Hamburg, Staatsoper Hamburg, Parsifal von Richard Wagner, IOCO Kritik, 26.09.2017

September 26, 2017 by  
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Staatsoper Hamburg

Hamburgische Staatsoper © Kurt Michael Westermann

Hamburgische Staatsoper © Kurt Michael Westermann

Parsifal von Richard Wagner

  Die Geschichte des „Reinen Toren“ in der komplexen Bildersprache  des Achim Freyer

 Von Patrik Klein

Richard Wagner in Bayreuth © IOCO

Richard Wagner in Bayreuth © IOCO

Zur Saisoneröffnung 2017/18 bringt die Hamburgische Staatsoper medienwirksam mit „Liveübertragung“ für alle am Jungfernstieg Richard Wagners Spätwerk Parsifal heraus. Nach zahlreichen Aufführungen wird die viel beachtete Inszenierung des US- amerikanischen Starregisseurs Robert Wilson von 1991 abgelöst durch eine bilderreiche und symbolträchtige Produktion von einem der bekanntesten deutschen Künstler der Nachkriegszeit.

Achim Freyer, der gebürtige Berliner Regisseur, Bühnen- und Kostümbildner sowie Maler war Meisterschüler von Bertolt Brecht. Der heute 83jährige Künstler ebnete in den 1980er Jahren dem amerikanischen Komponisten Philip Glass den Weg mit den Opern Satyagraha, Echnaton und Einstein on the Beach, die in Stuttgart zur Uraufführung kamen. Die Gandhi-Oper Satyagraha wurde auch von den Wuppertaler Bühnen übernommen und beeindruckte damals viele, meist junge Besucher mit ihrem ganz besonderen und extrem aufwändigen künstlerischen Stil. An der Hamburgischen Staatsoper brachte er 1982 seine erste Version der Zauberflöte und 1997 die viel beachtete Oper von Helmut Lachenmann Das Mädchen mit den Schwefelhölzern zur Aufführung. Am vergangenen Wochenende nun Richard Wagners Spät- und „pseudo-religiöses“ Werk Parsifal.

Nach Wagners Willen sollte sein letztes Werk eigentlich nur noch im Festspielhaus in Bayreuth zur Aufführung gelangen. Bereits nach wenigen Jahren wurde diese Verfügung jedoch gebrochen. Parsifal nimmt nicht als Opern- oder Musikdrama, sondern als „Bühnenweihfestspiel“ eine außergewöhnliche Stellung ein. Im Parsifal werden alle Elemente seines die Opernwelt revolutionierenden Komponierens noch einmal zusammengetragen. Mystische, literaturhistorische und philosophische Aspekte verweisen in Parsifal rückblickend auf etliche Figuren seiner früheren Opern.

 Hamburgische Staatsoper / Parsifal_ Parsifal - Andreas Schager, Kundry - Claudia Mahnke © Hans Jörg Michel

Hamburgische Staatsoper / Parsifal – Parsifal Andreas Schager, Kundry Claudia Mahnke © Hans Jörg Michel

In dieser Gemengelage schreitet nun zur Spielzeiteröffnung 2017/18 an der Hamburgischen Staatsoper Regisseur Achim Freyer mit seinem Team aus zahlreichen Bühnen-, Video- und Kostümmitarbeitern im Auftrag vom Intendant George Delnon und unter dem Dirigat von Kent Nagano in Wagners vieldeutiges Werk ein. Freyer betrachtet das Werk Parsifal nicht als Weihfestspiel, sondern als ein großes, facettenreiches Gesamtkunstwerk.

Freyers zentrales Ausstattungselement ist eine riesige, die ganze Bühne ausfüllende Spirale, die mit Spiegeln am Boden und an der Decke das Universum der Handlung vorgibt. Die Spirale kann als Synonym für eine militante Welt betrachtet werden, in der sich alles weiterentwickelt, aber auch immer wieder an die gleichen Stellen stößt. Raum und Zeit wirken hierin als Erfindung unserer Gesellschaft, die von Liebe, Aggression und Machtausübung dominiert wird. Alle sind an der Spirale beteiligt mit ihren Werkzeugen. Kundry, die rastlose Verführerin, kommt nicht klar in dieser Gesellschaft und steht zwischen allen. Die Blumenmädchen fungieren als Symbol für Verführung und Sehnsüchte. Der „Reine Tor“ Parsifal tritt in diese Welt und lernt, nicht zu töten, den sexuellen Umgang mit den Blumenmädchen, seine Vergangenheit mit Leid und Sehnsucht und im reifen Alter wie die Gesellschaft besser funktionieren kann. Schließlich kommen Parsifal und Kundry liebend zusammen, um eine neue, erlöste Welt zu begründen.

Hamburg Staatsoper / Parsifal - Blumenmädchen und Parsifal Andreas Schager © Hans Jörg Michel

Hamburg Staatsoper / Parsifal – Blumenmädchen und Parsifal Andreas Schager © Hans Jörg Michel

Diese Konzeption ist nun nicht unbedingt besonders aufregend oder neu, sie konzentriert sich stattdessen auf das Erzählen der Geschichte Parsifals mit den bekannten und oft benutzten stilistischen Mitteln des Regisseurs.

Die meist in schwarz gehaltene Bühne wird aufwändig mit Videotechnik bebildert, die dem Zuschauer durch Einblendung von Stichworten wie Anfang, Nacht, Quell, Mitleid, Schrei, Traum, Schmerz, Schlaf u.v.m. die Vielfalt der menschlichen Existenz vor Augen führen soll. Die handelnden Figuren und etliche Ausstattungselemente hingegen kommen in kräftigen, pastellfarbenen Tönen daher.  Gurnemanz  in schwarz mit riesiger Spirale und doppeltem Kopf weist den schwantötenden Parsifal mit sparsamen Gesten zurecht (großartig, textverständlich und mit äußerster Sicherheit wohlklingend dargestellt durch den südkoreanischen, bayreutherfahrenen Bass Kwangchul Yuon). Amfortas  gleicht Christus und wird von zwei Gralshütern am Kreuz getragen und gestützt. Der verwundete König wirkt willenlos, ist den „höheren“ Mächten ausgeliefert (hervorragend gesungen von einem der wichtigsten Bass Baritone unserer Zeit Wolfgang Koch, der hier in Hamburg schon häufig u.a. als Kurwenal und Don Giovanni zu erleben war). Kundry rollt wie ein Wollknäuel mit körperlangen Zöpfen in die Szenen (Claudia Mahnke gestaltet die Rolle meisterhaft mit ihrem wunderschön timbrierten Mezzo, glasklaren Höhen und feinster Stimmführung. Bereits in der letzten Saison wusste sie als Judith in Herzog Blaubarts Burg das Hamburger Publikum zu begeistern).

Hamburg Staatsoper / Parsifal - Andreas Schager ist Parsifal © Hans Jörg Michel

Hamburg Staatsoper / Parsifal – Andreas Schager ist Parsifal © Hans Jörg Michel

 Titurel  kurvt  in einem Rollstuhl mit bekrontem Haupt auf den oberen Ebenen der Spirale (etwas unsicher gesungen von Tigran Martirossian). Klingsor macht auf Ba(d)tman mit knallbunter meterlangen Krawatte sein Gemächt verhüllend, heraushängender blutroten Zunge, schrillem Aussehen und Habitus (Ensemblemitglied der Hamburgischen Staatsoper Vladimir Baykov gibt den überdrehten, vor Gier wilden Klingsor mit großem Engament solide, mit etwas wenig Legato behaftet und wacklig in der Höhe). Parsifal in weiß wie ein Harlekin gekleidet mit den dynamischsten Bewegungen der Protagonisten. Von sparsamer, Robert Wilson-ähnlicher Gestik bis zu akrobatischen Läufen besonders in den Szenen mit Kundry (atemberaubend gesungen von mittlerweile „dem“ Parsifal unserer Zeit Andreas Schager(l). Der Österreicher trumpft auf mit lupenreinem, absolut sicherem Tenor.  Er gestaltet die Partie kraftvoll mit feinster Stimmführung und hoher Textverständlichkeit). Die sehr gut intonierenden Blumenmädchen agieren  halbnackt, mit übergroßen Brüsten und wenig erotischem Erscheinungsbild (alle Darstellerinnen sind aus dem Ensemble oder Opernstudio). Die Gralsgesellschaft  wird in meist dunklen Kostümen mit hellen Masken und verzerrten Gesichtern gezeigt (der Chor der Hamburgischen Staatsoper unter dem Dirigat von Eberhard Friedrich, der gerade frisch wieder von Bayreuth zurück an der Elbe ist, hat die Routine und Klasse aus dem Frankenland mit an die Elbe gebracht: präzise und wunderbar geführt kommen die Damen und Herren wieder an ihre Bestleistungen vergangener Tage heran). Klingsors Speer befindet sich in einem vom Schnürboden herabfahrbaren Gestell, das an eine unsymmetrische Geometrie aus der Schulzeit erinnert. Etliche Symbole, wie beispielsweise der getötete Schwan (hier ein riesiger blutroter Lappen) sind in knallbunte Farben getaucht. In dieses rote Tuch wickelt sich Parsifal bei der Gralsenthüllung am Ende des ersten Aktes ein. In der Verwandlungsmusik, in der die Zeit zum Raum wird, erscheinen alle aus der Gesellschaft auf den Ebenen der Spirale, die sich mit Videotechnik untermalt in sich dreht. Zum Ende des ersten Aktes werden viele Lampen im Hintergrund der Bühne erleuchtet, über die ein (wohl den Gral darstellender) kleiner Junge mit überdimensionalem Kopf in Lampenoutfit mit einem Hasen im Arm schreitet (vielleicht ein Symbol für Ostern und die Fruchtbarkeit?). Die Lampen füllen sich mit Blut und leiten das Ritual ein. Mit dieser Bildersprache und Einheitsbühnenbild geht es auch in den folgenden Akten weiter bis am Schluss die Spiegel unter dem Schnürboden völlig kippen und nur noch Kundry mit Parsifal in Erlösung darstellender Pose verbleiben.

Hamburg Staatsoper / Parsifal - Andreas Schager ist Parsifal © Hans Jörg Michel

Hamburg Staatsoper / Parsifal – Andreas Schager ist Parsifal © Hans Jörg Michel

Die vielen zum Teil kafkaesk anmutenden Bilder, die der Zuschauer sehen konnte, bestechen durch Farbenvielfalt, aufregende Kostüme, mannigfaltige Videoeinspielungen und ungewöhnlichste Gesten, die dem Betrachter Abwechslung präsentieren, ihn in die Bilderwelt des Achim Freyer hinein tauchen und quasi zu einem Teil des Gemäldes machen. Dennoch stellt man sich viele Verständnisfragen.

Kent Nagano dirigiert das Philharmonische Staatsorchester Hamburg in 3 Stunden und 50 Minuten im ersten Akt zunächst recht getragen, im Folgenden dann ziemlich flott durch die Partie. Alles klingt auf hohem musikalischen Niveau, allerdings mit kaum spannenden, gewagten oder dynamischen Einfällen.

Das Publikum reagierte sehr unterschiedlich auf die Inszenierung. Während mancher Besucher die Vorstellung vorzeitig verließ feierte das verbliebene Publikum Ensemble, Dirigent und Chor mit lauten Bravos und großem Applaus.

Parsifal an der Staatsoper Hamburg: Weitere Aufführungen 27.9., 30.9., 3.10 2017

 

Bayreuth, Bayreuther Festspiele 2017, Tristan – Parsifal – Festspiel-Erlebnisse, IOCO Aktuell, 20.08.2017

August 19, 2017 by  
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Festspielhaus Bayreuth © Patrik Klein

Festspielhaus Bayreuth © Patrik Klein

Bayreuther Festspiele

 Bayreuther Festspiele 2017 – Mitreißende IOCO Erfahrungen

Tristan und Isolde, Götterdämmerung, Parsifal, IOCO – Redaktionstreffen, Begegnung mit Richard Wagners Urenkelin Katharina Wagner

Von  Patrik Klein

Seit beinahe 30 Jahren reisen meine Frau und ich regelmäßig nach Bayreuth zu den Festspielen, so auch in diesem Jahr. Doch 2017 ist anders als die vielen Jahre zuvor: Erstmals fungiere ich in Bayreuth offiziell als IOCO Koordinator: IOCO Redaktionsmitglied Dr. Hanns Butterhof, besuchte die vier Vorstellungen des Ring des Nibelungen, den Castorf – Ring 2017 und veröffentlichte bei www.ioco.de seine packende Rezension. IOCO – Kollege Dr. Albrecht Schneider wird die Meistersinger, inszeniert von Barrie Kosky, noch besuchen und ebenso bei IOCO berichten. Als IOCO – Koordinator für die Bayreuther Festspiele nahm ich gerne die Gelegenheit wahr, das Kulturportal IOCO, meine Kollegen und mich bei Peter Emmerich, Leiter Marketing und Presse der Bayreuther Festspiele, vorzustellen. In seinem Büro sitzend, IOCO vorstellend, trat plötzlich und völlig unerwartet Katharina Wagner herein, setzte sich zu uns und nahm interessiert wie aktiv an unserem Gespräch teil. Da meine Frau und ich Karten für Tristan und Isolde hatten, Petra Lang (Isolde) aber wegen Indisposition durch Ricarda Merbeth ersetzt wurde, unterhielten wir uns mit Katharina Wagner angeregt über Nöte kurzfristiger Umbesetzungen, die Bayreuther Festspiele allgemein wie auch Ziele und Schwerpunkte des Kulturportales www.ioco.de, IOCO – Kultur im Netz GmbH. Eine für mich wunderbare Erfahrung, all dies im Herzen der Festspiele persönlich wie intensiv kommunizieren zu können.

Bayreuther Festspiele / Katharina Wagner © Matthias Balk

Bayreuther Festspiele / Katharina Wagner © Matthias Balk

Die folgenden Tage in Bayreuth bestanden aus dem Besuch von Tristan und Isolde, Götterdämmerung und dem Spätwerk des Meisters, Parsifal. Dazu im Hotel Goldener Löwe eine kleine Redaktionssitzung zu aktuellen wie zukünftigen Zielen von IOCO; mit Viktor Jarosch und Dr. Hanns Butterhof. Dr. Butterhof besuchte und rezensierte bereits den Bayreuther  Castorf – Ring 2017 (link hier).

Vor dem Festspielhaus Bayreuth: IOCO Bayreuth Koodinator Patrik Klein, Viktor E. Jarosch, Dr. Hanns Butterhof Festspielhaus Bayreuth © Patrik Klein

Vor dem Festspielhaus Bayreuth: IOCO Bayreuth Koodinator Patrik Klein, Viktor E. Jarosch, Dr. Hanns Butterhof Festspielhaus Bayreuth © Patrik Klein

Tristan, Götterdämmerung, Parsifal – Kurze Eindrücke

Tristan und Isolde: Die Musik Richard Wagners geht über Alles. Seine Musik geht durch Mark und Bein; sie regt auf; sie regt an zum Nachdenken, zum Träumen und zum Weinen. Katharina Wagner, Leiterin der Bayreuther Festspiele und Urenkelin Richard Wagners, versteht es blendend in Ihrer Inszenierung von Tristan und Isolde Spannung aufzubauen, Spannung welche fasziniert. Sie schafft es, innere Seelenbilder „sichtbar“ zu machen. Ähnlich der Ruth Berghaus Inszenierung in Hamburg setzt sie an bei der Vorgeschichte.

Bayreuther Festspiele / Tristan und Isolde © Enrico Nawrath

Bayreuther Festspiele / Tristan und Isolde © Enrico Nawrath

Tristan und Isolde lieben sich seit langem, bereits seit der Vorgeschichte in Irland (1. Akt „Dein Elend jammerte mich“ in Liebe-unterstreichender Tonart). König Marke wird nicht als etwas dümmlicher Opa charakterisiert, sondern ist Diktator, Schurke, Egoist. Die Handlung der Katharina Wagner – Inszenierung ist folgerichtig und klug durchdacht. Tristan und Isolde  brauchen keinen Liebestrank (mir klopft das Herz). Sie schütten ihn sogar weg u.v.m. Im zweiten Akt wird deutlich, dass sie wissen, dass dies ihre letze Nacht (Liebesnacht) werden wird. Der dritte Akt endet nicht wie so oft mit einem verklärten Liebestod (Wagner hat nie geschrieben, dass sie stirbt); Isolde spielt noch ein wenig mit der Leiche ihres Geliebten und wird dann schroff von Marke in ihre Kammer gezerrt. Atemberaubend und großartig dargestellt. Das Orchester der Bayreuther Festspiele ist „des Wahnsinns fette Beute“. Am Beginn des dritten Aktes kann man die Tränen angesichts der Schönheit der Musik nicht mehr zurückhalten. Warum auch?

Bayreuther Festspiele / Tristan und Isolde - Schlussapplaus © Patrik Klein

Bayreuther Festspiele / Tristan und Isolde – Schlussapplaus © Patrik Klein

Christian Thielemann dirigiert perfekt; flüssig; an manchen Stellen innehaltend; wuchtig; solide; abenteuerlich. Es ist eine Freude. Der Gesang ist besser als befürchtet. Grandios mit allesüberstrahlendem Bass René Pape. Kraftvoll bis zum letzten Atemzug der Tristan von Stephen Gould. Ricarda Merbeth singt ordentlich von der Seite für die erkrankte Petra Lang. Frau Lang spielt stumm. Die Brangäne wird von der wohlklingenden Christa Mayer dargestellt. Insgesamt sind die Stimmen bis auf René Pape wenig textverständlich. Obwohl ich den Text der Oper Tristan und Isolde recht gut kenne, sehnt man die fehlenden Übertitel herbei. Großer Jubel und Getrampel nach sechs Stunden spannendem Musiktheater.

Bayreuther Festspiele / Götterdämmerung - Finale © Enrico Nawrath

Bayreuther Festspiele / Götterdämmerung – Finale © Enrico Nawrath

Götterdämmerung: Da Dr. Hanns Butterhof bereits ausführlich über den Ring berichtete, hier mein kurzer Eindruck von der Castorfschen Apokalypse des Kapitalismus. Die Vorstellung gerät, wenn man die drei vorherigen Teile nicht sehen konnte, leicht zu einer Reizüberflutung größten Ausmaßes. Nie zuvor war ich nach einer Götterdämmerung emotional so fertig und scheinbar überrannt. Doch die Musik war umso erstaunlicher. Marek Janowski dirigierte vor Kurzem mit dem NDR Elbphilharmonieorchester und Weltklassesängern ein großartiges Rheingold in der Elbphilharmonie Hamburg. Die musikalisch hohe Qualität setzte sich hier in Bayreuth   nahtlos fort.

Bayreuther Festspiele / Götterdämmerung - Schlussapplaus © Patrik Klein

Bayreuther Festspiele / Götterdämmerung – Schlussapplaus © Patrik Klein

Janowski dirigiert zügig; sehr zügig, aber spannend und facettenhaft. Das machte Spaß. Die Sängerriege kurzum großartig erhielt Zuspruch ohne Einschränkungen. Es ist wunderbar, ein solches gleichförmiges Niveau erleben zu dürfen. Der Chor unter Eberhard Friedrich singt im Weltklassemodus. Man wünscht sich als Hamburger an dieser Stelle, dass es ihm gelänge, dies auch an der Hamburgischen Staatsoper häufiger umzusetzen.

Bayreuther Festspiele / Parsifal 1. Akt © Enrico Nawrath

Bayreuther Festspiele / Parsifal 1. Akt © Enrico Nawrath

„Ich denke an manchen Tagen, dass es besser wäre, wenn wir gar keine Religionen mehr hätten“, so der Dalai Lama. Parsifal bei den Bayreuther Festspiele 2017: Ein Ereignis.  Regisseur Uwe Eric Laufenberg gibt zu denken; er provoziert mit sanften Bildern, nicht wie gestern der Chef des aktuellen Ringes. Seine Bilder rauben mir den Atem. Wir befinden uns in Mossul, wenn ich die Raumfahrt über google earth richtig gedeutet habe. In einer beschädigten Kirche, die nachts Flüchtlingen Unterschlupf gewährt. Soldaten queren und in der Kuppel sitzt eine Gestalt auf einem Stuhl, blau gekleidet mit schwarzen Locken…starr und stumm…sie wird uns die ganzen 4 Musikstunden begleiten, nichts sagen, nichts tun, nur ab und an mal angestrahlt; die machtlose Mutter Gottes? Die Gralsritter wirken hektisch und es lauert Gefahr. Gurnemanz (überragend Gerd Zeppenfeld) weist den schwantötenden Parsifal (Andreas Schagerl in Bestform) in seine Schranken. Die Verwandlungsmusik wird bebildert durch eine Videowand in voller Bühnenbreite. Durch das Kuppeldach der Kirche fliegen wir in den Weltraum und sehen Sterne, Chaos und wilde Schönheit. Und wir landen wieder dort, im Irak, an der Grenze zur Türkei. Amfortas (großartig Ryan McKinny) leidet und durchlebt eine Tortur des Rituals der Gralsenthüllung. Der Chor unter Eberhard Friedrich klingt erschütternd. Amfortas wird die Wunde gewaltsam geöffnet, Blut entnommen und in den Kelch gefüllt. Verrohen die Gralshüter angesichts der brutalen Ereignisse? Im zweiten Aufzug im Reich des Klingsors (Werner Van Mechelen mit einem kraftvollen Bayreuthdebut) findet in einem Hamam statt. Die Blumenmädchen sind als Muslima getarnt und unter Burkas verhüllt. Erst als Parsifal erscheint, entledigen sie sich der Kleidung und erscheinen in farbenfrohen Gewändern. Parsifal im Dialog mit der großartigen Kundry, Elena Pankratova, wird durch Mitleid wissend und nimmt sich Kundry ordentlich zur Brust.

Bayreuther Festspiele / Parsifal - Schlussapplaus © Patrik Klein

Bayreuther Festspiele / Parsifal – Schlussapplaus © Patrik Klein

Ein gefangen gehaltener Gralshüter tut es ihm gleich, während Klingsor sich in einem Kuppelraum vollgestopft mit Kreuzen mit einer Peitsche malträtiert. Im dritten Akt befinden wir uns viele Jahre später wieder im Dunstkreis Amfortas. Gurnemanz im Rollstuhl, kaum noch gehfähig, Kundry eine Greisin. Der Ort ist verwildert mit riesigen Pflanzen, die das Mauerwerk längst durchstoßen haben. Ersehntes Wasser regnet in Strömen aus den Wolken während beim Karfreitagszauber wieder ein Videoausflug stattfindet, bei dem Kundry, Amfortas und Wagners Totenmaske „erlöst“ werden. Die Schlussszene wiederholt sich wie am Anfang. Die wütenden Gralshüter fordern massiv ein letztes Mal die Enthüllung von Amfortas (der Chor sehr ausdrucksstark!). In offenem Sarg werden die religiösen Attribute der großen Weltreligionen versenkt, währenddem die Kirche aufreißt, das Licht im Zuschauerraum anschwillt und das Ensemble friedvoll in der Hinterbühne verschwinden. Der Vorhang fällt NICHT! Jubel ohne Ende für alle Beteiligten und ganz besonders für das atemberaubende Dirigat Hartmut Haenchens.

Sydney, Opera House, Jonas Kaufman mit Parsifal in Sydney, 09.- 14. August 2017

August 8, 2017 by  
Filed under Oper, Opera House Sydney, Premieren, Pressemeldung

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Sydney / Opera House © IOCO

Sydney / Opera House © IOCO

www.opera-australia.org.au

Jonas Kaufmann im Sydney Opera House

So schreibt man in Sydney über „the superstar tenor“

Jonas Kaufmann is the greatest tenor of our time, and he returns to the Sydney Opera House for a rare concert performance of Wagner’s final opera, PARSIFAL.

Jonas Kaufmann © Gregor Hohenberg / Sony Classical

Jonas Kaufmann © Gregor Hohenberg / Sony Classical

Season runs from Wednesday, 9 August to Monday, 14 August 2017
Wednesday 9 August, 2017 at 6pm, Saturday 12 August, 2017 at 2pm, Monday 14 August, 2017 at 6pm,  Tickets from $145 + $8.50 Booking Fee

[Von Jonas Kaufmann wurden verschiedene Aufnahmen bei der Sony Classical veröffentlicht.]

This show runs for 5 hours and 30 minutes including 2 intervals A ‘lock out’ period applies to this event. NO LATECOMERS WILL BE ADMITTED. PLEASE NOTE: NO LATECOMERS WILL BE ADMITTED TO THIS EVENT.

Power and Majesty
In a story drawn from the Arthurian legends of holy relics, enchanted maidens and faithful knights, the fate of the knights rest on the shoulders of a pure fool, Parsifal. Kaufmann describes the opera as a „transcendent journey led by the music“. “Lean back, give in to the music, and something extraordinary can happen,Kaufmann says.

The power and majesty of Wagner’s music needs massive orchestral forces. Released from the orchestra pit to fill the stage, the Australian Opera and Ballet Orchestra, under the baton of Pinchas Steinberg and joined by a cast of international and Australian stars, will be something to behold.

Artist Information
The superstar tenor, Jonas Kaufmann performs alongside a cast of acclaimed Wagner interpreters, conducted by Pinchas Steinberg.
CONDUCTOR Pinchas Steinberg, PARSIFAL Jonas Kaufmann, KUNDRY Michelle DeYoung, AMFORTAS Michael Honeyman, KLINGSOR Warwick Fyfe, GURNEMANZ Kwangchul Youn, TITUREL David Parkin, FLOWER MAIDENS, Stacey Alleaume, Jane Ede, Anna Dowsley, Eva Kong, Julie Lea Goodwin, Dominica Matthews
ALTO SOLO Anna Dowsley, ESQUIRES Eva Kong, Anna Dowsley, Graeme Macfarlane, Simon Kim, KNIGHTS Dean Bassett, Alexander Hargreaves, Opera Australia Chorus, Opera Australia Orchestra,  PMOpera Australia

The SYDNEY OPERA HOUSE – Eine Beschreibung

 Sydney und sein Hafen gleich neben dem Opernhaus© IOCO

Sydney und sein Hafen gleich neben dem Opernhaus© IOCO

Das Opernhaus von Sydney, Meisterstück moderner Architektur, 1973 eingeweiht, ist eines der drei großen Wahrzeichen Australiens. Neben der über 100 Jahre alten Harbour Bridge und dem Legenden-umwobenen Ayers Rock in der Mitte des Kontinents. Das Sydney Opera House beherbergt mehrere kulturelle Einrichtungen: Die Concert Hall mit 2700 Sitzen und das Opera Theatre mit 1547 Sitzplätzen. Das Sydney Opera House, obwohl erst 1973 erbaut, wurde bereits 2007 zum Weltkulturerbe erklärt wurde.

Der Bau des Sydney Opera House war zunächst ein Desaster: Ursprünglich mit 7 Millionen Au$ veranschlagt, überstiegen die Baukosten am Ende über 100 Millionen AU$. Die Bauzeit erstreckte sich wegen bautechnischer Streitigkeiten über sieben Jahre. Äußerlich mit verzaubernder Optik lebt die Oper im Innern mit erheblichen Einschränkungen: Der Bühnenraum besitzt keine Tiefe, Bühnenbilder müssen flach sein, deren Anlieferung ist schwierig. Das Ensemble agiert häufig gefährlich nah am Orchestergraben. Der Orchestergraben verschwindet, Bayreuth-ähnlich, zur Hälfte unter den Bühnenboden, welches dem Orchesterklang ein wenig Brillianz raubt. Doch der verzaubernde Flair der Sydney Opera verzeiht alle baulichen Mängel. Für Europäer wird ein Besuch der Sydney Opera zu einem lebendigen Traum.  IOCO

Krefeld, Theater Krefeld Mönchengladbach, Lohengrin – In irdischem Wettstreit gefangen, IOCO Kritik, 21.04.2017

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Theater Krefeld Mönchengladbach

Theater Krefeld © Matthias Stutte

Theater Krefeld © Matthias Stutte

Lohengrin von Richard Wagner

„Gral Gesandter scheitert in irdischem Streit“

Von Viktor Jarosch

Lohengrin am Theater Krefeld, Premiere 16.4.2017, weitere Vorstellungen 22.4.2017, 7.5.2017, 20.5.2017, 25.6.2017, 2.7.2017

Am Niederrhein war man gespannt. Lohengrin im Theater Krefeld, erstmals seit über 40 Jahren. Wie würde Richard Wagners Musikdrama aufgenommen werden? Kann das Orchester die sphärische Aura von Traum- und Gralswelt spürbar machen, sind die Solisten den extremen Ansprüchen der Partien von Elsa, Lohengrin, Ortrud und Telramund gewachsen, wird die Regie angenommen? Nach der Vorstellung, zur Premierenfeier, hörte ich einen Solist zu seinem Nachbarn flüstern „einen ähnlichen Beifallsturm habe ich seit vielen Jahr am Theater Krefeld nicht erlebt.“ So war es, langer starker Beifall für alle, für den neuen Lohengrin am Theater Krefeld!

Theater Krefeld / Lohengrin - Koenig Heinrich und die Edlen von Brabant © Thomas Esser

Theater Krefeld / Lohengrin – Koenig Heinrich und die Edlen von Brabant © Thomas Esser

Die Oper Lohengrin fasziniert bis heute an allen Bühnen der Welt, ein letzter Höhepunkt der romantischen Opern. Komponist Richard Wagner war zur Uraufführung 1850 an der Hofoper in Weimar, dem heutigen Deutschen Nationaltheater, nicht anwesend. Franz Liszt, damaliger Hofkapellmeister in Weimar und späterer Schwiegervater, hatte zuvor den bewunderten wie steckbrieflich gesuchten „Dresdner Revolutionär“ Richard Wagner zur Flucht in die Schweiz verholfen. Die deutscheste aller Opern Wagners offenbart in Konflikten zwischen Gralsbestimmung und irdischem Treiben eine unauflösliche Gemengelage zwischen Liebe und Leben, in der letztlich die Liebe stirbt. Der sagenumwobene mythische Gral bannte Richard Wagner über Jahrzehnte, bis zu seiner letzten Oper Parsifal. Wagners Lohengrin Komposition ist bereits revolutionär, kehrt sich ab von der Nummernoper und bringt erstmals die freie Deklamation; die Vorspiele bemalen Stimmungen; wiederkehrende Tonarten kennzeichnen die Protagonisten, A-Dur ist Lohengrin; die Orchestrierung teilt gleiche Instrumente erstmals in Gruppen welche sich trennen und wieder verschmelzen; Chöre werden zu dramatischen Akteuren. Die Dichtung der Oper speist sich aus vielen Quellen: Wagner formt seinen Lohengrin aus deutscher Geschichte, Erzählungen und deutschen Mythen; das Herzogtum Brabant der Oper ist Synonym für ein deutsches Reich; Wagners Nähe zur Revolution von 1848 ist bei der Deutung von Mythen und Realität zentraler Schlüssel. Seine Hoffnung, wenn  schon nicht die Menschen selbst, so möge uns Gott, Lohengrin oder Parsifal  schon auf Erden zum Heil führen, erfüllt sich nicht. Nicht in der Oper Lohengrin, nicht in irdischem Einerlei.

Theater Krefeld / Lohengrin - Telramund und Edle © Thomas Esser

Theater Krefeld / Lohengrin – Telramund und Edle © Thomas Esser

Die Krefelder Inszenierung des Lohengrin sucht diese Nähe zum modernen Alltag, zur Realität menschlichen Seins. Lohengrins Mystik wird als fremde, mit  irdischem unvereinbare Welt gezeichnet. So verbreitet Regisseur Robert Lehmeier Mystik meist nur zu den Vorspielen und im Nachspiel; zu den sphärischen Streicherklängen des ersten Vorspieles stehen Elsa und Thronfolger Gottfried als Kind pantomimisch stumm und regungslos vor den Vorhang, zum Nachspiel deutet Gottfried im dunklen Hintergrund der Bühne nackt, erwachsen, mit Schwert, erneut Erlösung an.  Die Realtät dominiert auf der Bühne. Alle Mystik verliert sich im ersten Bühnebild; doch nicht mit Wagners klassischem Heerbann, Gerichtseiche oder Rittern, sondern aus dem irdisch jetzigem Lebensalltag gezeichnet: Ein großer Saal mit halbrunder Tischformation in der Mitte, Bänke an den Seitenwänden; Bühne Tom Musch. König Heinrich (Matthias Wippich) grüßt mit elegantem wohlklingenden Timbre: „Gott euch euch, liebe Männer von Brabant, nicht müßig tat zu Euch ich diese Fahrt„. Er wie seine Gefolgsleute in modern geschäftlich glattem Outfit, Männer mit Krawatten, Frauen in Gehröcken (Kostüme Ingeborg Bernerth). Friedrich von Telramund, Johannes Schwärsky, ebenfalls in Business-Outfit, ließ schon mit seiner ersten Arie „Dank, König, dir, daß du zu richten kamst..“ aufhorchen;  sein kräftiger dramatisch lyrischer Bassbariton wurde von präziser Diktion begleitet. Gemeinsam mit dem bald folgendem, klangschönem Sopran von Izabela Matula als Elsa von Brabant, in buntem Frühlingskleid „Einsam in trüben Tagen hab ich zu Gott gefleht..“, war früh zu erkennen, daß zur Oper Lohengrin am Theater Krefeld ein unerwartet starkes Solistenensemble auf der Bühne steht. Doch, zu diesem Zeitpunkt, lagen noch drei Stunden komplexe Handlung vor Orchester, Chor und Solisten, wie auch den Besuchern.

 Theater Krefeld / Lohengrin - Telramund, Elsa, Lohengrin © Thomas Esser

Theater Krefeld / Lohengrin – Telramund, Elsa, Lohengrin © Thomas Esser

Lohengrin (Peter Wedd) erscheint aus dem geheimnisvollen Dunkel im Bühnenhintergrund in die irdische Wirklichkeit der vorderen Bühne: Der mystifizierende Schwan bleibt unsichtbar, Wirklichkeit dominiert auf der Bühne. Mit Beginn gibt Wedd dem Lohengrin mit hell kraftvoller Stimme perfekte Bühnenpräsenz: „Nun sei bedankt, mein lieber Schwan!…“. Alles Bühnengeschehen und Bilder betonen das Irdische, das Zwielichtige der heutigen Welt. Mystisches, Lohengrin, fremdeln darin unwirklich, fast Fremdkörper. Elsa bleibt immer die im heutigen Leben stehende Frau, welche, natürlich, die Herkunft von Lohengrin wissen will. Auch die folgenden Bildern betonen reales, gelegentlich allzu irdisches: Im Dunkel eines Vortragsraumes voller Bürostühle konspiriert Ortrud (Eva Maria Günschmann) mit dramatischem Mezzo in elegantem Zweiteiler mit Telramund, säht erste Zweifel in Elsa. Elsas folgende Hochzeit wird als Massenhochzeit zelebriert: Voll verhüllte Frauen sitzen neben in den Krieg ziehenden Männern in Kampfanzügen. Der Kampf Lohengrins mit Telramund wird nur angedeutet; der tote Telramund wird später in Rollstuhl und Leichensack auf die Bühne gerollt. Lohengrin holt kein Schwan ab, er wandert seitlich unauffällig ins Nichts, ins Außerirdische. Doch die Mystik stirbt nie wirklich: Hoffnung auf himmlische Erlösung erweckend erscheint Gottfried zum Ausklang im Bühnenhintergrund.

 Theater Krefeld / Lohengrin - Elsa und Brautchor © Thomas Esser

Theater Krefeld / Lohengrin – Elsa und Brautchor © Thomas Esser

Die große Spannung der Krefelder Lohengrin Inszenierung entsteht immer wieder aus dem griffigen Gegensatz von sphärischer Mystik zu irdisch profanem Treiben. Die wunderbare Komposition, starke Stimmen und große Bühnenpräsenz der Solisten (LohengrinsIn fernem Land, unnahbar euren Schritten“ ist ein glanzvoller Höhepunkt des Abends) und des Chores (Maria Benyumova) machen diesen Lohengrin zu einem besonderen kulturellen Ereignis am Niederrhein. Die Niederrheinischen Sinfoniker unter Mihkel Kütson, ohne große Krefelder Wagner-Tradition, verzaubern durch farbenreiche Klänge großer Romantik, auch patzte kein Trompeter im Hochzeitsmarsch. Wie sagte in der Premierenfeier ein Solist: „Einen ähnlichen Beifallsturm hat es in Krefeld seit Jahren nicht mehr gegeben.

Lohengrin am Theater Krefeld, Premiere 16.4.2017, weitere Vorstellungen 22.4.2017, 7.5.2017, 20.5.2017, 25.6.2017, 2.7.2017

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