Roberts

Brenda Roberts © Brenda Roberts

BRENDA ROBERTS –  Bühnenimpressionen –  Teil 2

Von Rolf Brunckhorst

Da der erste Teil dieser Erinnerungen sehr positiv aufgenommen wurde, scheint es mir unabdingbar, noch einen abschließenden zweiten Teil zu formulieren.

Brenda Roberts, dramatischer bis hochdramatischer Sopran, 1974 bei den Bayreuther Festspielen, neun Jahre festes Mitglied der Hamburgischen Staatsoper, dann als freie Sängerin tätig  mit Verträgen an der MET, der Wiener Staatsoper, der Pariser Oper, der Münchner Staatsoper, Berlin, Stuttgart, Florenz, Chicago, San Francisco etc.

Dieser zweite Teil beginnt wieder mit einem Beispiel der Zuverlässigkeit und Flexibilität der Sängerin. Eine ToscaPremiere am Staatstheater Kassel ist angesetzt, die hauseigene Sängerin wurde krank, und Brenda Roberts rettete sowohl die A-Premiere in italienischer, als auch die B-Premiere in deutscher Sprache. Einen äußerst nachhaltigen Eindruck hinterließ ihre knallrote Robe, die mit den dramatischen Ausbrüchen der Floria Tosca entsprechend harmonierte. Kaum ein Divenauftritt ist so perfekt konstruiert wie der der Tosca. Da wird nach Mario gerufen, da wird geklopft, und der entflohene Sträfling Angelotti muß sehen, daß er das Feld räumt. Dann rauscht die Diva in die Kirche; das tut Brenda Roberts majestätisch und gebieterisch, ihre Toughness ist aber nur von kurzer Dauer. In Marios Armen verwandelt sie sich in eine eifersüchtige und sehr verletzliche Frau. Das Duett bietet der Sopranistin wahrlich die Möglichkeit, alle Register zu ziehen, und Brenda Roberts hält für jede dieser wechselnden Stimmungen die richtige Stimmfarbe parat. Noch extremer ist der zweite Akt von Puccini entworfen: Angst, brutale Gewalt, Folter und Psychoterror beherrschen die Szene, bis Tosca mit ihrem berühmten Gebet „Vissi d’arte beginnt. Doch auch nach dem Gebet (von Brenda Roberts phänomenal gesungen) läßt Scarpia nicht locker und fordert für die Freiheit Marios eine Stunde mit Floria Tosca. Schamvoll willigt Tosca ein. Immer mehr in die Ecke gedrängt verlangt sie noch zwei Ausreisedokumente. Genau in dieser Sekunde, vom Orchester unverkennbar akzentuiert, entdeckt Tosca das Messer auf Scarpias opulent gedeckter Tafel. Man kann es ihr ansehen, wie sehr es ihr widerstrebt, diesen einzigen Lösungsweg zu gehen. Wenn sie dann rücklings zusticht, tut sie dies mit zitternden Händen und letztem Kraftaufwand. Sofort wird Tosca klar, daß sie einen Menschen getötet hat, und das einzige, das sie noch für Scarpia tun kann, ist, ihn würdig aufzubahren. Danach verläßt Tosca erschüttert den Palazzo, um ihren Geliebten aus dem Kerker zu retten. Im Verlauf des dritten Aktes geht die Sonne auf, ihr Sinken wird keiner der drei Protagonisten mehr erleben. Tosca und Mario balancieren über die Zinnen der Engelsburg und träumen sich in eine Zukunft hinein, an die beide nicht mehr glauben. Das Finale der Oper gehört jedoch Tosca, und hier zieht Brenda Roberts nochmals alle Register, von verliebt zärtlichem Geflüster mit dem ihrer Meinung nach noch lebenden Mario, ungeduldigem Hin und Her ob der Langsamkeit der Soldaten, ihrer Flucht auf die Mauer der Engelsburg, von der sie sich theatralisch ihren Häschern und ihren weltlichen Richtern durch den Sturz in die Tiefe entzieht. „Oh Scarpia, uns richte Gott“ krönt Brenda Roberts mit einem leuchtenden hohen C . Brava Diva !!

Drei Strauss-Generationen hier vl Viorica Ursuleac, Astrid Varnay, Brenda Roberts © Brenda Roberts

Drei Strauss-Generationen hier vl Viorica Ursuleac, Astrid Varnay, Brenda Roberts © Brenda Roberts

Ariadne auf Naxos ist nicht gerade eine Partie, die man mit Brenda Roberts in Verbindung bringt. Aber für eine Vorstellungsserie im Bielefelder Opernhaus studierte die Sängerin diese Partie neu ein und zeigte, daß sie auch erfolgreich eine Figur verkörpern kann, die ihr temperamentsmäßig diametral entgegensteht. Ariadne ist eher eine passive Frau, die sich nach einer gescheiterten Liebe keine neue Beziehung vorstellen kann und auf den Totengott wartet. Der mehrteilige Auftritts-Monolog der Ariadne zwingt Brenda Roberts dazu, die Stimme ganz leicht und lyrisch fließen zu lassen, ganz so, wie es der kammermusikalische Ansatz des Komponisten vorsieht. Kurze Phasen am Ende des Monologs erfordern etwas mehr dramatischen Impetus, dem die Künstlerin nur allzu gern nachkommt. Dann  herrscht wieder Ruhe auf der wüsten Insel, bis eines Tages der jugendliche Held, Bacchus, erscheint, den Ariadne fälschlicherweise für den Totengott hält. Die letzte Viertelstunde gehört Ariadne und Bacchus mit einem Duett, das auch in die „Frau ohne Schatten“ passen würde. Man kann den Komponisten Richard Strauss gar nicht genug für dieses Finale lobpreisen, in dem er sein relativ kleines Kammerensemble wie ein voll besetztes Orchester aufrauschen und aufbrausen lässt. Ariadne und Bacchus stürzten sich mit Vergnügen in diese Orchesterfluten und singen ein bravouröses Schlussduett. Deshalb sei an dieser Stelle ausnahmsweise der Name ihres kongenialen Tenorpartners erwähnt, nämlich der Heldentenor Herbert Schaefer, der über lange Jahre an den Bühnen im gesamten deutschsprachigen Raum reüssierte.

Benjamin Birtten - Gedenkmuschel in Aldebro © IOCO

Benjamin Birtten – Gedenkmuschel in Aldebro © IOCO

Die letzten beiden Betrachtungen werden der Hamburgischen Staatsoper gewidmet, die in den 70er und 80er Jahren über ein wirkliches Weltklasse-Ensemble verfügte. So war auch die Besetzung der Albert Herring-Premiere erstklassig. Als erstklassig erwies sich die gesamte Produktion, die sehr viel britisches Flair in die Hansestadt brachte. Da gab es allenthalben britische Flaggen, ein fröhliches Bühnenbild, das als Zentrum Albert Herrings Kolonialwaren-handlung zeigte. Aber der skurrilste Einfall waren sicherlich die Union-Jack-Fliegen des Dirigenten und der Orchestermitglieder, auch die Rhododendron-Sträucher wuchsen so schön aus dem Orchestergraben heraus. Musikalisch beginnt das Ganze mit einem kompositorischen Geniestreich Benjamin Brittens: die Szene zwischen Lady Billows (Brenda Roberts) und ihrer Haushälterin Florence Pike (die großartige Altistin Ursula Boese). Es war geradezu köstlich, wie Brenda Roberts auf der Suche nach dem moralisch einwandfrei lebenden jungen Mädchen immer wieder neue Namen ins Spiel brachte, die aber von ihrer Haushälterin übereifrig disqualifiziert wurden, denn Florence Pike wusste genau, wer wo wann und mit wem in diesem Dorfe Kontakt hatte. Schließlich ändern die Dorfbewohner ihre Pläne und küren in diesem Jahr einen moralisch einwandfrei lebenden Jüngling, nämlich Albert Herring. Es ist einer der schönsten musikalischen Einfälle, wenn die Dorfbewohner sich nach einem vorsichtigen Flüstern des Namens zu einem gemeinsamen, lautstarken Albert Herring-Choral zusammenfinden. Nur eine Stimme darf dieses Ensemble übertreffen – Lady Billows mit strahlenden Spitzentönen. Man könnte diese Geschichte jetzt Bild für Bild weiterführen, das würde aber den Rahmen dieses Berichtes bei weitem sprengen. Erwähnt werden soll aber noch die Tatsache, dass sich Brenda Roberts zum ersten Mal in ihrer Karriere in einer eher komischen Partie gezeigt und damit bewiesen hat, dass sie auch eine pointensichere Komödiantin sein kann.

Brenda Roberts © Wolfgang Schmitt

Brenda Roberts © Wolfgang Schmitt

Alljährlich gibt es einen Fixpunkt im Hamburger Opernrepertoire: Zu Weihnachten wollen die Leute Hänsel und Gretel sehen, eine wunderschöne Märchenoper, die eine Reihe sehr dankbarer, wenn auch leider entsprechend kurzer Partien enthält. Für einen dramatischen Sopran ist die Partie der Gertrud ideal. Wenn Brenda Roberts diese Rolle übernimmt, wird auf einmal klar, dass es große Parallelen zwischen Färbersfrau (Die Frau ohne Schatten) Gertrud gibt. Beide leben frustriert in ihren kleinen Handwerker-häuschen, beide Frauen haben sich sicherlich mehr von ihrem Leben versprochen. Beide versuchen sie auf nicht ganz koscheren Wegen ihre finanziellen Probleme zu lösen. Am Schluss aber entscheiden sich beide für die Familie. Stimmlich ist die Gertrud durchaus anspruchsvoll, enthält eine kurze Arie („Herr Gott, schick‘ Geld herab“) sowie das beliebte Finale („Wenn die Not am höchsten steigt“).

Zu guter Letzt noch drei Hinweise: Bei Operadepot ist die Hamburger Elektra aus dem Jahre 1975 (Roberts, Saunders, Mödl, Krause, Cassilly, Horst Stein) erschienen. Es gibt auch einen „Pflichttermin“ für Brenda-Roberts-Fans und alle, die es werden wollen:

Freitag, 11. Januar 2019, Liederabend in der Kleinen Laeizshalle.

 

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